Soul delivery nunca se enfocó en el ímpetu o en el resultado. La banda surgió lentamente, a partir de clases universitarias y jams informales, sin un plan fijo ni presión comercial. Esa ausencia de urgencia marcó no solo su sonido, sino también su dinámica interna. Tocar juntos nunca fue sobre “triunfar”: fue sobre disfrutar, confiar y permanecer presentes. Incluso ahora, mientras piensan más seriamente en la sostenibilidad, describen ese sentido inicial de diversión como algo que hay que proteger en lugar de dejar atrás.

Esa mentalidad sigue definiendo la forma en que surge su música. La escritura comienza por la atmósfera y el tono, mucho antes de la estructura. Cuando un jam se siente honesto y todos están conectados en el mismo momento, la banda dice que las partes correctas tienden a revelarse de forma natural. Las canciones se reconocen colectivamente, no se diseccionan ni se forzan. Es un proceso instintivo que valora la escucha compartida tanto como la interpretación.

El contraste entre sus dos discos refleja los entornos cambiantes a su alrededor. FOODCOURT se creó durante la pandemia, moldeado por el aislamiento y la colaboración remota. Peninsula Park, en cambio, nació del viaje: particularmente por un periodo formativo en London rodeados de artistas afines. Ese cambio trajo una colaboración más amplia, más espacio en los arreglos y lo que la banda describe como una sensación de “espacio y madurez” que los oyentes pueden percibir a lo largo del disco.

El movimiento entre Seoul y London también agudizó su perspectiva sobre escenas e infraestructura. La libertad de la comunidad jazz del UK —su apertura a la mezcla de géneros, la experimentación y el apoyo intergeneracional— dejó una impresión duradera. Reforzó su creencia de que la música prospera cuando existe diversidad e infraestructura cultural, no cuando los artistas quedan encasillados en categorías rígidas.

A pesar de operar fuera del sistema idol, varias nominaciones en los Korean Music Awards marcaron un punto de inflexión. El reconocimiento trajo nuevas audiencias, oyentes de mayor edad y un creciente sentido de responsabilidad —no solo hacia su propio trabajo, sino hacia la escena en general. Para Soul delivery, la profundidad viene primero. Su creencia es simple: si el trabajo se profundiza con honestidad, su propia escala vendrá por sí sola.

Sigue leyendo nuestra entrevista en profundidad con Soul delivery sobre jamming, comunidad y cómo construir una escena más allá de las categorías.

Soul delivery comenzó a través de clases universitarias y jams informales en lugar de una banda planeada. Mirando atrás, ¿qué les dio ese inicio lento e involuntario que un comienzo más estructurado quizá no les habría dado?

Creo que realmente se reduce a no cargar con demasiada presión. No empezamos con un gran plan de negocios en mente; nos juntamos porque tocar en ese momento era divertido. Sin la obsesión de “tenemos que triunfar”, el equipo realmente se volvió más flexible y, de alguna manera, más fuerte. Creo que hacer lo que realmente quieres hacer es esencial para buscar la felicidad en la vida. Encontramos felicidad real simplemente jammeando juntos los cuatro. Construir música sobre ese sentido de diversión llevó a resultados que se sienten más naturales, más honestos y más fieles a quienes somos. Ha moldeado no solo el sonido, sino también una mentalidad mucho más sana hacia el trabajo en banda.

Ahora estamos pensando seriamente en cómo hacer que esa diversión sea sostenible. Si quieres seguir haciendo algo que amas, sí requiere un esfuerzo real. Aun así, para nosotros, la alegría de continuar siempre ha importado más que las ideas convencionales de “éxito”. Encontrar el equilibrio entre lo que realmente queremos hacer y las partes que no siempre vienen tan naturalmente se ha convertido en un viaje significativo por sí mismo. Y, de alguna forma, ese proceso es otra forma de disfrute para nosotros ahora.

El jamming sigue en el centro de cómo escriben. ¿Qué escuchan en un jam antes de decidir que debería convertirse en una canción terminada?

Para nosotros, si el jam es honesto y todos están realmente conectados, las partes buenas tienden a aflorar por sí solas. Después de tocar, cuando hablamos sobre ello, suele ocurrir que nos dimos cuenta de que nos habíamos sentido atraídos por los mismos momentos.

Mucho empieza con las decisiones sonoras que tomamos incluso antes de empezar a tocar. Si el tono y la atmósfera ya se sienten bien, y el jam mantiene ese foco, a menudo hay un momento en el que todos sentimos que esto podría crecer hasta convertirse en una pieza terminada.

