Choi Yu Ree

Choi Yu Reeの楽曲には、いつの間にか他の人の口に乗って広がっていく不思議な力がある。YouTubeシリーズ「Yu-ree's Forest」の中心にある切ない楽曲「Forest」は、ゲストアーティストがカバーしていく企画の中で、アイドルたちにとってある種の通過儀礼のような存在になっている。Episode 6ではTXTのSOOBINもファルセットを披露し、この曲を歌った。こんなにも親密な曲が、これほど頻繁に他の声で歌われても、どういうわけか色褪せない。それは奇妙で、そして美しいオマージュだ。

その親密さこそが、Stay: Twoという作品の骨格そのものだ。Stayシリーズの第2章にして最終章にあたるこのアルバムで、Stay: Oneが描いたのは、どこか現実離れした遠い感覚だった。「Between Earth and Sky」や「Journey to the Sun」のような楽曲は、手の届かないようでいて、決して私たちのそばを離れないものへと手を伸ばしていた。だがStay: Twoは、すべてをもう一度地上へと引き戻す。彼女は、ここでは感情が触れられるほど身近に感じられてほしかったのだという。飛び込んだあとにひとりで立つことへの恐れ、すべては相対的だとゆっくり気づいていくこと、愛とは何かを最後まで定義しきろうとしない姿勢。そうした感情だ。

2枚のアルバムは同じ感情の核を共有していると彼女は言う。ただ、Stay: Twoは、日々生きる中で感じる重さ――恐れ、比較、脆さ、そしてかつて避けようとしていた感情と向き合い、静かに受け止めていく過程――を抱えるために作られた作品だという。シリーズを未完だとは、彼女は厳密には言わない。ひとつの作品群として十分に完結しているが、物語はこの2枚の中だけではなく、まだこの先にも続いていくのだと語る。

Stay: Twoは、Stay: Oneとは逆方向の感情の流れを持っています。前へ進む飛躍から始まり、孤独へとたどり着くこの2枚が、互いに語り合う必要があると最初に気づいたのはいつでしたか？

Choi Yu Ree <Stay: One>の準備をしていたとき、私は「今どんな状態にあっても、そのままでいていいんだ」というメッセージを伝えたいと心に決めていました。その意味で、<Stay: Two>はStayシリーズに欠かせない章になりました。

2枚の作品は、同じ感情の領域を別の方向からたどっているように見えます。旅の向きを反転させたことで、Stay: Oneでは表現できなかった何を表せたのでしょうか？

<Stay: One>と<Stay: Two>は、最終的には同じ感情の核を共有しています。ただ、私は<Stay: One>を、より幻想的で、どこか別世界のようなアルバムだと捉えています。タイトル曲や「Between Earth and Sky」、「Journey to the Sun」のような終盤の楽曲では、遠く感じられるけれど、いつも私たちのそばにあるものを探っていました。<Stay: Two>では、もっと日常に近いテーマを扱いたいと思ったんです。1曲目から、人生へ一歩踏み出したあとに人が出会う感情を、身近で手触りのあるイメージで描こうとしました。そうすることで、より直接的で、リアルに感じてもらえるようにしたかったんです。

Stay: Twoは、壮大な物語というよりも、多くの感情を抱えたアルバムです。どの感情をこのアルバムに入れるかは、どのように決めたのでしょうか？

私の曲はいつも人生について語っています。このアルバムも、制作していたときに私が感じていた感情を自然に映し出したものです。

「Higher」は最初の一歩を踏み出す勇気から始まり、「Monologue」は自分自身と静かに向き合う親密な瞬間で終わります。その2つの地点のあいだをリスナーにどう感じてほしかったのでしょうか？

ひとりになったときに人が感じる不安を思い描いていました。力強いエネルギーで始まりながら、最後にはひとりで終わるという対比を通して、リスナーが自分の人生をもう少し優しく、丁寧に見つめてくれたらと思ったんです。

