Soul delivery tidak pernah membingkai diri mereka seputar momentum atau hasil akhir. Band ini muncul perlahan, melalui kelas-kelas universitas dan sesi jam informal, tanpa rencana tetap atau tekanan komersial. Ketiadaan rasa tergesa-gesa itu membentuk tidak hanya suara mereka, tetapi juga dinamika internal. Bermain bersama tidak pernah tentang “harus sukses” – melainkan tentang kesenangan, kepercayaan, dan hadir di momen. Bahkan sekarang, ketika mereka mulai berpikir lebih serius soal keberlanjutan, mereka menggambarkan rasa kesenangan awal itu sebagai sesuatu yang perlu dilindungi, bukan dilampaui.

Pola pikir itu masih menentukan bagaimana musik mereka terbentuk. Penulisan dimulai dari suasana dan nuansa, jauh sebelum struktur. Ketika sebuah jam terasa jujur dan semua orang terkunci pada momen yang sama, band ini mengatakan bagian-bagian yang tepat cenderung muncul dengan sendirinya. Lagu dikenali secara kolektif, bukan dibedah atau dipaksa menjadi bentuk tertentu. Ini adalah proses naluriah yang menghargai saling mendengarkan sama pentingnya dengan penampilan.

Kontras antara dua album mereka mencerminkan lingkungan yang berubah di sekitar mereka. FOODCOURT dibuat selama pandemi, terbentuk oleh isolasi dan kolaborasi jarak jauh. Peninsula Park, sebaliknya, tumbuh dari perjalanan – khususnya periode pembentuk di London yang dikelilingi oleh artis-artis sehaluan. Pergeseran itu membawa kolaborasi lebih luas, lebih banyak ruang dalam aransemen, dan apa yang band sebut sebagai rasa “ruang dan kedewasaan” yang pendengar dapat dengar sepanjang rekaman.

Pergerakan antara Seoul dan London juga mengasah perspektif mereka tentang scene dan infrastruktur. Kebebasan komunitas jazz di UK – keterbukaannya terhadap genre, eksperimen, dan dukungan antar-generasi – meninggalkan kesan yang mendalam. Itu menguatkan keyakinan mereka bahwa musik berkembang ketika keberagaman dan infrastruktur budaya ada, bukan ketika artis dikotakkan ke kategori kaku.

Meskipun beroperasi di luar sistem idol, beberapa nominasi di Korean Music Awards menandai titik balik. Pengakuan membawa audiens baru, pendengar yang lebih tua, dan rasa tanggung jawab yang tumbuh – bukan hanya terhadap karya mereka sendiri, tetapi juga terhadap scene yang lebih luas. Bagi Soul delivery, kedalaman datang dahulu. Keyakinan mereka sederhana: jika karya diperdalam dengan jujur, skalanya akan mengikuti.

Baca wawancara mendalam kami dengan Soul delivery tentang jamming, komunitas, dan membangun scene yang melampaui kategori.

Soul delivery bermula lewat kelas universitas dan jam informal daripada menjadi band yang direncanakan. Dilihat sekarang, apa yang diberikan oleh awal yang lambat dan tidak disengaja itu yang mungkin tidak dimiliki oleh awal yang lebih terstruktur?

Saya rasa intinya adalah tidak membawa terlalu banyak tekanan. Kami tidak memulai dengan rencana bisnis besar; kami berkumpul karena bermain pada momen itu menyenangkan. Tanpa obsesi “kita harus sukses,” tim justru menjadi lebih fleksibel dan, dalam beberapa hal, lebih kuat. Saya percaya melakukan apa yang benar-benar ingin dilakukan itu penting untuk mengejar kebahagiaan hidup. Kami menemukan kebahagiaan nyata hanya dengan jamming sebagai empat orang. Membangun musik dari rasa kesenangan itu menghasilkan hal yang terasa lebih natural, lebih jujur, dan lebih sesuai dengan siapa kami. Itu membentuk bukan hanya suara, tetapi juga pola pikir yang jauh lebih sehat terhadap kerja sebagai sebuah band.