FOODCOURT y Peninsula Park se construyeron a partir de sesiones de jam, pero suenan muy diferentes. ¿Qué cambió entre esos dos periodos de sus vidas?

Primero, el entorno cambió por completo. FOODCOURT se hizo en medio de la pandemia, así que era difícil encontrarse en persona. La mayoría de las colaboraciones se hicieron de manera remota.

Para Peninsula Park, en cambio, viajamos a London con un grupo de artistas afines, dejando que la energía del viaje moldeara la música mientras jammeábamos juntos. Para nosotros no se trata solo de hacerlo bien nosotros mismos. Queremos que los talentos increíbles que nos rodean sean vistos y escuchados más también. Una comunidad sólida es lo que hace que la escena musical sea diversa, y espero que otros creativos se inspiren en nosotros y encuentren el valor para tomar sus propios riesgos. Por eso Peninsula Park tiene una gama más amplia de colaboraciones.

Otra cosa es que hemos crecido un poco. Si éramos verdes e ingenuos durante FOODCOURT, los fracasos que enfrentamos al lanzar ese álbum y los altibajos personales de la vida nos han vuelto más duros. Aprendimos a soltar un poco más, y eso trajo más consideración y espacio a nuestra forma de tocar. Será una experiencia divertida para los oyentes intentar captar ese cambio en "espacio y madurez" entre los dos discos.

La descripción en su Bandcamp compara su música con cocinar y compartir comida. ¿Por qué esa idea de “delivery” sigue siendo importante para ustedes ahora?

Gran parte de lo que tocamos viene de momentos compartidos alrededor de la comida: comer, beber, hablar y pasar tiempo juntos. Esas experiencias moldean naturalmente la forma en que tocamos, y a veces los recuerdos de una buena comida o de un momento significativo incluso se convierten en los ingredientes crudos para una canción.

Así que delivery no es solo una metáfora para nosotros. Pensamos en la música como una forma de llevar 넋(Soul) y ofrecerla a personas más allá de donde estamos. Al igual que cocinar y compartir comida, se trata de acercarse, conectar y transmitir algo significativo.

La banda se describe como basada entre Seoul y London. ¿Cómo afecta el moverse entre esas ciudades a su sonido o a su mentalidad creativa?

London —especialmente la escena jazz del UK— fue una gran fuente de inspiración para nosotros. Lo que realmente nos llamó la atención fue lo libres que son los músicos allí. No están confinados por la idea del jazz como un género; mezclan afrobeat, grime, música electrónica, de forma muy natural. Y esa es la esencia del Jazz; es una actitud experimental en sí misma. Inspirados por eso, hemos intentado adoptar un enfoque más audaz con nuestro sonido.

La escena jazz del UK también tiene comunidades increíblemente saludables. Músicos veteranos apoyan activamente a la siguiente generación, y esos artistas más jóvenes crecen para alimentar de nuevo la escena: es una estructura muy sólida. Aunque no es perfecta, la aspiración de sostener las comunidades y la escena cuenta con respaldo de financiación gubernamental, industria musical y no-artistas que muestran un gran respeto por la diversidad. Ser testigos de esto nos dio mucha confianza en la forma en que creamos. Nos hizo querer compartir este enfoque y actitud con más creativos, y ver hasta dónde podría llegar más allá de nosotros.

Queremos conectar ese tipo de energía entre Seoul y otras ciudades. Nos imaginamos una escena en Korea donde artistas con sensibilidades similares se apoyen e inspiren mutuamente, y donde cualquiera pueda disfrutar de sonidos experimentales sin prejuicios. Creemos sinceramente que cuando existe infraestructura cultural y diversidad, es cuando la música puede mostrar finalmente su verdadero poder.

Espacios para tocar como Ronnie Scott’s Upstairs y luego locales en Japan expusieron su música a nuevas audiencias. ¿Qué les enseñó tocar fuera de Korea sobre cómo viaja su música?

Para nosotros, estar presentes en cada momento y lugar realmente importa. Tocar en entornos y culturas desconocidas siempre aporta una sensación de frescura, y esas experiencias influyen naturalmente en cómo tocamos.

