Soul delivery nunca se moldaram em torno do ímpeto ou do resultado. A banda surgiu devagar, através de aulas universitárias e jam sessions informais, sem um plano fixo ou pressão comercial. Essa ausência de urgência moldou não apenas o som, mas também a dinâmica interna. Tocar juntos nunca foi sobre “chegar lá” — foi sobre prazer, confiança e estar presente. Mesmo agora, ao pensarem com mais seriedade sobre sustentabilidade, eles descrevem aquela sensação inicial de diversão como algo a ser protegido em vez de superado.

Essa mentalidade ainda define como a música deles toma forma. A escrita começa pela atmosfera e pelo tom, muito antes da estrutura. Quando uma jam soa honesta e todos estão presos ao mesmo momento, a banda diz que as partes certas tendem a se revelar naturalmente. As músicas são reconhecidas coletivamente, não dissecadas ou forçadas a um formato. É um processo instintivo que valoriza a escuta compartilhada tanto quanto a performance.

O contraste entre os dois álbuns reflete os ambientes que os cercaram. FOODCOURT foi criado durante a pandemia, moldado pelo isolamento e colaboração remota. Peninsula Park, em contraste, nasceu de viagens — particularmente um período formativo em London cercado por artistas com ideias semelhantes. Essa mudança trouxe colaborações mais amplas, mais espaço nos arranjos e o que a banda descreve como uma sensação de “espaço e maturidade” que os ouvintes conseguem perceber ao longo do álbum.

O movimento entre Seoul e London também aguçou a perspectiva deles sobre cenas e infraestrutura. A liberdade da comunidade jazz do UK — sua abertura a gêneros, experimentação e apoio intergeracional — deixou uma impressão duradoura. Isso reforçou a crença de que a música prospera quando diversidade e infraestrutura cultural estão presentes, e não quando artistas são encaixados em categorias rígidas.

Apesar de atuarem fora do sistema de idols, múltiplas indicações ao Korean Music Awards marcaram um ponto de virada. O reconhecimento trouxe novas audiências, ouvintes mais velhos e um crescente senso de responsabilidade — não apenas pelo próprio trabalho, mas pela cena em geral. Para Soul delivery, a profundidade vem em primeiro lugar. A crença é simples: se o trabalho se aprofunda honestamente, sua escala aparecerá por si.

Leia a seguir nossa entrevista aprofundada com Soul delivery sobre jam sessions, comunidade e construir uma cena além de categorias.

Soul delivery começou por aulas na universidade e jams informais, em vez de ser uma banda planejada. Olhando para trás, o que esse começo lento e não intencional lhes deu que um início mais estruturado talvez não teria?

Acho que se resume a não carregar tanta pressão. Não começamos com um grande plano de negócios em mente; nos juntamos simplesmente porque tocar naquele momento era divertido. Sem a obsessão de “temos que chegar lá”, a equipe ficou na verdade mais flexível e, de certa forma, mais forte. Acredito que fazer o que você realmente quer é essencial para buscar a felicidade na vida. Encontramos felicidade real simplesmente em jamar juntos em quatro. Construir música a partir dessa sensação de diversão levou a resultados que soam mais naturais, mais honestos e mais fiéis a quem somos. Isso moldou não só o som, mas também uma mentalidade muito mais saudável em relação ao trabalho como banda.

Agora estamos pensando seriamente em como tornar essa diversão sustentável. Se você quer continuar fazendo algo que ama, é preciso um esforço real. Ainda assim, para nós, a alegria de continuar sempre importou mais do que ideias convencionais de “sucesso”. Encontrar o equilíbrio entre o que realmente queremos fazer e as partes que nem sempre vêm naturalmente tornou-se uma jornada significativa por si só. E, de certa forma, esse processo é outra forma de prazer para nós agora.

Jam sessions ainda estão no centro de como vocês escrevem. O que vocês escutam numa jam antes de decidir que ela deve virar uma música pronta?

Para nós, se a jam é honesta e todos estão realmente conectados, as partes boas tendem a emergir por conta própria. Depois de tocar, quando conversamos sobre isso, geralmente percebemos que fomos atraídos pelos mesmos momentos.

Muito disso começa com as decisões de som que tomamos antes mesmo de começar a tocar. Se o timbre e a atmosfera já parecem certos, e a jam mantém esse foco, muitas vezes há um momento em que todos sentimos que isso pode crescer e se tornar uma peça final.

