Soul delivery는 언제나 성과나 속도에 맞춰 스스로를 규정하지 않았다. 밴드는 계획이나 상업적 압박 없이 대학 수업과 비공식 잼 세션을 통해 서서히 모습을 드러냈다. 그 서두르지 않는 태도는 사운드뿐 아니라 내부의 역동성에도 영향을 미쳤다. 함께 연주하는 것은 ‘성공하기’ 위한 일이 아니라 즐거움, 신뢰, 그리고 현재에 머무르는 것이었다. 지금은 지속 가능성에 대해 더 진지하게 생각하고 있지만, 초기의 그 즐거움은 버려야 할 것이 아니라 지켜야 할 것으로 그들은 말한다.

그 마인드는 여전히 그들의 음악이 형성되는 방식을 정의한다. 곡 쓰기는 구조보다 분위기와 톤에서 시작된다. 잼에서 진정성이 느껴지고 모두가 같은 순간에 몰입했을 때, 밴드는 자연스럽게 올바른 파트들이 드러난다고 말한다. 곡은 해부되거나 억지로 맞춰지는 것이 아니라 집단적으로 인지된다. 공연만큼이나 서로의 소리를 듣는 것을 중시하는 본능적인 과정이다.

두 장의 앨범이 가진 대비는 그들 주변의 환경 변화를 반영한다. FOODCOURT는 팬데믹 동안 고립과 원격 협업 속에서 만들어졌고, Peninsula Park는 여행—특히 런던에서 동료 예술가들과 보낸 형성적 시기—에서 탄생했다. 그 변화는 더 넓은 협업, 편곡에서의 여유, 그리고 밴드가 말하듯 레코드 전반에서 들을 수 있는 ‘여유와 성숙함’의 감각을 가져왔다.

서울과 런던을 오가는 경험은 씬과 인프라에 대한 관점도 날카롭게 만들었다. 장르에 대한 개방성, 실험성, 그리고 세대 간 지원이 있는 UK 재즈 커뮤니티의 자유로움은 큰 인상을 남겼다. 다양성과 문화적 인프라가 갖춰질 때 음악이 번성한다는 믿음을 굳혀주었고, 아티스트를 엄격한 카테고리에 가두지 않는 환경이 중요하다는 확신을 심어주었다.

아이돌 시스템 밖에서 활동해왔음에도 Korean Music Awards에 여러 차례 노미네이트된 것은 전환점이었다. 인정받음으로써 새로운 청중과 연령대가 유입되었고, 자신들의 작업뿐 아니라 더 넓은 씬에 대한 책임감도 커졌다. Soul delivery에게는 깊이가 우선이다. 그들은 단순히 말한다: 작업이 진정으로 깊어지면 규모는 자연히 따라올 것이라고.

아래는 잼, 커뮤니티, 그리고 장르를 넘어선 씬 구축에 대해 Soul delivery와 진행한 심층 인터뷰 전문이다.

Soul delivery는 계획된 밴드라기보다 대학 수업과 비공식 잼을 통해 시작했습니다. 되돌아봤을 때, 그런 느리고 우발적인 시작이 구조화된 출발과는 다른 어떤 것을 주었나요?

저는 그것이 지나친 부담을 짊어지지 않게 해준 점이라고 생각합니다. 우리에게는 거대한 사업 계획이 있었던 게 아니었고, 그 순간 함께 연주하는 것이 즐거웠기 때문에 모였어요. ‘반드시 성공해야 한다’는 집착이 없으니 팀은 오히려 유연해졌고, 어떤 면에서는 더 강해졌습니다. 진정으로 하고 싶은 일을 하는 것이 삶의 행복을 추구하는 데 굉장히 중요하다고 믿어요. 네 명이 함께 잼하는 것만으로도 진짜 행복을 찾았고, 그 즐거움 위에 음악을 쌓아간 결과가 더 자연스럽고 정직하며 우리다운 결과로 이어졌습니다. 그것은 사운드뿐 아니라 밴드로서 일하는 방식에 훨씬 더 건강한 마인드를 심어주었습니다.