Lo que seguimos aprendiendo es que, incluso cuando el idioma y la cultura son diferentes, la música nos permite conectar casi de inmediato. Cada vez que actuamos en el extranjero, nos confirma que nuestra música puede viajar más allá de donde se hizo, no a través de palabras, sino mediante el sentimiento y el sonido compartidos. Poder experimentar esa conexión y compartirla con nuevas audiencias es algo que de verdad nos hace sentir felices.

Han sido nominados varias veces en los Korean Music Awards sin operar dentro del sistema mainstream del K-pop. ¿Ese reconocimiento cambió cómo la industria los ve, o cómo se ven ustedes mismos?

Soul delivery Ser nominados para los Korean Music Awards fue algo que ninguno de nosotros imaginó. En ese momento, no habíamos comprendido completamente lo que ese reconocimiento realmente significaba. Pero el simple hecho de ser nominados nos dio una razón clara para seguir haciendo música como esta banda. Después de eso, conocimos a un sello de vinilo que nos dijo que se conmovió profundamente con nuestro primer álbum, lo que llevó a nuestro primer lanzamiento en vinilo. Además, conocimos oyentes de una generación mayor—verdaderos amantes de la música—que decían: “Hemos estado esperando música como esta.” Nos dieron más oportunidades para tocar, y más gente comenzó a prestar atención a lo que decimos y tocamos en el escenario, documentando y recordando esos momentos.

Por primera vez, empezamos a aprender lo que realmente significa la responsabilidad en el escenario. A medida que ese sentido de responsabilidad crecía, también comenzamos a pensar más profundamente en la escena a la que pertenecemos. Eso llevó a nuevas convicciones—levantarnos contra el trato injusto y crear nuestros propios espacios para tocar si no existían.

HAEUN A través de los Korean Music Awards, conversaciones con profesionales de la industria e interacciones con personas que trabajan en el K-pop mainstream, me he dado cuenta de que cuanto más nos acercamos al mainstream, más siento que en realidad no somos tan diferentes. Claramente hay una diferencia en capital, pero una de las mayores realizaciones para mí fue que los artistas independientes necesitan aún más un ‘sistema’. Por ejemplo, cosas como la venta de entradas y merchandising, o expresar gratitud a los fans…

Como la persona a cargo del marketing de Soul delivery, siento que tenemos la fortuna de estar haciendo discos y produciendo shows en una época en la que el prefijo “K-” recibe tanta atención global. Ha sido una oportunidad valiosa para aprender y aplicar aspectos de los métodos de la industria del K-pop, de principio a fin. Al mismo tiempo, creemos que nuestra música también forma parte del flujo más amplio de “K-”.

Muchos oyentes internacionales descubren la música coreana primero a través del K-pop. ¿Cómo se sienten cuando Soul delivery es descubierto por ese camino, aunque sus raíces estén en otro lugar?

Lo vemos como un efecto positivo por goteo. Hubo un tiempo en el que decíamos: “¡No somos K-music!” pero la verdad es que somos coreanos.

Aunque nuestra base está en la música Black, el jazz y el soul, no creemos que esas etiquetas de género sean necesariamente lo que despierta la curiosidad de los oyentes internacionales. Además, dentro de la escena musical coreana, los significados y límites de la música Black, el jazz y el soul pueden ser bastante ambiguos. La escena del jazz no nos ve del todo como jazz, y tampoco pertenecemos completamente al pop. Ese espacio intermedio nos ha hecho querer definir nuestro propio género. Así como Miles Davis nombró y moldeó el cool jazz, queremos llamar a nuestra música 넋(NUGS)—nuestro propio término. Para llegar ahí, en lugar de perseguir algo o encajar en una categoría existente, la identidad de Soul delivery necesita volverse aún más clara y fuerte. Lo vemos como un proceso.

A medida que el K-pop crece globalmente, las escenas coreanas no-idol también se vuelven más visibles. ¿Sienten que la atención global crea más espacio para bandas como la suya, o a veces difumina diferencias importantes?

HAEUN Cuando Soul delivery hicimos nuestra primera gira por Japan, conocimos a muchos fans locales. Curiosamente, muchos de ellos habían empezado como fans de idols de K-pop durante mucho tiempo. Su amor por el K-pop creció hacia un interés más amplio por Korea, lo que eventualmente los llevó a encontrarnos. ¡Incluso eran increíblemente fluidos en coreano! Conocerlos cara a cara me hizo darme cuenta de lo significativo que es presentarles música instrumental de alta calidad y mostrarles lo divertido que puede ser.