Sekarang kami berpikir serius tentang bagaimana membuat kesenangan itu berkelanjutan. Jika ingin terus melakukan sesuatu yang dicintai, itu memang membutuhkan upaya nyata. Namun bagi kami, kegembiraan untuk terus berkarya selalu lebih penting daripada gagasan konvensional tentang “sukses.” Menemukan keseimbangan antara apa yang benar-benar ingin kami lakukan dengan bagian-bagian yang tidak selalu datang secara alami telah menjadi perjalanan yang bermakna. Dan dalam beberapa hal, proses itu sendiri saat ini merupakan bentuk kenikmatan bagi kami.

Jamming tetap menjadi pusat cara kalian menulis. Apa yang kalian dengarkan dalam sebuah jam sebelum memutuskan bahwa itu harus menjadi lagu jadi?

Bagi kami, jika jam itu jujur dan semua orang benar-benar terkunci, bagian-bagian bagus cenderung muncul sendiri. Setelah bermain, ketika kami berdiskusi, biasanya kami menyadari bahwa kami tertarik pada momen-momen yang sama.

Banyak yang dimulai dari keputusan suara yang kita buat bahkan sebelum mulai bermain. Jika tonalitas dan suasana sudah terasa pas, dan jam itu mempertahankan fokus itu, seringkali ada momen di mana kami semua merasakan bahwa ini bisa berkembang menjadi sebuah karya jadi.

FOODCOURT dan Peninsula Park keduanya dibangun dari sesi jam, namun terasa sangat berbeda. Apa yang berubah antara dua periode hidup kalian itu?

Pertama-tama, lingkungannya berubah total. FOODCOURT dibuat di tengah pandemi, jadi sulit bertemu orang secara langsung. Sebagian besar fitur dilakukan secara remote.

Untuk Peninsula Park, di sisi lain, kami melakukan perjalanan ke London bersama sekelompok artis sehaluan, membiarkan energi perjalanan itu membentuk musik saat kami jamming bersama. Bagi kami, ini bukan hanya soal sukses secara personal. Kami ingin talenta-talentanya yang luar biasa di sekitar kami juga terlihat dan didengar. Komunitas yang solid adalah yang membuat scene musik beragam, dan saya berharap kreator lain terinspirasi oleh kami dan menemukan keberanian untuk mengambil risiko mereka sendiri. Itulah mengapa Peninsula Park memiliki rentang kolaborasi yang lebih luas.

Hal lain adalah bahwa kami sedikit lebih dewasa. Jika kami hijau dan naif saat FOODCOURT, kegagalan yang kami alami saat merilis album itu dan pasang surut hidup pribadi membuat kami lebih tangguh. Kami belajar untuk sedikit melepaskan, dan itu membawa pertimbangan serta ruang lebih ke dalam permainan kami. Akan menjadi pengalaman menyenangkan bagi pendengar untuk mencoba menangkap pergeseran “ruang dan kedewasaan” antara kedua album itu.

Deskripsi Bandcamp kalian membandingkan musik kalian dengan memasak dan berbagi makanan. Mengapa gagasan “delivery” masih penting bagi kalian sekarang?

Banyak yang kami mainkan datang dari momen-momen yang dibagi di sekitar makanan — makan, minum, ngobrol, dan menghabiskan waktu bersama. Pengalaman-pengalaman itu secara alami membentuk cara kami bermain, dan terkadang kenangan tentang makanan enak atau momen bermakna bahkan menjadi bahan mentah untuk sebuah lagu.

Jadi delivery bukan sekadar metafora bagi kami. Kami memikirkan musik sebagai cara membawa 넋(Soul) dan menawarkannya kepada orang-orang di luar tempat kami berada. Sama seperti memasak dan berbagi makanan, ini soal merangkul, terhubung, dan meneruskan sesuatu yang bermakna.

Band ini menyebut dirinya berbasis di Seoul dan London. Bagaimana bergerak di antara kedua kota itu memengaruhi suara atau pola pikir kreatif kalian?