FOODCOURT e Peninsula Park foram ambos construídos a partir de jam sessions, mas soam bem diferentes. O que mudou entre esses dois períodos das suas vidas?

Em primeiro lugar, o ambiente mudou completamente. FOODCOURT foi feito no meio da pandemia, então era difícil encontrar pessoas pessoalmente. A maioria das participações foi feita remotamente.

Já para Peninsula Park, por outro lado, viajamos para London com um grupo de artistas com ideias afins, deixando que a energia da viagem moldasse a música enquanto jamávamos juntos. Para nós, não se trata apenas de nos destacarmos. Queremos que os talentos incríveis ao nosso redor também sejam vistos e ouvidos. Uma comunidade sólida é o que torna a cena musical diversa, e espero que outros criativos se inspirem em nós e encontrem coragem para assumir seus próprios riscos. Por isso Peninsula Park tem uma gama maior de participações.

Outra coisa é que amadurecemos um pouco. Se éramos verdes e ingênuos durante FOODCOURT, as falhas que enfrentamos ao lançar aquele álbum e os altos e baixos pessoais da vida nos tornaram mais fortes. Aprendemos a deixar ir um pouco mais, e isso trouxe mais consideração e espaço ao nosso tocar. Vai ser uma experiência divertida para os ouvintes tentar perceber essa mudança em “espaço e maturidade” entre os dois álbuns.

A descrição de vocês no Bandcamp compara a música ao ato de cozinhar e compartilhar comida. Por que essa ideia de “delivery” ainda importa para vocês hoje?

Grande parte do que tocamos vem de momentos compartilhados à volta da comida — comer, beber, conversar e passar tempo juntos. Essas experiências naturalmente moldam a forma como tocamos, e às vezes a memória de uma boa refeição ou de um momento significativo vira até o ingrediente cru de uma música.

Portanto, delivery não é apenas uma metáfora para nós. Pensamos na música como uma forma de carregar 넋(Soul) e oferecê-la às pessoas além do lugar onde estamos. Assim como cozinhar e compartilhar comida, trata-se de alcançar, conectar e passar algo significativo adiante.

A banda se descreve como baseada entre Seoul e London. Como o movimento entre essas cidades afeta o som ou a mentalidade criativa de vocês?

London — especialmente a cena jazz do UK — foi uma enorme fonte de inspiração para nós. O que realmente chamou atenção foi o quão livres os músicos são. Eles não se limitam à ideia de jazz como um gênero; misturam afrobeat, grime, música eletrônica — muito naturalmente. E essa é a essência do Jazz; é uma atitude experimental por si só. Inspirados por isso, tentamos adotar uma abordagem mais ousada ao nosso som.

A cena jazz do UK também tem comunidades incrivelmente saudáveis. Músicos seniores apoiam ativamente a próxima geração, e esses artistas mais jovens crescem e alimentam a cena de volta — é uma estrutura realmente sólida. Embora não seja perfeita, a aspiração de sustentar as comunidades e a cena é bem apoiada por financiamento governamental, indústria musical e pessoas não-artistas que valorizam muito a diversidade. Testemunhar isso nos deu muita confiança na forma como criamos. Isso nos fez querer compartilhar essa abordagem e atitude com mais criativos, e ver até onde ela poderia chegar além de nós.

Queremos conectar esse tipo de energia entre Seoul e outras cidades. Imaginamos uma cena na Korea onde artistas com sensibilidades semelhantes se apoiam e inspiram mutuamente, e onde qualquer pessoa possa aproveitar sons experimentais sem preconceito. Acreditamos de verdade que, quando infraestrutura cultural e diversidade estão no lugar, é aí que a música pode finalmente mostrar seu verdadeiro poder.

Espaços de apresentação como Ronnie Scott’s Upstairs e, mais tarde, casas no Japan expuseram sua música a novas audiências. O que tocar fora da Korea ensinou sobre como sua música viaja?

Para nós, estar presente em cada momento e lugar realmente importa. Tocar em ambientes e culturas desconhecidas sempre traz uma sensação de frescor, e essas experiências naturalmente influenciam a forma como tocamos.

O que continuamos aprendendo é que, mesmo quando a língua e a cultura são diferentes, a música nos permite conectar quase imediatamente. Cada vez que nos apresentamos no exterior, isso nos assegura que nossa música pode viajar além de onde foi feita, não por palavras, mas por sentimento e som compartilhados. Poder experimentar essa conexão e compartilhá-la com novas audiências é algo que genuinamente nos deixa felizes.