En cierto modo, a veces da la sensación de que los oyentes nacionales están menos interesados en la escena local (underground/indie). Puede sonar un poco pesimista, pero el mercado doméstico fuera del K-pop es bastante pequeño, y la gente tiende a seguir tendencias en lugar de explorar sus propios gustos personales. Precisamente por eso estamos trabajando tan duro para crear más oportunidades de salir al extranjero.

La colaboración les resulta natural, ya sea con SOLE, THAMA o músicos del extranjero. ¿Qué hace que una colaboración se sienta significativa en lugar de forzada?

Nuestra razón para valorar la colaboración es simple. Los humanos no estamos hechos para existir solos, y creemos que nos acercamos a estar “completos” cuando nuestras fortalezas compensan las debilidades de los demás.

Mira lo que ‘The Soulquarians’ crearon en Electric Lady Studios a finales de los 90. No fue solo una combinación técnica; mostró la enorme sinergia que surge cuando los artistas se juntan con un solo corazón. Ese tipo de energía es realmente difícil de encontrar en los flujos de trabajo modernos, enfocados en la eficiencia.

Por eso Soul delivery prioriza la 'naturalidad' por encima de la 'planificación.' Hemos trabajado con todo tipo de creadores—por supuesto músicos, pero también fotógrafos, artistas visuales, diseñadores—y vemos ese proceso en sí como nuestro verdadero output. No siempre es fácil, sin embargo. A medida que nos ocupamos más, es fácil perder de vista la esencia. Pero siempre nos recordamos que los resultados reales y significativos vienen de la confianza, el cariño y el esfuerzo por entendernos de verdad.

Soul delivery se ha expandido más allá de la música hacia festivales, fiestas y espacios culturales. ¿Cómo deciden cuándo la banda debe liderar algo y cuándo simplemente apoyar a una escena más amplia?

SHINDRUM Esta expansión no nació de un gran plan maestro, sino más bien de una sensación desesperada de 'supervivencia' y 'sed'. Para ponerlo personal por un momento: cuando empecé mi actividad como SHINDRUM en 2016, la mayor barrera que encontré fue la falta de espacios y sistemas que pudieran capturar completamente nuestra vibra. Para liberarme del marco limitado de los 'jazz clubs', lancé la marca 'Rhythm Desire Love (R.S.S)' para explorar la sostenibilidad del artista. Esos esfuerzos se acumularon en lo que ahora es 'RSS HOUSE.' Mi esperanza es que este espacio sea una residencia de artistas y un 'santuario' donde los músicos puedan escapar de la lógica del capitalismo y experimentar con sus sonidos más auténticos.

Hace un año, organicé el RSS MUSIC FESTIVAL con más de 100 músicos locales. La razón por la que luché por mantener ese evento, incluso soportando pérdidas financieras, es mi convicción de que la 'escena' en sí debe ser saludable para que nuestra música perdure. Entonces, para responder a su pregunta sobre los criterios para cuándo lideramos versus cuándo apoyamos—honestamente, todavía estoy en proceso de averiguarlo. Sin embargo, una cosa es segura: todas nuestras actividades no están dirigidas hacia nuestro propio éxito solitario, sino hacia la sostenibilidad de la comunidad más grande.

Cuando piensan en el futuro de Soul delivery, ¿se imaginan crecimiento en escala o en profundidad?

Fuera de Soul delivery, ya estamos experimentando a fondo flujos de 'escala masiva.' Desde conciertos enormes con decenas de miles de personas hasta sesiones de gira, hemos visto de cerca el atractivo del sistema con un mercado gigante impulsado por merchandising y marketing viral.

Cuando empezamos este equipo, simplemente disfrutábamos haciendo lo que queríamos. Pero con el tiempo, sentimos que el peso sobre nuestros hombros iba en aumento. Queríamos lograr simultáneamente escala y profundidad, pero la realidad del mercado a veces fue dura. El público a menudo reacciona más de forma inmediata a la escala visible que a la profundidad esencial, y admito que en ocasiones sentí un profundo escepticismo durante ese proceso.

No obstante, nuestra conclusión es clara: debemos profundizar. Creemos que, en lugar de simplemente perseguir la definición de escala del mercado, si nos profundizamos de manera inteligente y creativa, la gente que resuene con esa profundidad se reunirá para crear nuestra propia nueva escala. De ahora en adelante, Soul delivery aspira a reunir a la gente de una forma más sabia, profundizando juntos para entregar un mensaje con peso al mundo. Pueden esperar la ola masiva que nuestra profundidad generará.