London—terutama scene jazz di UK—adalah sumber inspirasi besar bagi kami. Yang benar-benar menonjol adalah betapa bebasnya para musisi di sana. Mereka tidak dibatasi oleh gagasan jazz sebagai genre; mereka mencampurkan afrobeat, grime, musik elektronik—dengan sangat alami. Dan di sana terletak esensi Jazz; itu adalah sikap eksperimental itu sendiri. Terinspirasi oleh itu, kami mencoba mengambil pendekatan yang lebih berani pada suara kami.

Scene jazz UK juga memiliki komunitas yang sangat sehat. Musisi senior secara aktif mendukung generasi berikutnya, dan para artis muda itu tumbuh untuk memberi kembali pada scene—itu struktur yang sangat solid. Meskipun tidak sempurna, aspirasi untuk mempertahankan komunitas dan scene didukung oleh pendanaan pemerintah, industri musik, dan non-artis yang sangat menghargai keberagaman. Menyaksikan ini memberi kami banyak kepercayaan dalam cara kami berkarya. Itu membuat kami ingin membagikan pendekatan dan sikap ini kepada lebih banyak kreator, dan melihat sejauh mana hal itu bisa menjalar di luar kami.

Kami ingin menghubungkan energi semacam itu antara Seoul dan kota-kota lain. Kami membayangkan sebuah scene di Korea di mana artis dengan kepekaan serupa saling mendukung dan menginspirasi, dan di mana siapa pun bisa menikmati suara eksperimental tanpa prasangka. Kami benar-benar percaya bahwa ketika infrastruktur budaya dan keberagaman ada, saat itulah musik dapat menunjukkan kekuatan sejatinya.

Ruang pertunjukan seperti Ronnie Scott’s Upstairs dan kemudian venue di Jepang mengekspos musik kalian ke audiens baru. Apa yang kalian pelajari tentang bagaimana musik kalian “berpergian” saat tampil di luar Korea?

Bagi kami, hadir di setiap momen dan tempat benar-benar penting. Bermain di lingkungan dan budaya yang tidak akrab selalu membawa rasa kesegaran, dan pengalaman itu secara alami memengaruhi cara kami bermain.

Yang terus kami pelajari adalah bahwa bahkan ketika bahasa dan budaya berbeda, musik memungkinkan kita terhubung hampir seketika. Setiap kali kami tampil di luar negeri, itu meyakinkan kami bahwa musik kami bisa melintasi tempat asalnya, bukan lewat kata-kata, tetapi lewat perasaan dan suara yang sama-sama dirasakan. Dapat merasakan koneksi itu dan membaginya dengan audiens baru adalah sesuatu yang benar-benar membuat kami bahagia.

Kalian beberapa kali dinominasikan di Korean Music Awards tanpa beroperasi di dalam sistem K-pop mainstream. Apakah pengakuan itu mengubah bagaimana industri melihat kalian, atau bagaimana kalian melihat diri sendiri?

Soul delivery Dinominasikan di Korean Music Awards adalah sesuatu yang tidak pernah kami bayangkan. Saat itu, kami belum sepenuhnya memahami apa arti pengakuan itu. Tetapi sekadar menjadi nominasi memberi kami alasan jelas untuk terus membuat musik sebagai band ini. Setelah itu, kami bertemu sebuah label vinyl yang mengatakan mereka sangat tersentuh oleh album pertama kami, yang kemudian membawa pada rilis vinyl pertama kami. Juga, kami bertemu pendengar dari generasi yang lebih tua—pecinta musik sejati—yang berkata, “Kami sudah menunggu musik seperti ini.” Kami diberi lebih banyak kesempatan untuk tampil, dan lebih banyak orang mulai memperhatikan apa yang kami katakan dan mainkan di panggung, mendokumentasikan dan mengingat momen-momen itu.

Untuk pertama kalinya, kami mulai belajar apa arti tanggung jawab di atas panggung. Saat rasa tanggung jawab itu tumbuh, kami juga mulai berpikir lebih dalam tentang scene tempat kami berada. Itu membawa pada keyakinan baru—melawan perlakuan tidak adil dan menciptakan ruang tampil kami sendiri jika tidak ada.

