Soul deliveryは勢いや結果を軸に自分たちを定義したことはありません。バンドはゆっくりと、大学の授業や気ままなジャムセッションを通して生まれ、明確な計画や商業的なプレッシャーは最初からありませんでした。その「急がない」姿勢は音にだけでなく内部のダイナミクスにも影響を与えました。いっしょに演奏することは「成功するため」ではなく、楽しさや信頼、そして今この瞬間を大事にすることでした。今では持続可能性を真剣に考えるようになっても、彼らは当時の楽しさを手放すべきものではなく守るべきものだと語ります。

そのマインドセットは今も彼らの音楽の作り方を定義しています。作曲は構成よりもまず雰囲気やトーンから始まります。ジャムが正直で、全員が同じ瞬間にロックインしていると感じられるとき、自然と適切なパートが顔を出すことが多いと彼らは言います。曲は個別に解体されて無理に形にされるのではなく、集団的に認識されます。それは演奏と同じくらい共有して聴くことを重んじる本能的なプロセスです。

彼らの2枚のアルバムの対比は、周囲の環境の変化を反映しています。FOODCOURTはパンデミック期に生まれ、孤立やリモートでのコラボレーションに影響を受けました。それに対して Peninsula Park は旅から、特にロンドンでの影響を受けた時期から育ちました。その変化はコラボレーションの幅を広げ、アレンジに余裕を生み、バンドが「空間と成熟」と表現する感覚がレコード全体に現れています。

ソウルとロンドンを行き来した経験は、シーンやインフラに対する彼らの視点も研ぎ澄ませました。英国のジャズ・コミュニティの自由さ――ジャンルや実験、世代間の支援に対する寛容さ――は強い印象を残しました。それは多様性と文化的インフラが整っているときにこそ音楽が花開くという彼らの信念を強め、アーティストが厳密なカテゴリーに押し込められるべきではないと感じさせました。

アイドル・システムの外で活動してきたにもかかわらず、Korean Music Awardsへの複数のノミネートは転機になりました。評価は新しい聴衆や年配のリスナーをもたらし、彼ら自身の活動だけでなくより広いシーンへの責任感を育みました。Soul deliveryにとっては、まず深みが優先されます。彼らの信念はシンプルです：作品が誠実に深まれば、その規模は自然と後からついてくる、ということです。

以下は、Soul deliveryへのジャム、コミュニティ、そしてカテゴリーを越えたシーン作りに関する詳細インタビューです。

Soul deliveryは計画的なバンドというより大学の授業や気軽なジャムから始まりました。振り返ってみて、そうしたゆっくりで意図しない始まりは、より構築的なスタートとは違ってどんなものを与えてくれましたか？

結局のところ、あまりプレッシャーを抱え込まなかったことだと思います。大げさなビジネスプランを元に始めたわけではなく、その瞬間に演奏すること自体が楽しかったから集まっただけでした。「成功しなければ」という執着がないことで、チームはむしろ柔軟になり、ある意味で強くなりました。自分が本当にやりたいことをすることは人生の幸福追求において重要だと信じています。僕たちは単純に四人でジャムすることに本当の幸せを見出しました。その楽しさの上に音楽を築いた結果が、より自然で正直で、自分たちらしいものになったのです。音だけでなく、バンドとしての働き方にもより健全な心構えをもたらしました。

その楽しさをどう持続可能にするかを今は真剣に考えています。好きなことを続けるには本気の努力が要ります。それでも僕たちにとっては、続ける喜びが「成功」の常識的な概念よりもずっと大事でした。自然には来ない部分と、本当にやりたいこととのバランスを見つけることが、今では意味のある旅になっていますし、ある意味でそのプロセス自体がまた別の楽しみでもあります。

ジャムは今も作曲の中心にあります。ジャムから「これは完成曲にする」と判断する前に、何を聴いていますか？

僕たちにとって、ジャムが正直で全員が真にロックインしているとき、良い部分は自然と浮かび上がってくることが多いです。演奏した後に話し合うと、だいたい同じ瞬間に惹かれていたことに気づきます。

