Choi Yu Ree

Las canciones de Choi Yu Ree tienen una manera de meterse en la boca de otras personas. “Forest” —la desgarradora canción en el centro de su propia serie de YouTube, Yu-ree's Forest, donde artistas invitados la interpretan en versiones— se ha convertido en una especie de rito de paso entre los idols, incluida SOOBIN de TXT, quien le puso su falsete en el episodio 6. Es un tipo extraño de homenaje: una canción tan íntima, cantada tantas veces por otras voces, y que de algún modo nunca se desgasta.

Esa intimidad es toda la arquitectura de Stay: Two, el segundo y último capítulo de su serie Stay. Mientras Stay: One trataba lo surreal y lo lejano —canciones como “Between Earth and Sky” y “Journey to the Sun” apuntando hacia cosas que se sienten distantes, pero que nunca terminan de abandonarte—, Stay: Two trae todo de vuelta a tierra. Quería que las emociones aquí se sintieran tangibles, dice, lo bastante cerca como para tocarlas: el miedo de quedarse solo después de dar un salto hacia adelante, la lenta comprensión de que todo es relativo, la negativa a definir por completo qué es el amor.

Los dos álbumes comparten el mismo núcleo emocional, dice, pero Stay: Two es el que está construido para el peso cotidiano de vivir: el miedo, la comparación, la vulnerabilidad, el trabajo lento de aprender a sentarse con emociones que antes intentaba evitar. No llama a la serie inacabada, exactamente. La considera lo bastante completa como para sostenerse por sí sola como una obra, con más historias aún por venir, solo que no necesariamente dentro de estos dos discos.

Stay: Two se mueve en la dirección emocional opuesta a Stay: One, empezando con un salto hacia adelante y llegando a la soledad. ¿Cuándo te diste cuenta por primera vez de que estos dos álbumes necesitaban hablarse de esta manera?

Choi Yu Ree Mientras preparaba <Stay: One>, decidí que quería transmitir el mensaje de que “está bien quedarse en el estado en el que estés”. En ese sentido, <Stay: Two> se convirtió en un capítulo esencial de la serie Stay.

Los dos discos parecen recorrer el mismo terreno emocional desde direcciones distintas. ¿Qué te permitió expresar ese viaje al invertirlo que Stay: One no podía?

<Stay: One> y <Stay: Two> comparten, en última instancia, el mismo núcleo emocional. Sin embargo, veo <Stay: One> como un álbum más surrealista, casi de otro mundo. Canciones como la canción principal, “Between Earth and Sky” y la pista de cierre, “Journey to the Sun”, exploraban cosas que se sienten lejanas, pero que siempre están con nosotros. Con <Stay: Two>, quería trabajar con temas mucho más cercanos a nuestra vida cotidiana. Empezando por la primera pista, intenté retratar las emociones que una persona encuentra después de dar ese salto a la vida a través de imágenes familiares y tangibles, para que se sintieran más inmediatas y reales.

Stay: Two es un álbum que contiene muchas emociones más que una gran historia. ¿Cómo decidiste qué sentimientos debían formar parte de este álbum?

Mis canciones siempre hablan de la vida. Este álbum refleja de forma natural las emociones que estaba experimentando mientras lo hacía.

“Higher” abre con la valentía de dar el primer paso, mientras que “Monologue” termina en un momento íntimo de estar a solas contigo misma. ¿Cómo querías que se sintieran los oyentes mientras viajaban entre esos dos puntos?

Imaginé el miedo que siente la gente al encontrarse sola. A través de ese contraste —empezar con una energía potente para terminar al final en soledad—, esperaba que los oyentes miraran su propia vida con un poco más de ternura y cuidado.

“It's All Relative” sugiere que puede estar bien bajar el ritmo y descansar. ¿Ha cambiado tu propia relación con el ritmo, las expectativas o la comparación mientras hacías este disco?