HAEUN Melalui Korean Music Awards, percakapan dengan profesional industri, dan interaksi dengan orang-orang yang bekerja di K-pop mainstream, saya menyadari bahwa semakin dekat kita ke mainstream, semakin saya merasa kita sebenarnya tidak terlalu berbeda. Jelas ada perbedaan modal, tetapi salah satu realisasi terbesar bagi saya adalah bahwa artis independen justru lebih membutuhkan 'sistem'. Misalnya, hal-hal seperti penjualan tiket dan merchandise, atau mengekspresikan rasa terima kasih kepada penggemar…

Sebagai orang yang bertanggung jawab atas pemasaran Soul delivery, saya merasa beruntung bisa membuat album dan memproduksi pertunjukan di saat “K-” menerima begitu banyak perhatian global. Itu menjadi kesempatan berharga untuk belajar dan menerapkan aspek-aspek metode industri K-pop, dari awal hingga akhir. Pada saat yang sama, kami percaya musik kami juga bagian dari arus “K-” yang lebih luas.

Banyak pendengar internasional pertama kali menemukan musik Korea lewat K-pop. Bagaimana perasaan kalian ketika Soul delivery ditemukan lewat jalur itu, meskipun akar kalian di tempat lain?

Kami melihatnya sebagai efek limpahan yang positif. Pernah ada masa kami bilang, “Kita bukan K-music!” tapi kenyataannya, kami orang Korea.

Meskipun fondasi kami berakar pada Black music, jazz, dan soul, kami tidak berpikir label genre itu selalu yang menimbulkan rasa penasaran bagi pendengar internasional. Juga, dalam scene musik Korea, makna dan batasan Black music, jazz, dan soul bisa cukup ambigu. Scene jazz tidak sepenuhnya melihat kami sebagai jazz, dan kami juga tidak sepenuhnya masuk ke pop. Ruang di antaranya itu membuat kami ingin mendefinisikan genre kami sendiri. Sama seperti Miles Davis menamai dan membentuk cool jazz, kami ingin menyebut musik kami 넋(NUGS)—istilah kami sendiri. Untuk sampai ke sana, alih-alih mengejar sesuatu atau memasukkan diri ke kategori yang ada, identitas Soul delivery perlu menjadi lebih jelas dan kuat. Kami melihat ini sebagai sebuah proses.

Seiring K-pop tumbuh secara global, scene Korea non-idol juga semakin terlihat. Apakah kalian merasa perhatian global menciptakan lebih banyak ruang bagi band seperti kalian, atau terkadang mengaburkan perbedaan penting?

HAEUN Saat Soul delivery melakukan tur pertama kami di Jepang, kami bertemu banyak penggemar lokal. Menariknya, banyak dari mereka awalnya adalah penggemar lama idol K-pop. Kecintaan mereka pada K-pop berkembang menjadi minat yang lebih luas pada Korea, yang akhirnya membawa mereka menemukan kami. Mereka bahkan fasih berbahasa Korea! Bertemu langsung membuat saya sadar betapa bermaknanya memperkenalkan mereka pada musik instrumental berkualitas tinggi dan menunjukkan betapa menyenangkannya itu.

Dalam beberapa hal, kadang terasa bahwa pendengar domestik kurang tertarik pada scene lokal (underground/indie). Mungkin terdengar agak pesimistis, tetapi pasar domestik di luar K-pop cukup kecil, dan orang cenderung mengikuti tren daripada mengeksplorasi selera pribadi mereka. Itulah mengapa kami bekerja keras untuk menciptakan lebih banyak kesempatan pergi ke luar negeri.

Kolaborasi terasa alami bagi kalian, baik dengan SOLE, THAMA, atau musisi luar negeri. Apa yang membuat kolaborasi terasa bermakna daripada dipaksakan?

Alasan kami menghargai kolaborasi sederhana. Manusia tidak ditakdirkan untuk eksis sendirian, dan kami percaya kita menjadi lebih 'utuh' ketika kekuatan kita saling menutupi kelemahan masing-masing.