이제 우리는 그 즐거움을 어떻게 지속 가능하게 만들지 진지하게 고민하고 있습니다. 좋아하는 일을 계속하려면 진짜 노력이 필요하거든요. 그래도 우리에게는 전통적인 ‘성공’의 개념보다 계속하는 기쁨이 더 중요했습니다. 자연스럽게 오지 않는 부분들과 진정으로 하고 싶은 것 사이의 균형을 찾는 과정 자체가 의미 있는 여정이 되었고, 그 과정이 지금 우리에게 또 다른 형태의 즐거움이 되고 있습니다.

잼은 여전히 당신들의 작곡 방식의 중심에 있습니다. 어떤 잼을 곡으로 발전시킬지 결정할 때 무엇을 듣나요?

우리에게는 잼이 진정성이 있고 모두가 진짜로 몰입한 상태라면 좋은 부분들이 스스로 떠오르는 경향이 있습니다. 연주 후 이야기를 나누면 보통 같은 순간들에 끌렸다는 걸 깨닫곤 합니다.

많은 부분이 연주를 시작하기 전에 하는 사운드 결정에서 시작합니다. 톤과 분위기가 이미 옳게 느껴지고 잼이 그 포커스를 유지하면, 모두가 이게 완성된 곡으로 성장할 수 있겠다는 순간을 느끼곤 합니다.

FOODCOURT와 Peninsula Park는 모두 잼 세션에서 태어났지만, 서로 매우 다르게 느껴집니다. 그 두 시기 사이에 무엇이 변했나요?

우선 환경이 완전히 바뀌었습니다. FOODCOURT는 팬데믹 한가운데 만들어져서 사람들을 직접 만나기 어려웠고 대부분의 피처링이 원격으로 이뤄졌습니다.

반면 Peninsula Park는 같은 감성을 가진 아티스트들과 함께 런던으로 여행을 떠나 그 에너지 속에서 함께 잼하며 음악을 키워간 앨범입니다. 우리에게는 단지 우리만 잘하는 것이 중요한 게 아니에요. 주변의 놀라운 재능들이 더 많이 보이고 들리길 바랍니다. 탄탄한 커뮤니티가 음악 씬을 다양하게 만들고, 다른 크리에이터들이 우리에게 영감을 받고 자신의 리스크를 감수할 용기를 얻었으면 해요. 그래서 Peninsula Park에는 더 다양한 피처링이 들어가 있기도 합니다.

또 한 가지는 우리가 조금 성장했다는 점입니다. FOODCOURT 시절에는 풋풋하고 순진했을지 모르지만, 그 앨범을 내며 겪은 실패와 삶의 개인적 굴곡들이 우리를 더 강하게 만들었습니다. 조금 더 내려놓는 법을 배웠고, 그것이 연주에 더 많은 배려와 여유를 가져왔죠. 두 앨범 사이에 느껴지는 ‘여유와 성숙함’의 변화는 청취자들에게도 흥미로운 경험이 될 거라고 생각합니다.

Bandcamp 설명에서 여러분의 음악을 요리와 음식 나눔에 비유하셨습니다. 그 ‘delivery’라는 개념이 지금도 왜 중요한가요?

우리가 연주하는 많은 것들이 식사와 함께한 순간들—먹고, 마시고, 이야기하고, 함께 시간을 보낸—에서 나옵니다. 그런 경험들이 자연스럽게 연주 방식에 영향을 주고, 때로는 맛있게 먹었던 식사나 의미 있던 기억들이 곡의 재료가 되기도 합니다.

그래서 delivery는 우리에게 단순한 은유가 아닙니다. 우리는 음악을 넋(Soul)을 담아 전달하고, 우리가 있는 곳을 넘어 사람들에게 제공하는 방식으로 봅니다. 요리하고 음식을 나누는 것처럼, 손을 내밀고 연결하고 의미 있는 무언가를 전하는 일이죠.

밴드는 서울과 런던을 오가며 활동한다고 했습니다. 그 도시들 사이를 이동하는 것이 사운드나 창작 마인드에 어떤 영향을 주나요?