多くは演奏を始める前にする音作りの判断から始まります。トーンや雰囲気がすでに正しく感じられ、ジャムがその集中を保っているなら、みんなが「ここが伸びる」と感じる瞬間が訪れることがよくあります。

FOODCOURTとPeninsula Parkはいずれもジャムから作られましたが、非常に異なる印象です。あの二つの時期の間で何が変わったのでしょうか？

まず環境がまったく違いました。FOODCOURTはパンデミックの真っ只中に作られたので、人と直接会うのが難しく、多くのフィーチャーはリモートで行われました。

一方で Peninsula Park は、志を同じくするアーティストたちとロンドンへ行き、旅のエネルギーがジャムの最中に音楽を形作るようにしました。僕たちにとって大事なのは自分たちだけがうまくいけばいいということではありません。周りにいる素晴らしい才能たちにも光が当たり、より多くの人に聴かれることを望んでいます。しっかりとしたコミュニティが音楽シーンを多様にし、他のクリエイターが僕たちから刺激を受けてリスクを取る勇気を持ってくれればと願っています。だから Peninsula Park にはより幅広いフィーチャーがあるのです。

あともう一つ、僕たち自身が少し大人になったこともあります。FOODCOURTの頃は若く不慣れな面があったなら、アルバムを出したときの失敗や人生の浮き沈みが僕たちを逞しくしました。少し手放すことを学び、それが演奏に余裕や配慮をもたらしました。リスナーには二枚のアルバムの間にある「空間感と成熟」の変化を聴き取るのが楽しい経験になるはずです。

Bandcampの説明ではあなたたちの音楽を料理や食事の共有に例えています。なぜ「delivery」という考え方が今でも重要なのでしょうか？

僕たちが演る多くのものは、食事を囲んだ瞬間――食べること、飲むこと、話すこと、共に時間を過ごすこと――から生まれます。そうした体験は自然と演奏のあり方に影響を与え、ときに良い食事や意味ある瞬間の記憶が曲の原材料になることさえあります。

ですから delivery はただの比喩ではありません。僕たちは音楽を넋(Soul)を運び、今いる場所を越えて人々に差し出す方法だと考えています。料理を作って分かち合うように、手を差し伸べてつながりを作り、何か意味のあるものを渡していくことなのです。

バンドはソウルとロンドンを拠点にしていると述べています。都市を行き来することはサウンドや創作にどのような影響を与えますか？

特にロンドン――英国ジャズ・シーンは僕たちにとって大きなインスピレーションでした。際立っていたのはミュージシャンたちの自由さです。彼らはジャズというジャンルに縛られず、アフロビートやグライム、エレクトロニックなどを非常に自然に取り込んでいます。そしてそれ自体がジャズの本質であり、実験的な態度そのものだと感じました。その影響で僕たちもサウンドに対してより大胆なアプローチを取るようになりました。

英国のジャズ・シーンはコミュニティも非常に健全です。先輩ミュージシャンが次世代を積極的にサポートし、その若いアーティストたちが育って再びシーンに還元していく――とてもしっかりした構造があります。完璧ではないにせよ、コミュニティとシーンを持続させようという志が政府の資金援助や音楽業界、非アーティストの多様性への敬意によって支えられているのを目の当たりにして、僕たちは創作の方法に自信を得ました。このアプローチと姿勢をもっと多くのクリエイターと共有し、どこまで広がるかを見てみたいとも思いました。

そうしたエネルギーをソウルと他の都市とつなげたいと考えています。韓国でも似た感性を持つアーティスト同士が互いに支え合い、誰もが実験的な音を偏見なく楽しめるシーンを想像しています。文化的インフラと多様性が整えば、音楽は本当の力を発揮できると心から信じています。

Ronnie Scott’s Upstairsや後の日本の会場で演奏することで、新しい観客にあなたたちの音楽が触れました。海外で演奏することで、あなたたちの音楽の伝わり方について何を学びましたか？

僕たちにとって、各瞬間や場所にしっかりと存在することが本当に大事です。馴染みのない環境や文化で演奏することはいつも新鮮さをもたらし、それが自然と演奏に影響します。

