Choi Yu Ree

As músicas de Choi Yu Ree têm o hábito de encontrar caminho até a boca de outras pessoas. “Forest” – a faixa dolorida no centro de sua própria série no YouTube, Yu-ree's Forest, em que artistas convidados se revezam fazendo covers dela – virou uma espécie de rito de passagem entre idols, incluindo SOOBIN, do TXT, que emprestou seu falsete para o Episódio 6. É um tipo estranho de homenagem: uma canção tão íntima, cantada tantas vezes por outras vozes, e ainda assim sem nunca perder sua força.

Essa intimidade é toda a arquitetura de Stay: Two, o segundo e último capítulo de sua série Stay. Enquanto Stay: One lidava com o surreal e o distante – músicas como “Between Earth and Sky” e “Journey to the Sun” buscavam coisas que parecem estar longe, mas que nunca deixam você de verdade –, Stay: Two traz tudo de volta para o chão. Ela queria que as emoções aqui fossem tangíveis, diz, próximas o bastante para tocar: o medo de ficar sozinha depois de um salto à frente, a lenta percepção de que tudo é relativo, a recusa em definir por completo o que é o amor.

Os dois álbuns compartilham o mesmo núcleo emocional, diz ela, mas Stay: Two é o trabalho feito para o peso cotidiano da vida: medo, comparação, vulnerabilidade, o trabalho lento de aprender a conviver com sentimentos que antes ela tentava evitar. Ela não chama a série de inacabada, exatamente. Chama-a de completa o bastante para se sustentar como uma obra própria, com mais histórias ainda por vir, só não necessariamente dentro destes dois discos.

Stay: Two segue na direção emocional oposta de Stay: One, começando com um salto à frente e chegando à solidão. Quando você percebeu pela primeira vez que esses dois álbuns precisavam dialogar dessa forma?

Choi Yu Ree Enquanto me preparava para <Stay: One>, decidi que queria transmitir a mensagem de que “tudo bem permanecer no estado em que você estiver”. Nesse sentido, <Stay: Two> se tornou um capítulo essencial da série Stay.

Os dois discos parecem traçar o mesmo terreno emocional em direções diferentes. O que reverter essa jornada lhe permitiu expressar que Stay: One não poderia?

<Stay: One> e <Stay: Two> compartilham, no fim, o mesmo núcleo emocional. No entanto, vejo <Stay: One> como um álbum mais surreal, quase de outro mundo. Músicas como a faixa-título, “Between Earth and Sky” e a faixa de encerramento, “Journey to the Sun”, exploravam coisas que parecem distantes, mas que estão sempre conosco. Com <Stay: Two>, eu quis trabalhar com temas muito mais próximos da nossa vida cotidiana. Começando pela primeira faixa, tentei retratar as emoções que uma pessoa encontra depois de dar esse salto para a vida por meio de imagens familiares e tangíveis, para que tudo soasse mais imediato e real.

Stay: Two é um álbum que reúne muitas emoções, em vez de uma grande história. Como você decidiu quais sentimentos entrariam neste álbum?

Minhas músicas sempre falam sobre a vida. Este álbum naturalmente reflete as emoções que eu estava sentindo enquanto o fazia.

“Higher” começa com a coragem de dar o primeiro passo, enquanto “Monologue” termina em um momento íntimo de estar sozinha consigo mesma. Como você queria que os ouvintes se sentissem ao viajar entre esses dois pontos?

Eu imaginei o medo que as pessoas sentem ao se verem sozinhas. Através desse contraste — começando com uma energia forte e terminando sozinha no final — eu esperava que os ouvintes olhassem para a própria vida com um pouco mais de ternura e cuidado.

“It's All Relative” sugere que pode ser bom desacelerar e descansar. Sua relação com ritmo, expectativas ou comparação mudou enquanto você fazia este disco?