Vocês foram indicados várias vezes ao Korean Music Awards sem operar dentro do sistema mainstream do K-pop. Esse reconhecimento mudou como a indústria os enxerga, ou como vocês se enxergam?

Soul delivery Ser indicados ao Korean Music Awards foi algo que nenhum de nós jamais imaginou. Naquele momento, não tínhamos totalmente compreendido o que aquele reconhecimento realmente significava. Mas o simples fato de sermos indicados nos deu um motivo claro para continuar fazendo música como esta banda. Depois disso, conhecemos um selo de vinil que nos disse que foi profundamente tocado pelo nosso primeiro álbum, o que levou ao nosso primeiro lançamento em vinil. Além disso, conhecemos ouvintes de uma geração mais velha — verdadeiros amantes da música — que diziam, “Estávamos esperando por música assim.” Recebemos mais oportunidades de tocar, e mais pessoas começaram a prestar atenção no que dizemos e tocamos no palco, documentando e lembrando desses momentos.

Pela primeira vez, começamos a aprender o que responsabilidade no palco realmente significa. À medida que esse senso de responsabilidade cresceu, também começamos a pensar mais profundamente sobre a cena à qual pertencemos. Isso levou a novas convicções — erguer-se contra tratamentos injustos e criar nossos próprios espaços para tocar quando não existiam.

HAEUN Através do Korean Music Awards, conversas com profissionais da indústria e interações com pessoas que trabalham no mainstream do K-pop, percebi que quanto mais nos aproximamos do mainstream, mais sinto que na essência não somos tão diferentes. Há claramente uma diferença de capital, mas uma das maiores percepções para mim foi que artistas independentes precisam ainda mais de um ‘sistema’. Por exemplo, coisas como venda de ingressos e de merchandise, ou expressar gratidão aos fãs…

Como responsável pelo marketing do Soul delivery, sinto que temos a sorte de fazer álbuns e produzir shows numa época em que “K-” recebe tanta atenção global. Tem sido uma oportunidade valiosa para aprender e aplicar aspectos dos métodos da indústria do K-pop, do começo ao fim. Ao mesmo tempo, acreditamos que nossa música também faz parte do fluxo mais amplo do “K-.”

Muitos ouvintes internacionais descobrem a música coreana primeiro através do K-pop. Como vocês se sentem quando Soul delivery é encontrado por esse caminho, mesmo que suas raízes estejam em outros lugares?

Vemos isso como um efeito positivo em cascata. Houve um tempo em que dizíamos, “Nós não somos K-music!” mas a verdade é que somos coreanos.

Apesar de nossa base estar enraizada na música Black, jazz e soul, não achamos que esses rótulos de gênero sejam necessariamente o que desperta a curiosidade de ouvintes internacionais. Além disso, dentro da cena musical coreana, os significados e limites de Black music, jazz e soul podem ser bem ambíguos. A cena jazz não nos vê exatamente como jazz, e também não pertencemos totalmente ao pop. Esse espaço intermediário nos fez querer definir nosso próprio gênero. Assim como Miles Davis nomeou e moldou o cool jazz, queremos chamar nossa música de 넋(NUGS) — nosso próprio termo. Para chegar lá, em vez de perseguir algo ou nos encaixar em uma categoria existente, a identidade do Soul delivery precisa ficar ainda mais clara e forte. Vemos isso como um processo.

À medida que o K-pop cresce globalmente, cenas coreanas não-idol também estão se tornando mais visíveis. Vocês sentem que a atenção global cria mais espaço para bandas como a de vocês, ou às vezes isso acaba borrando diferenças importantes?

HAEUN Quando o Soul delivery fez nossa primeira turnê no Japan, conhecemos muitos fãs locais. Curiosamente, muitos deles começaram como fãs de idols do K-pop há muito tempo. O amor deles pelo K-pop evoluiu para um interesse mais amplo pela Korea, que eventualmente os levou a nos encontrar. Eles eram até incrivelmente fluentes em coreano! Encontrá-los pessoalmente me fez perceber o quanto é significativo apresentar a eles música instrumental de alta qualidade e mostrar como ela pode ser divertida.

