Soul delivery 从未把自己围绕着势头或结果来定义。乐队是缓慢成形的，起于大学课堂和非正式的即兴演奏会，没有既定计划或商业压力。正是这种缺乏紧迫感，不仅塑造了他们的声音，也影响了内部的相处方式。一起演奏从来不是为了“出人头地”——而是为了享受、信任与活在当下。即便如今他们更认真地考虑可持续性，也把早期那种玩心视作需要保护的东西，而非必须超越的阶段。

这种心态依然决定着他们音乐的生成方式。写歌从氛围和基调开始，比结构重要得多。当一次即兴演奏显得真实，且每个人都进入同一个当下，乐队会说合适的部分往往会自然而然地显现出来。歌曲是集体认出的，而不是被剖析或强行拼凑出来的。这是一个本能的过程，既重视共同聆听，也重视表演本身。

他们两张专辑之间的对比，反映出围绕他们的环境变化。FOODCOURT 在疫情期间诞生，受隔离与远程协作影响；而 Peninsula Park 则源自旅行——尤其是在伦敦与志同道合的艺术家共处的那段成型期。那次转变带来了更广的合作、编曲上的更多空间，以及乐队所说的听得见的“空间感与成熟度”。

在首尔和伦敦之间的往返，也让他们对乐团生态和基础设施有了更清晰的认识。英国爵士乐社群的自由——对流派的开放、对实验的包容以及代际间的互助——给他们留下了深刻印象。这进一步强化了他们的信念：当多样性与文化基础设施到位时，音乐才会繁荣，而非把艺术家局限在僵化的类别里。

虽然没有在偶像体系内运作，但多次入围 Korean Music Awards 标志着一个转折点。认可带来了新听众、年长听众以及日益增长的责任感——不仅对他们自己的作品，也对更广泛的场景。对 Soul delivery 来说，深度是首要的。他们的信念很简单：如果作品真诚地变得更深，其规模自然会随之而来。

继续阅读我们的深度访谈，了解 Soul delivery 如何看待即兴、社群以及构建超越分类的场景。

Soul delivery 是通过大学课堂和非正式的即兴演出走到一起的，而不是一个有计划的乐队。回头看，那种缓慢且无意的起始给了你们哪些是更有价值的东西，是结构化的开始可能没有的？

我觉得关键在于不会承受太多压力。我们并不是带着宏大的商业计划开始的；那时只是因为在当下演奏很有趣才聚在一起。在没有“我们必须成功”这种执着的情况下，团队反而变得更灵活，也在某种程度上更强。我相信按自己真心想做的事去做，对于追求生活里的幸福是很重要的。我们四个人在一起即兴演奏时找到了真正的快乐。基于那种玩心去构建音乐，带来了更自然、更诚实、也更符合我们的结果。这不仅塑造了声音，也养成了更健康的乐队工作心态。

现在我们认真地思考如何让那份快乐可持续。如果你想持续做你热爱的事，确实需要付出真正的努力。但对我们来说，继续的喜悦一直比传统的“成功”更重要。在真心想做的事和那些不总是那么自然而然的部分之间找到平衡，本身已经成为了一段有意义的旅程。在某种程度上，那个过程现在对我们来说也是另一种享受。

即兴仍然是你们写歌的核心。在即兴演奏中，你们会听出什么，才决定把它发展成一首完整的歌？

对我们来说，如果即兴是真诚的，且每个人都真正进入状态，好的部分往往会自行浮现出来。演奏过后，当我们讨论时，通常会意识到大家都被同样的瞬间吸引。

很多东西始于我们在开始演奏前就做出的声音选择。如果音色和氛围已经对了，而且即兴能维持那种专注，常常会出现一个瞬间，让我们都感觉这可以发展成一首完整的作品。

FOODCOURT 和 Peninsula Park 都是从即兴演奏构建而成，但它们听起来却很不同。这两段人生阶段之间发生了什么变化？

首先，环境完全不同。FOODCOURT 是在疫情期间制作的，所以很难与人面对面见面。大多数客座都是远程完成的。

而 Peninsula Park 则是我们带着一群志同道合的艺术家去了伦敦，让旅途中流动的能量在我们即兴时塑造音乐。对我们来说，这不仅仅是关于自己做得如何，我们也希望身边那些优秀的才能被更多人看见和听见。稳固的社群会让音乐圈更具多样性，我希望其他创作者能被我们激发，找到勇气去冒他们自己的险。这也是为什么 Peninsula Park 有更广泛的客座阵容。

另一点是我们也长大了一些。如果说在 FOODCOURT 时我们还青涩天真，那张专辑发布时遇到的失误和生活中的起伏让我们更坚韧。我们学会了稍微放手一些，这带来了更多的思考和演奏中的空间。对听众来说，捕捉两张专辑之间那种“空间感与成熟度”的变化会是一次有趣的体验。