Lihat apa yang ‘The Soulquarians’ ciptakan di Electric Lady Studios pada akhir 90-an. Itu bukan sekadar kombinasi teknis; itu menunjukkan sinergi besar yang menyala saat artis berkumpul dengan satu hati. Energi semacam itu sulit ditemukan dalam alur kerja modern yang berfokus pada efisiensi.

Itulah mengapa Soul delivery menempatkan 'kelaziman' di atas 'perencanaan.' Kami telah bekerja dengan berbagai kreator—tentu saja musisi, tetapi juga fotografer, perupa visual, desainer—dan kami memandang proses itu sendiri sebagai keluaran sejati kami. Tidak selalu mudah, memang. Saat kami semakin sibuk, mudah kehilangan esensi. Tapi kami selalu mengingatkan diri bahwa hasil yang nyata dan bermakna datang dari kepercayaan, kasih sayang, dan usaha untuk benar-benar memahami satu sama lain.

Soul delivery telah berkembang melampaui musik menjadi festival, pesta, dan ruang-ruang budaya. Bagaimana kalian memutuskan kapan band harus memimpin sesuatu, dan kapan cukup mendukung scene yang lebih luas?

SHINDRUM Perluasan ini tidak lahir dari rencana besar, melainkan dari rasa 'bertahan' dan 'haus' yang mendesak. Untuk sedikit personal: ketika saya mulai berkegiatan sebagai SHINDRUM pada 2016, tembok terbesar yang saya temui adalah kurangnya ruang dan sistem yang bisa benar-benar menangkap vibe kami. Untuk membebaskan diri dari kerangka terbatas 'jazz clubs,' saya meluncurkan brand 'Rhythm Desire Love (R.S.S)' untuk mengeksplorasi keberlanjutan artis. Upaya-upaya itu terkumpul menjadi apa yang sekarang disebut 'RSS HOUSE.' Harapan saya adalah ruang ini menjadi residensi artis dan 'sanctuary' di mana musisi bisa melarikan diri dari logika kapitalisme dan bereksperimen dengan suara paling autentik mereka.

Setahun lalu, saya menjalankan RSS MUSIC FESTIVAL dengan lebih dari 100 musisi lokal. Alasan saya berjuang mempertahankan acara itu, meski menanggung kerugian finansial, adalah keyakinan bahwa 'scene' itu sendiri harus sehat agar musik kita bertahan. Jadi, untuk menjawab kriteria kapan kami memimpin versus kapan kami mendukung—jujur, saya masih dalam proses mencari tahu itu. Namun satu hal pasti: semua aktivitas kami diarahkan bukan untuk kesuksesan tunggal kami sendiri, melainkan untuk keberlanjutan komunitas yang lebih besar.

Ketika memikirkan masa depan Soul delivery, apakah kalian membayangkan pertumbuhan dalam skala, atau pertumbuhan dalam kedalaman?

Di luar Soul delivery, kami sudah sepenuhnya merasakan arus 'skala besar.' Dari konser besar dengan puluhan ribu orang hingga sesi tur, kami telah melihat daya tarik sistem dengan pasar raksasa yang didorong oleh merchandise dan pemasaran viral secara langsung.

Saat kami memulai tim ini, kami hanya menikmati melakukan apa pun yang kami mau. Tetapi seiring waktu, kami merasakan beban di bahu kami makin berat. Kami ingin mencapai skala dan kedalaman sekaligus, tetapi realitas pasar terkadang keras. Publik sering bereaksi lebih cepat terhadap skala yang terlihat daripada kedalaman yang esensial, dan saya mengakui kadang saya merasa skeptis selama proses itu.

Meski begitu, kesimpulan kami jelas: Kita harus menjadi lebih dalam. Kami percaya bahwa alih-alih sekadar mengejar definisi skala pasar, jika kita memperdalam diri secara cerdas dan kreatif, orang-orang yang beresonansi dengan kedalaman itu akan berkumpul untuk menciptakan skala baru kita sendiri. Ke depan, Soul delivery bertujuan mengumpulkan orang dengan cara yang lebih bijak, memperdalam bersama untuk menyampaikan pesan berat ke dunia. Kalian bisa menantikan gelombang besar yang akan diciptakan oleh kedalaman kami.