Es algo en lo que más he pensado últimamente. He llegado a darme cuenta de que todo es relativo. En el pasado, creo que vivía sin este tipo de pensamientos ni siquiera el espacio para respirar, pero estos días estoy viviendo en un lugar mucho más tranquilo, sin esperar demasiado.

En “Wildflower”, el crecimiento silencioso se convierte en una forma de reflexionar sobre tu propia vida. ¿Qué representan las flores silvestres para ti personalmente, y qué tipo de crecimiento has notado en ti últimamente?

“Wildflower” reflexiona sobre cómo cada flor tiene su propia belleza distintiva cuando la miras de cerca, pero a menudo se las llama colectivamente “wildflowers” sin conocer sus nombres individuales. A través de esta canción, quise expresar la importancia de ver y recordar la belleza que existe dentro de cada persona. Quizá por ese mensaje, últimamente me he encontrado prestando más atención a la gente, buscando las cualidades que hacen especial a cada una.

“Last Love” contiene esperanza e incertidumbre a la vez: el deseo de un amor que dure, junto con la pregunta de qué es realmente el amor. ¿Qué hizo que esa tensión emocional pareciera importante escribirla ahora?

“Last Love” permanece en el espacio de no saber qué es el amor, pero aun así sentir algo innegable. Viéndolo en retrospectiva, creo que siempre ha sido así como he experimentado el amor. Simplemente elegí convertir ese sentimiento en una canción en este momento de mi vida, pero quizá es una emoción que siempre ha estado ahí.

Park Jinyoung aparece en el videoclip de “Last Love”, aportando al mundo de la canción la interpretación de otra persona. ¿Qué reveló su actuación sobre “Last Love” que te sorprendió o conmovió?

Para mí, fueron sus ojos. Por supuesto, parte de eso surge de manera natural, pero “Last Love” tenía que sentirse completamente sincera y sin adornos. Todavía recuerdo con mucha claridad lo cautivada que quedé por esa mirada durante el rodaje.

“Drift” encuentra tanto consuelo como inquietud al entregarse a la corriente de la vida. Cuando te sientes insegura, ¿qué te ayuda a aceptar no saber hacia dónde te están llevando?

En realidad no soy una persona que tenga miedo a la incertidumbre. Más bien, intento concentrarme en estudiar la situación y averiguar cómo salir adelante. Aun así, cuando se trata de cosas que simplemente no tienen respuesta, las acepto tal como son.

“At My Worst” y “Monologue” son canciones especialmente vulnerables, que afrontan las lágrimas, el aislamiento y la versión de una misma que solo mostramos cuando no hay nadie. ¿Fue difícil convertir esos sentimientos en música, y cambió el proceso la forma en que los sostenías?

Parecido a lo que mencioné en la pregunta anterior, no siento un miedo particular hacia las emociones que la gente suele considerar negativas. Pero definitivamente hubo una época en la que me daban muchísimo miedo y trataba de evitarlas a toda costa. En esos momentos, me desmoronaba por completo. Estos días, sin embargo, me he convertido en alguien que intenta compartir esos sentimientos con los demás un poco más. Creo que he ganado el valor para compartir mi tristeza con la gente.

Los colores del álbum se desvanecen gradualmente hacia el monocromo a medida que su mundo emocional se vuelve más solitario. ¿Hasta qué punto ves el arte visual y la música como partes de una misma historia?

Creo que el arte visual ayuda a comunicar los detalles más finos y las emociones que la música sola quizá no pueda expresar por completo. Por eso pienso que cada elemento debe abordarse con el mismo nivel de cuidado y reflexión que la propia música.

Ahora que tanto Stay: One como Stay: Two ya están completos, ¿los ves como una historia terminada o todavía hay más por contar en esta serie?

Creo que puede considerarse completa cuando se ve como una obra independiente. Por supuesto, siempre hay más historias que quiero contar. Pero confío en que esas historias también pueden expresarse plenamente a través de otros álbumes. En ese sentido, siento que la serie Stay está mucho más cerca de ser un capítulo completo.