你们在 Bandcamp 的描述把你们的音乐比作烹饪和分享食物。为什么“delivery（传递）”这一概念现在依然对你们很重要？

我们演奏的很多东西来自围绕食物共享的时刻——吃、喝、交谈以及共度时光。那些体验自然会影响我们的演奏，有时候一顿美餐或一个有意义的瞬间的记忆甚至会成为一首歌的原料。

因此，delivery 对我们来说不仅仅是隐喻。我们把音乐看作传递 넋(NUGS) 并将其献给超越我们所在之处的人们的一种方式。就像烹饪和分享食物一样，这关于伸出手、建立连接并传递有意义的东西。

乐队描述自己在首尔和伦敦两地活动。城市间的往返如何影响到你们的声音或创作心态？

伦敦——尤其是英国的爵士乐场景——对我们是巨大的灵感来源。真正令人印象深刻的是音乐人的自由度。他们并不被爵士这个流派概念所束缚，而是很自然地融合 afrobeat、grime、电子等元素。而这正是 Jazz 的本质；它本身就是一种实验的态度。受此启发，我们尝试对声音采取更大胆的做法。

英国爵士圈还有非常健康的社群。资深音乐家积极支持下一代，那些年轻艺术家成长后又回馈场景——这是一套非常稳固的结构。虽然并不完美，但维系社群和场景的愿望得到了政府资助、音乐产业以及对多样性抱有巨大尊重的非艺术工作者的支持。见证这一切，让我们对自己的创作方式更有信心。我们希望把这种做法和态度与更多创作者分享，看看它能走多远，超越我们自身的范围。

我们想把那种能量在首尔和其他城市之间连接起来。我们设想一个在韩国的场景：有相似感性的艺术家相互支持与激励，任何人都可以不带偏见地享受实验性的声音。我们真心相信，当文化基础设施与多样性就位时，音乐才能真正展现其力量。

在 Ronnie Scott’s Upstairs 这样的场地演出，后来去到日本的舞台，让你们的音乐接触到新观众。出国演出教会了你们音乐如何“传播”的哪些东西？

对我们来说，身处每一个当下和地点非常重要。在陌生的环境和文化中演出，总会带来一种新鲜感，那些体验自然而然地影响我们的演奏方式。

我们不断学到的是，即便语言和文化不同，音乐也能让我们几乎立刻建立联系。每次出国演出，都让我们确信音乐可以超越创作地传播，不是通过语言，而是通过共享的感觉和声音。能够体验这种连接并与新观众分享，真心让我们感到快乐。

你们在没有进入主流体系的情况下，多次入围 Korean Music Awards。这种认可改变了业界看你们的方式，还是改变了你们怎么看自己？

Soul delivery 入围 Korean Music Awards 是我们当中没人预料到的事情。那时我们还没完全理解这种认可意味着什么。但仅仅被提名就给了我们持续以这个乐队身份做音乐的明确理由。之后我们遇到了一家黑胶厂牌，他们说深受我们第一张专辑的感动，这促成了我们的首张黑胶发行。我们也遇到了年长一代的听众——真正的音乐爱好者——他们会说：“我们一直在等待这样的音乐。”我们获得了更多演出的机会，也有更多人开始关注我们在舞台上所说所弹，记录并记住那些瞬间。

我们第一次开始学习舞台上的责任意味着什么。随着责任感的增长，我们也开始更深刻地思考我们所属的场景。这带来了新的信念——对不公发声，并在没有合适表演空间时创造自己的场域。

HAEUN 通过 Korean Music Awards、与业内人士的对话，以及与主流 K-pop 工作者的互动，我意识到当我们越靠近主流，越感觉其实彼此并没有那么不同。资本上确实存在差距，但我其中一个最大的领悟是独立艺术家其实更需要一种“体系”。比如票务与周边的销售，或是向粉丝表达感谢的方式……

作为负责 Soul delivery 市场营销的人，我觉得我们很幸运能在“K-”受到全球关注的时期制作专辑和举办演出。这是一个宝贵的机会，可以从 K-pop 产业的方法中学习并在从起始到结束的流程里应用。同时，我们也相信我们的音乐是更广义“K-”潮流的一部分。