言語や文化が違っても、音楽はほとんど瞬時に人をつなげることができる――それを何度も学んでいます。海外で演奏するたびに、僕たちの音楽は言葉ではなく感覚や音を通じて生まれた場所を越えて伝わるのだと安心します。その繋がりを体験し、新しい観客と共有できることが僕たちにとって本当に嬉しいことなのです。

あなたたちはメインストリームのK-pop体制に属さないままKorean Music Awardsに何度もノミネートされています。その評価は業界の見方やあなたたち自身の見方に変化をもたらしましたか？

Soul delivery Korean Music Awardsにノミネートされたことは、誰もが想像していなかったことでした。当時、その評価が実際に何を意味するのか僕たちは十分に理解していませんでした。でも単にノミネートされたという事実が、バンドとして音楽を続ける明確な理由になったんです。その後、僕たちの最初のアルバムに深く感動したと言ってくれたヴァイナル・レーベルと出会い、初のアナログリリースにつながりました。また「こんな音楽を待っていた」と言ってくれる年上の真の音楽愛好家のリスナーたちにも出会いました。演奏の機会が増え、ステージでの発言や演奏に注目し、記録し、覚えてくれる人たちが増えました。

初めてステージでの責任というものを学び始めました。責任感が育つにつれて、自分たちが属するシーンについてより深く考えるようになりました。それは新たな確信へとつながり、不当な扱いへの抗議や、演る場がなければ自分たちで場を作るという行動へと繋がりました。

HAEUN Korean Music Awardsを通じた業界関係者との会話や、メインストリームのK-popに関わる人たちとの交流を経て思ったのは、メインストリームに近づけば近づくほど、実はそこまで大きな違いはないのではないか、ということです。確かに資本の差は明白ですが、独立系アーティストにはむしろ“システム”がさらに必要だと強く感じました。例えばチケットやグッズの販売、ファンへの感謝の示し方などです…

Soul deliveryのマーケティングを担当する身としては、「K-」が世界的に注目を集めている時期にアルバムを作り、ショーをプロデュースしているのは幸運だと感じています。K-pop業界の方法論を学び、始めから終わりまで応用できる貴重な機会になりました。同時に、僕たちの音楽も広い意味で「K-」の流れの一部だと考えています。

多くの海外リスナーはまずK-popを通して韓国音楽に出会います。あなたたちのルーツがそこから外れているとしても、K-pop経由でSoul deliveryが発見されることについてどう感じますか？

僕たちはそれをポジティブな波及効果だと見ています。かつては「私たちはK-musicではない！」と言った時期もありましたが、実際のところ僕たちは韓国の音楽です。

僕たちの基盤はBlack musicやジャズ、ソウルにありますが、国際的なリスナーの好奇心を引くのが必ずしもジャンル名だとは思いません。また韓国の音楽シーンの中でも、Black musicやジャズ、ソウルの意味や境界はかなり曖昧です。ジャズ・シーンからは完全にジャズとは見なされず、ポップにも完全には属していません。その「中間」にある空間が、僕たち自身でジャンルを定義したいという欲望を生みました。Miles Davisがcool jazzを名づけ形作ったように、僕たちも自分たちの音楽を넋(NUGS)と呼びたいと思っています。既存のカテゴリーに合わせようと追いかけるのではなく、Soul deliveryのアイデンティティをより明確に、強くしていくことが必要だと考えています。それはプロセスだと捉えています。

K-popが世界的に成長するにつれ、非アイドルの韓国シーンも可視化されています。世界的な注目はあなたたちのようなバンドにとって余地を広げますか、それとも重要な差異を曖昧にしてしまうことがありますか？

HAEUN Soul deliveryが初めて日本ツアーをしたときに多くの現地ファンに会いました。興味深いことに、その多くは元々K-popアイドルの長年のファンだった人たちです。彼らのK-popへの愛がより広い韓国への関心へとつながり、最終的に僕たちを見つけてくれたのです。彼らは韓国語もとても流暢でした！直接会うことで、彼らに高品質のインストゥルメンタル音楽を紹介し、その楽しさを伝えることがどれだけ意味のあることかを実感しました。