É o que mais tem passado pela minha cabeça ultimamente. Percebi que tudo é relativo. No passado, acho que eu vivia sem esse tipo de pensamento, ou até mesmo sem espaço para respirar, mas hoje em dia estou vivendo em um lugar muito mais calmo, sem esperar tanto.

Em “Wildflower”, o crescimento silencioso se torna uma forma de refletir sobre a própria vida. O que as flores silvestres representam para você pessoalmente, e que tipo de crescimento você tem notado em si mesma ultimamente?

“Wildflower” reflete sobre como cada flor tem sua própria beleza distinta quando olhamos de perto, embora muitas vezes sejam chamadas coletivamente de “flores silvestres” sem que seus nomes individuais sejam conhecidos. Através desta música, eu quis expressar a importância de ver e lembrar da beleza que existe em cada pessoa. Talvez por causa dessa mensagem, tenho percebido naturalmente as pessoas com mais atenção ultimamente, procurando as qualidades que fazem cada uma delas especial.

“Last Love” carrega tanto esperança quanto incerteza: o desejo por um amor que dure, junto com a pergunta sobre o que o amor realmente é. O que tornou essa tensão emocional importante de escrever agora?

“Last Love” permanece no espaço de não saber o que é o amor, mas ainda assim sentir algo inegável. Olhando para trás, acho que sempre foi assim que vivi o amor. Eu simplesmente escolhi transformar esse sentimento em uma música neste momento da minha vida, mas talvez seja uma emoção que sempre esteve ali.

Park Jinyoung aparece no videoclipe de “Last Love”, trazendo a interpretação de outra pessoa para o universo da música. O que a atuação dele revelou sobre “Last Love” que te surpreendeu ou emocionou?

Para mim, foram os olhos dele. Claro, parte disso vem naturalmente, mas “Last Love” precisava soar completamente sincera e despojada. Ainda me lembro vividamente de ter ficado hipnotizada por aquele olhar durante as filmagens.

“Drift” encontra conforto e inquietação ao se entregar à corrente da vida. Quando você se sente em dúvida, o que ajuda a aceitar não saber para onde está sendo levada?

Eu não sou exatamente o tipo de pessoa que tem medo da incerteza. Em vez disso, tento me concentrar em estudar a situação e descobrir como lidar com ela. Ainda assim, quando se trata de coisas que simplesmente não têm resposta, eu só aceito como elas são.

“At My Worst” e “Monologue” são músicas especialmente vulneráveis, confrontando lágrimas, isolamento e o eu que mostramos apenas quando não há ninguém por perto. Foi difícil transformar esses sentimentos em música, e o processo mudou a forma como você os encarava?

Assim como mencionei na pergunta anterior, eu não tenho um medo particular de emoções que as pessoas costumam considerar negativas. Mas houve, sim, uma época em que eu tinha muito medo delas e tentava evitá-las a todo custo. Naqueles momentos, eu simplesmente desmoronava. Hoje em dia, porém, me tornei alguém que tenta dividir esses sentimentos com outras pessoas um pouco mais. Acho que ganhei coragem para compartilhar minha tristeza com os outros.

As cores do álbum vão gradualmente desbotando até chegar ao monocromático, à medida que seu universo emocional se torna mais solitário. Quão de perto você vê a arte visual e a música como partes de uma mesma história?

Acho que a arte visual ajuda a comunicar os detalhes mais sutis e as emoções que a música sozinha talvez não consiga expressar por completo. Por isso, penso que cada elemento deve ser tratado com o mesmo nível de cuidado e atenção que a própria música.

Agora que Stay: One e Stay: Two estão completos, você os vê como uma história encerrada, ou ainda há mais a ser contado nesta série?

Acho que pode ser considerado completo quando visto como uma obra independente. Claro, sempre há mais histórias que eu quero contar. Mas estou confiante de que essas histórias também podem ser expressas plenamente em outros álbuns. Nesse sentido, sinto que a série Stay está muito mais próxima de ser um capítulo completo.