许多国际听众最初通过 K-pop 接触到韩国音乐。当 Soul delivery 通过那条路径被发现时，尽管你们的根源不同，你们作何感想？

我们把这看作一种正向的涓滴效应。曾经我们会说“我们不是 K-music！”，但事实是，我们是韩国人。

虽然我们的基础扎根于 Black music、jazz 和 soul，但我们不认为这些流派标签一定会激起国际听众的好奇心。此外，在韩国音乐圈内，Black music、jazz 和 soul 的含义与界限也常常相当模糊。爵士圈不一定把我们当作爵士，我们也不完全属于流行音乐。那种介于之间的空间让我们想要定义自己的类别。就像 Miles Davis 为 cool jazz 命名并塑造了那一风格一样，我们想把自己的音乐称为 넋(NUGS)——我们自己的术语。要做到这点，与其去追逐或迎合既有类别，不如让 Soul delivery 的身份更加明确和强大。我们把这看作一个过程。

随着 K-pop 在全球的发展，非偶像的韩国音乐场景也越来越可见。你们觉得全球关注是为像你们这样的乐队创造了更多空间，还是有时会模糊一些重要的差异？

HAEUN 当 Soul delivery 第一次去日本巡演时，我们遇到了很多当地的歌迷。有趣的是，他们中很多人最初都是 K-pop 偶像的长期粉丝。他们对 K-pop 的热爱扩展成对韩国更广泛文化的兴趣，最终也发现了我们。他们的韩语水平甚至非常流利！与他们面对面交流让我意识到，把高质量的器乐音乐介绍给这些听众，并向他们展示它的趣味性，是多么有意义。

在某种程度上，有时感觉国内听众对本地（地下/独立）场景的兴趣反而更少。听起来或许有些悲观，但 K-pop 之外的国内市场相当小，人们往往跟随潮流而不是去探索个人品味。这也正是我们拼命努力创造更多海外机会的原因之一。

无论是与 SOLE、THAMA，还是与海外音乐人合作，合作对你们来说似乎很自然。是什么让一次合作感觉是有意义的，而不是被强行拼凑的？

我们重视合作的理由很简单。人不是为孤立而存在，我们相信当彼此的长处弥补彼此的短处时，会更接近“完整”。

回看 The Soulquarians 在 Electric Lady Studios 在九十年代末创造的东西。这不仅仅是技术上的结合；它展示了当艺术家以同一颗心聚集时所激发出来的巨大协同效应。这种能量在现代以效率为导向的工作流程中真的很难找到。

这就是为什么 Soul delivery 把“自然”置于“策划”之上。我们与各种创作者合作——当然有音乐人，也有摄影师、视觉艺术家、设计师——我们视那一过程本身为真正的产出。当然这并不总是容易的。随着事务变多，很容易失去本质。但我们总是提醒自己，真实而有意义的结果来自信任、情感以及真诚理解对方的努力。

Soul delivery 的活动已经超越了纯音乐，扩展到音乐节、派对与文化空间。你们如何决定乐队什么时候应该主导一件事，什么时候应该只是支持更大的场景？

SHINDRUM 这种扩展并不是出自什么宏大计划，而是源自一种迫切的“生存”与“渴望”。说到个人层面：当我在 2016 年以 SHINDRUM 开始活动时，我遇到的最大阻碍是缺乏能够完整承载我们氛围的空间与系统。为了突破“爵士俱乐部”那种局限框架，我创立了品牌 Rhythm Desire Love (R.S.S)，去探索艺术家的可持续性。这些努力累积成了现在的 RSS HOUSE。我希望这个空间成为艺术驻地和一种“避难所”，让音乐人能逃离资本逻辑，去尝试他们最真实的声音。

一年前，我策划了 RSS MUSIC FESTIVAL，汇聚了 100 多位本地音乐人。我之所以在承受财务损失的情况下仍然坚持举办，是因为我相信“场景”本身必须健康，我们的音乐才能持续下去。所以，关于我们何时主导、何时支持的判断标准——说实话，我依然在摸索中。不过有一点是确定的：我们所有的活动并非为了我们自己的孤立成功，而是为了更大社群的可持续性。

当你们思考 Soul delivery 的未来，是想象规模上的增长，还是深度上的增长？

在 Soul delivery 之外，我们已经切身体验到“巨量规模”的流动。从数万人的大型演唱会到巡演场次，我们近距离见识过由周边商品与病毒式营销驱动的巨型市场的诱力。

当我们成立这个团队时，只是享受做我们想做的事。但随着时间推移，肩上的重量也在增长。我们希望同时实现规模和深度，但市场现实有时很残酷。公众往往会更直观地对可见的规模作出反应，而不是对本质的深度，而在那个过程中我不得不承认自己有时会感到深深的怀疑。

然而我们的结论很清晰：我们必须更深入。我们相信，与其单纯追逐市场定义的规模，不如以聪明和创造性的方式深化自身，那些与这种深度产生共鸣的人会聚集起来，创造属于我们的新规模。未来，Soul delivery 的目标是以更智慧的方式聚集人群，彼此一起深化，把有分量的信息传递给世界。你可以期待那股由我们深度所掀起的强大浪潮。