De certa forma, às vezes parece que o público doméstico se interessa menos pela cena local (underground/indie). Isso pode soar um pouco pessimista, mas o mercado doméstico fora do K-pop é bem pequeno, e as pessoas tendem a seguir tendências em vez de explorar seus próprios gostos pessoais. É exatamente por isso que estamos trabalhando tanto para criar mais oportunidades de ir para o exterior.

Colaborações parecem naturais para vocês, seja com SOLE, THAMA ou músicos do exterior. O que torna uma colaboração significativa em vez de forçada?

Nosso motivo para valorizar colaboração é simples. Humanos não foram feitos para existir sozinhos, e acreditamos que nos aproximamos de estar ‘inteiros’ quando nossas forças compensam as fraquezas uns dos outros.

Olhe para o que ‘The Soulquarians’ criou no Electric Lady Studios no final dos anos 90. Não foi apenas uma combinação técnica; mostrou a enorme sinergia que surge quando artistas se juntam com um só coração. Esse tipo de energia é muito difícil de encontrar nos fluxos de trabalho modernos orientados pela eficiência.

É por isso que o Soul delivery coloca a ‘naturalidade’ acima do ‘planejamento’. Trabalhamos com todo tipo de criadores — claro, músicos, mas também fotógrafos, artistas visuais, designers — e vemos esse processo em si como nosso verdadeiro produto. Nem sempre é fácil, porém. À medida que ficamos mais ocupados, é fácil perder de vista a essência. Mas sempre nos lembramos de que resultados reais e significativos vêm de confiança, afeto e do esforço para realmente entender uns aos outros.

Soul delivery expandiu além da música para festivais, festas e espaços culturais. Como vocês decidem quando a banda deve liderar algo, e quando deve simplesmente apoiar uma cena mais ampla?

SHINDRUM Essa expansão não nasceu de um grande plano mestre, mas sim de um senso desesperado de ‘sobrevivência’ e ‘sede’. Para ser pessoal por um momento: quando comecei a atividade como SHINDRUM em 2016, a maior parede que enfrentei foi a falta de espaços e sistemas que pudessem capturar totalmente nossa vibe. Para romper com o quadro limitado dos ‘jazz clubs’, lancei a marca 'Rhythm Desire Love (R.S.S)' para explorar a sustentabilidade dos artistas. Esses esforços se acumularam no que hoje é o 'RSS HOUSE.' Minha esperança é que esse espaço seja uma residência artística e um ‘santuário’ onde músicos possam escapar da lógica do capitalismo e experimentar seus sons mais autênticos.

Há um ano, organizei o RSS MUSIC FESTIVAL com mais de 100 músicos locais. A razão pela qual insisti em manter esse evento, mesmo arcando com perdas financeiras, é minha crença de que a ‘cena’ em si precisa ser saudável para que nossa música perdure. Então, para responder à sua pergunta sobre os critérios de quando lideramos versus quando apoiamos — honestamente, ainda estou descobrindo isso. No entanto, uma coisa é certa: todas as nossas atividades são direcionadas não ao nosso sucesso solitário, mas à sustentabilidade da comunidade mais ampla.

Quando vocês pensam no futuro do Soul delivery, imaginam crescimento em escala, ou crescimento em profundidade?

Fora do Soul delivery, já estamos vivenciando plenamente fluxos de ‘escala massiva’. De grandes concertos com dezenas de milhares de pessoas a sessões de turnê, vimos de perto o apelo do sistema com um grande mercado impulsionado por merchandise e marketing viral.

Quando começamos essa equipe, apenas curtíamos fazer o que queríamos. Mas com o passar do tempo, sentimos o peso crescer sobre nossos ombros. Queríamos alcançar escala e profundidade simultaneamente, mas a realidade do mercado às vezes foi dura. O público muitas vezes reagia mais imediatamente à escala visível do que à profundidade essencial, e admito que às vezes senti um profundo ceticismo durante esse processo.

No entanto, nossa conclusão é clara: precisamos ir mais fundo. Acreditamos que, em vez de simplesmente perseguir a definição de escala do mercado, se nos aprofundarmos de forma inteligente e criativa, as pessoas que ressoarem com essa profundidade se reunirão para criar nossa própria nova escala. Seguindo em frente, o Soul delivery pretende juntar pessoas de maneira mais sábia, aprofundando-se juntos para entregar uma mensagem contundente ao mundo. Vocês podem esperar a onda massiva que nossa profundidade vai criar.