런던—특히 UK 재즈 씬—은 우리에게 큰 영감의 원천이었습니다. 가장 인상적이었던 건 뮤지션들이 얼마나 자유로운가 하는 점이었어요. 그들은 재즈라는 장르에 갇히지 않고 아프로비트, 그라임, 전자음악 등을 매우 자연스럽게 섞어냅니다. 그 자체가 재즈의 본질이고, 실험적인 태도라고 느꼈습니다. 그 영향으로 우리는 사운드에 더 대담한 접근을 시도하게 되었습니다.

UK 재즈 씬은 또한 굉장히 건강한 커뮤니티를 가지고 있습니다. 선배 뮤지션들이 적극적으로 다음 세대를 돕고, 그 젊은 아티스트들이 성장해 다시 씬에 활력을 불어넣는 구조예요. 완벽하진 않지만, 커뮤니티와 씬을 지속 가능하게 하려는 의지가 정부 지원, 음악 산업, 비아티스트들까지 이어지는 큰 존중 속에서 뒷받침됩니다. 이를 목격한 것은 우리가 창작하는 방식에 큰 자신감을 주었고, 이러한 접근과 태도를 더 많은 크리에이터들과 나누고 싶게 만들었습니다.

우리는 그런 에너지를 서울과 다른 도시들 사이에 연결하고 싶습니다. 비슷한 감성을 가진 아티스트들이 서로 지지하고 자극을 주는 한국의 씬을 상상하고, 누구나 편견 없이 실험적인 소리를 즐길 수 있기를 바랍니다. 문화적 인프라와 다양성이 갖춰질 때 음악이 진정한 힘을 발휘할 수 있다고 진심으로 믿습니다.

Ronnie Scott’s Upstairs 같은 공간과 이후 일본의 공연장은 여러분의 음악을 새로운 청중에게 노출시켰습니다. 해외에서 공연하면서 음악이 어떻게 이동하는지에 대해 무엇을 배웠나요?

우리에게는 각 순간과 장소에 ‘존재하는 것’이 정말 중요합니다. 익숙하지 않은 환경과 문화에서 연주하는 것은 항상 신선함을 가져오고, 그런 경험들이 자연스럽게 우리의 연주에 영향을 줍니다.

배운 점은 언어와 문화가 달라도 음악은 거의 즉각적으로 연결될 수 있다는 사실입니다. 해외에서 공연할 때마다 우리의 음악이 만들어진 곳을 넘어설 수 있다는 것을, 말이 아니라 공유된 감정과 사운드를 통해 전달할 수 있다는 확신을 얻습니다. 그런 연결을 체험하고 새로운 관객과 나누는 것이 우리에게 진짜로 큰 기쁨을 줍니다.

여러분은 mainstream K-pop 시스템과는 별개로 활동하면서도 Korean Music Awards에 여러 번 지명되었습니다. 그 인정이 업계가 여러분을 보는 방식이나 스스로에 대한 인식에 변화를 주었나요?

Soul delivery Korean Music Awards에 노미네이트된 것은 우리 누구도 상상하지 못한 일이었습니다. 당시 우리는 그 인정이 무엇을 의미하는지 충분히 이해하지 못했어요. 하지만 단순히 노미네이트된 사실만으로도 이 밴드로 계속 음악을 만들어야 할 명확한 이유를 얻었습니다. 그 이후로 우리의 첫 앨범에 깊이 감동받았다고 말해준 바이닐 레이블을 만나 첫 바이닐 발매로 이어졌고, ‘이런 음악을 기다려왔다’고 말해준 기성세대의 진짜 음악 애호가들도 만났습니다. 공연 기회도 더 많아졌고, 사람들이 무대에서 우리가 말하고 연주하는 것을 기록하고 기억해주기 시작했습니다.

처음으로 무대에서의 책임이 무엇인지 배워가기 시작했습니다. 책임감이 커지면서 우리가 속한 씬에 대해 더 깊게 생각하게 되었고, 부당한 대우에 맞서고 필요한 공연 공간을 스스로 만드는 등의 새로운 확신에 이르게 되었습니다.