「It's All Relative」は、少しペースを落として休むことも許されるのだと示しているように感じます。この作品を作るなかで、スピードや期待、比較との向き合い方に変化はありましたか？

最近、いちばん頭にあるテーマです。すべては相対的なんだと実感するようになりました。以前は、こうした考えや息をつく余裕さえないまま生きていた気がします。でも今は、あまり多くを期待しすぎず、ずっと穏やかな場所で生きています。

「Wildflower」では、静かな成長が、自分の人生を見つめ直す手がかりになっています。あなたにとって野の花は個人的に何を意味し、最近の自分にはどんな成長を感じていますか？

「Wildflower」は、よく見るとそれぞれの花には固有の美しさがあるのに、個々の名前ではなくまとめて「wildflowers」と呼ばれてしまうことへの思いを映しています。この曲を通して、ひとりひとりの中にある美しさを見つけて、覚えておくことの大切さを伝えたかったんです。そのメッセージのおかげか、最近は自然と人により目を向けるようになっていて、それぞれを特別にしているものを探すようになりました。

「Last Love」には、続いてほしい愛への願いと、そもそも愛とは何なのかという問いの両方が込められています。なぜ今、この感情の張りつめた関係性を書きたいと思ったのでしょうか？

「Last Love」は、愛とは何か分からないまま、それでも確かに感じている何かが残り続ける場所にあります。振り返ってみると、私はずっとそんなふうに愛を経験してきたのだと思います。ただ、このタイミングでその感覚を曲にしただけで、もしかするとそれは、ずっと前からそこにあった感情だったのかもしれません。

「Last Love」のミュージックビデオにはPark Jinyoungが出演し、楽曲の世界に別の人の解釈をもたらしています。彼のパフォーマンスは、「Last Love」についてどんな驚きや感動をもたらしましたか？

私にとっては、彼の目でした。もちろん、生まれ持ったものもあると思いますが、「Last Love」は完全に誠実で、飾りのない感情でなければならなかったんです。撮影中にあの眼差しに引き込まれた瞬間は、今でも鮮明に覚えています。

「Drift」は、人生の流れに身を委ねる中で感じる安心と不安の両方を描いています。不確かさを感じるとき、どこへ運ばれているのか分からないことを受け入れる助けになるものは何ですか？

私はあまり、不確かさを怖がるタイプではないんです。むしろ、その状況をよく見て、どう乗り越えるかを考えるようにしています。それでも、答えのないことについては、ただそのまま受け入れるようにしています。

「At My Worst」と「Monologue」は特に脆さがにじむ楽曲で、涙や孤独、そして誰もいないときにだけ見せる自分自身に向き合っています。そうした感情を音楽にするのは難しかったですか？ また、その過程で感情との向き合い方は変わりましたか？

先ほどお話ししたことと同じように、私は多くの人がネガティブだと捉えがちな感情を、それほど怖いとは感じていません。でも、以前はそうした感情をひどく恐れていて、できる限り避けようとしていた時期が確かにありました。そのころは、完全に崩れてしまうこともありました。でも今は、そういう気持ちをもう少し人と分かち合おうとするようになりました。悲しみを人に見せる勇気が持てるようになったのだと思います。

アルバムの感情世界がより孤独になるにつれて、色彩は次第にモノクロへと薄れていきます。ビジュアルアートと音楽は、ひとつの物語の一部だとどのくらい強く感じていますか？

ビジュアルアートは、音楽だけでは十分に表しきれない細かなディテールや感情を伝える助けになると思います。だからこそ、どの要素も音楽と同じくらい丁寧に、思慮深く作られるべきだと思っています。

Stay: OneとStay: Twoがどちらも完成した今、このシリーズはひとつの物語として完結したと感じますか？ それとも、まだ語るべきことはありますか？

ひとつの独立した作品群として見れば、完結していると言えると思います。もちろん、語りたい物語はこれからもあります。でも、それらは別のアルバムを通しても十分に表現できると確信しています。そういう意味では、Stayシリーズはかなり完成されたひとつの章に近づいていると感じています。