国内のリスナーはローカル（アンダーグラウンド／インディー）シーンにそこまで関心がないように感じることがあります。少し悲観的に聞こえるかもしれませんが、K-pop以外の国内市場はかなり小さく、人々は自分の好みを探求するよりもトレンドに従う傾向が強いのです。だからこそ僕たちは海外に出ていく機会を増やすために必死で活動しています。

SOLEやTHAMA、海外のミュージシャンとのコラボが自然に感じられるのはなぜでしょうか？意味のあるコラボレーションと無理に合わせたものの違いは何ですか？

協働を重んじる理由はシンプルです。人は一人で存在するために作られていないし、お互いの強みが弱みを補い合うときに「全体」へ近づけると信じているからです。

90年代後半にElectric Lady StudiosでThe Soulquariansが生み出したものを見てください。それは単なる技術的な組み合わせではなく、アーティストが一つの心で集まったときに生まれる巨大なシナジーを示していました。そうしたエネルギーは、効率重視の現代的なワークフローでは本当に見つけにくいのです。

だからこそSoul deliveryは「計画」よりも「自然さ」を重視します。もちろんミュージシャン同士だけでなく、写真家、ビジュアルアーティスト、デザイナーなどあらゆるクリエイターと一緒に仕事をしてきましたが、そのプロセス自体を真のアウトプットと見なしています。ただしそれはいつも簡単ではありません。忙しくなるほど本質を見失いやすい。しかし僕たちは、本当に意味のある成果は信頼、愛情、そして互いを理解しようとする努力から生まれると常に自分たちに言い聞かせています。

Soul deliveryは音楽以外にもフェスティバル、パーティー、文化的空間へと活動を広げています。バンドが何かを主導するべき時と、より広いシーンを単に支えるべき時の判断はどのようにしていますか？

SHINDRUM この拡張は大げさなマスタープランから生まれたわけではなく、どちらかというと「生き残り」と「渇望」から生まれたものです。個人的な話をすると、2016年にSHINDRUMとして活動を始めたとき、僕がぶつかった最大の壁は自分たちの雰囲気を完全に受け止められる場やシステムの欠如でした。'ジャズクラブ'という限られた枠から抜け出すために、アーティストの持続可能性を探るブランド『Rhythm Desire Love (R.S.S)』を立ち上げ、それが積み重なって今の『RSS HOUSE』になりました。僕の望みはこの場所をアーティスト・レジデンシーであり、資本主義の論理から逃れて最も本能的な音を実験できる「聖域」にすることです。

一年前には100人以上のローカルミュージシャンとともにRSS MUSIC FESTIVALを開催しました。そのイベントを赤字を抱えつつも続けようとした理由は、シーン自体が健全でなければ僕たちの音楽が続かないと信じているからです。ですから、いつ先頭に立つか、いつ支えるかの判断基準について正直に言うと、まだ模索の途中です。ただ一つ確かなのは、僕たちの活動は自分たちの孤立した成功のためではなく、より大きなコミュニティの持続性に向けられているということです。

Soul deliveryの将来を考えるとき、規模の成長を想像しますか、それとも深みの成長を想像しますか？

Soul deliveryの外では、すでに「大規模な流れ」を強く体験しています。数万人規模の大きなコンサートからツアーの仕組みまで、グッズやバイラルマーケティングで動く巨大な市場の魅力を間近で見てきました。

このチームを始めたときは、ただ好きなことを楽しんでいただけでした。でも時間が経つにつれて肩に重さがのしかかるのを感じました。規模と深みの両方を同時に求めたいと思ってきましたが、市場の現実は時に厳しかった。一般の反応は本質的な深みよりも目に見える規模により即座に反応することが多く、その過程で懐疑的になることもありました。

それでも僕たちの結論は明確です：深まらなければならない。単に市場が定義するスケールを追うのではなく、僕たち自身が賢く、創造的に深まれば、その深みに共鳴する人々が集まり自分たちの新しいスケールを作り出すと信じています。これからは、より賢いやり方で人を集め、共に深めて世界に重みのあるメッセージを届けたい。僕たちの深みが生み出す大きな波を楽しみにしていてください。