HAEUN Korean Music Awards를 통해 업계 관계자들과의 대화, 메인스트림 K-pop에서 일하는 사람들과의 교류를 하며 느낀 것은, 메인스트림에 가까워질수록 우리가 실질적으로 크게 다르지 않다는 점입니다. 자본의 차이는 분명 있지만, 독립 아티스트일수록 ‘시스템’이 더 필요하다는 깨달음이 컸어요. 예를 들어 티켓과 굿즈 판매, 팬들에게 감사의 마음을 표현하는 방식 같은 것들이요…

Soul delivery의 마케팅을 담당하는 사람으로서, 지금이 ‘K-’가 전 세계적으로 주목받는 시기여서 앨범을 만들고 공연을 기획할 수 있는 것이 행운이라고 느낍니다. K-pop 산업의 방법론을 처음부터 끝까지 배우고 적용할 수 있는 소중한 기회였어요. 동시에 우리의 음악 또한 ‘K-’의 흐름 안에 일부라는 믿음을 갖고 있습니다.

많은 해외 청취자들은 K-pop을 통해 처음으로 한국 음악을 접합니다. 비록 여러분의 뿌리는 다른 곳에 있어도, 그런 경로로 Soul delivery가 발견될 때 기분은 어떤가요?

우리는 그것을 긍정적인 점차적 확산 효과로 봅니다. 한때 우리는 “우리는 K-music이 아니다!”라고 말하곤 했지만, 사실 우리는 한국인입니다.

우리의 기반이 Black music, 재즈, 소울에 닿아있다 해도, 그런 장르 라벨이 해외 청취자의 호기심을 불러일으키는 핵심은 아닐 수 있다고 생각합니다. 또 한국 음악 씬 안에서 Black music, 재즈, 소울의 의미와 경계는 꽤 모호하기도 합니다. 재즈 씬이 우리를 재즈로 보지 않을 수도 있고, 팝에도 온전히 속하지 않을 수 있죠. 그 사이에 있는 공간 때문에 우리는 우리의 장르를 스스로 정의하고 싶어졌습니다. 마일스 데이비스가 cool jazz라는 이름을 만들고 형성했듯이, 우리는 우리 음악을 넋(NUGS)이라고 부르고 싶습니다—우리만의 용어로. 그에 이르기 위해, 기존 카테고리에 맞추려 하거나 무언가를 쫓기보다 Soul delivery의 정체성을 더 명확하고 강하게 만들어가야 한다고 생각합니다. 우리는 이를 하나의 과정으로 보고 있습니다.

K-pop의 글로벌 성장이 비아이돌 한국 씬도 더 가시화하게 만들고 있습니다. 글로벌 관심이 여러분 같은 밴드에 더 많은 공간을 만들어준다고 느끼나요, 아니면 중요한 차이를 흐릴 때도 있나요?

HAEUN Soul delivery가 일본에서 첫 투어를 갔을 때 많은 로컬 팬들을 만났습니다. 흥미롭게도 많은 이들이 원래는 오랫동안 K-pop 아이돌의 팬이었어요. 그들이 K-pop을 사랑하면서 한국에 대한 더 폭넓은 관심으로 이어졌고, 결국 우리를 찾아온 경우가 많았습니다. 그들은 한국어도 굉장히 능숙했죠! 직접 만나면서 고품질의 기악 음악을 소개하고 그 재미를 보여주는 일이 얼마나 의미 있는지 깨달았습니다.

어쩌면 국내 청취자들은 로컬(언더그라운드/인디) 씬에 덜 관심이 있는 듯한 느낌이 들 때도 있습니다. 다소 비관적으로 들릴 수 있지만, K-pop 외의 국내 시장은 꽤 작고 사람들은 자신의 취향을 탐색하기보다 트렌드를 따르는 경향이 있습니다. 그래서 우리가 해외로 나갈 기회를 더욱 많이 만들기 위해 열심히 노력하고 있는 이유이기도 합니다.

SOLE, THAMA, 해외 뮤지션들과의 협업 등 협업이 자연스럽게 느껴집니다. 협업이 억지스럽지 않고 의미 있게 느껴지려면 무엇이 필요하다고 보나요?

우리가 협업을 중요하게 여기는 이유는 단순합니다. 인간은 혼자 존재하도록 만들어지지 않았고, 서로의 강점이 약점을 보완해줄 때 온전히 가까워진다고 믿습니다.

90년대 후반 Electric Lady Studios에서 ‘The Soulquarians’가 만들어냈던 것을 보세요. 단순한 기술적 결합이 아니라 아티스트들이 한마음으로 모였을 때 불붙는 거대한 시너지를 보여줬습니다. 그런 종류의 에너지는 현대의 효율 중심적인 작업 방식에서는 찾기 어렵습니다.

그래서 Soul delivery는 ‘기획’보다 ‘자연스러움’을 우선합니다. 우리는 뮤지션뿐 아니라 사진가, 비주얼 아티스트, 디자이너 등 다양한 창작자들과 작업해왔고, 그 과정 자체를 진짜 결과물로 봅니다. 물론 쉽지 않습니다. 바빠질수록 본질을 잃기 쉽거든요. 하지만 우리는 진정한 의미 있는 결과가 신뢰와 애정, 서로를 진정으로 이해하려는 노력에서 나온다는 사실을 항상 상기합니다.

Soul delivery는 음악을 넘어서 페스티벌, 파티, 문화 공간으로 확장해 왔습니다. 밴드가 무언가를 주도할지, 더 넓은 씬을 지원할지는 어떻게 판단하나요?

SHINDRUM 이 확장은 어떤 거대한 계획에서 나온 것이 아니라 ‘생존’과 ‘갈증’에서 비롯된 것이었습니다. 개인적인 얘기를 하자면: 제가 2016년 SHINDRUM으로 활동을 시작했을 때 가장 크게 부딪힌 벽은 우리의 분위기를 온전히 담아낼 수 있는 공간과 시스템의 부재였습니다. ‘재즈 클럽’이라는 제한된 틀에서 벗어나기 위해 저는 아티스트 지속 가능성을 탐구하는 브랜드 'Rhythm Desire Love (R.S.S)'를 시작했고, 그 노력이 쌓여 지금의 'RSS HOUSE'가 되었습니다. 이 공간이 아티스트 레지던시이자 뮤지션들이 자본주의 논리에서 벗어나 가장 진정한 소리를 실험할 수 있는 ‘성역’이 되길 바랍니다.

1년 전 저는 100명 이상의 로컬 뮤지션들과 함께 RSS MUSIC FESTIVAL을 열었습니다. 그 행사를 유지하기 위해 재정적 손해를 감수하면서까지 싸운 이유는 ‘씬’ 자체가 건강해야 우리의 음악이 지속될 수 있다는 믿음 때문이었습니다. 그래서 우리가 주도할 때와 지원할 때의 기준에 대한 질문에 솔직히 말하면 저도 아직 답을 찾아가는 중입니다. 다만 분명한 한 가지는 우리의 모든 활동이 우리 개인의 단독적 성공을 향한 것이 아니라 더 큰 커뮤니티의 지속 가능성을 위한 방향으로 향해 있다는 점입니다.

Soul delivery의 미래를 생각할 때, 규모의 성장과 깊이의 성장 중 무엇을 상상하나요?

Soul delivery 바깥에서 우리는 이미 ‘대규모’ 흐름을 충분히 경험하고 있습니다. 수만 명이 모이는 대형 콘서트부터 투어 세션에 이르기까지, 굿즈와 바이럴 마케팅으로 움직이는 거대한 시장의 매력을 몸소 봐왔습니다.

이 팀을 시작할 때 우리는 그냥 하고 싶은 것을 즐겼습니다. 시간이 흐르며 어깨 위의 무게감은 커졌고, 규모와 깊이 둘 다 이루고 싶었지만 시장의 현실은 때때로 가혹했습니다. 공개적으로는 눈에 보이는 규모에 더 즉각적으로 반응하곤 했고, 저는 그 과정에서 회의감을 느낀 적도 있습니다.

그럼에도 우리의 결론은 분명합니다: 우리는 더 깊어져야 합니다. 시장이 말하는 규모만을 쫓기보다, 우리가 현명하고 창의적으로 스스로를 깊게 한다면 그 깊이에 공명하는 사람들이 모여 우리만의 새로운 규모를 만들어낼 것이라고 믿습니다. 앞으로 Soul delivery는 사람들을 더 현명하게 모아 함께 깊어지고, 무게 있는 메시지를 세상에 전하려 합니다. 우리의 깊이가 만들어낼 거대한 물결을 기대해도 좋습니다.