El 15 de agosto, Vernon de SEVENTEEN apareció en una entrevista con The Hollywood Reporter, donde compartió una lista de reproducción con canciones favoritas que han influido en su crianza, sus gustos musicales y su trabajo en solitario y en unidad para el álbum suyo y de su compañero The 8, V8. Durante la entrevista, el rapero/cantautor reveló su postura sobre el popular debate de si las tendencias del K-pop se han vuelto demasiado occidentalizadas y cada vez menos centradas en diferenciarse. Aunque su respuesta refleja un sentimiento que los fans han comentado durante años, vale la pena preguntarse cómo y cuándo la industria coreana pasó de recontextualizar tendencias occidentales con un giro claramente coreano a simplemente perseguir tendencias en busca de validación, aceptación y mayor facilidad de consumo a nivel global.

“Siento que el K-pop suena cada vez más como pop estadounidense en lugar de K-pop, y creo que mucha gente también habla de eso”, le dijo Vernon a The Hollywood Reporter. “Eso me hace querer volver a los 2000 o a principios de los 2010, cuando estaba en primaria, como las Wonder Girls, BIGBANG, 2NE1 y todo eso”.

La era a la que se refiere el miembro de SEVENTEEN es la segunda generación del K-pop, cuando vemos que la industria realmente empieza a encontrar su propia voz en términos de mezclar y experimentar con tendencias occidentales sin que se sienta tan calcado. Esta es la etapa que muchos fans recuerdan con nostalgia y señalan como la más creativa del género. Pero antes de llegar a lo que se conoce como la “Edad de Oro” del K-pop, primero hay que mirar dónde despegó la industria.

La primera versión del K-pop moderno en los años 90 introdujo una ola de géneros occidentales al público general, incluidos el hip-hop, el europop, el EDM, el R&B, el New Jack Swing, el alt-rock y muchos otros. Esta era —conocida como la primera generación— incluyó a grupos y artistas como Seo Taiji and Boys, S.E.S., BoA, Shinhwa, Fin.K.L y más. Una similitud que compartían todos estos actos era la influencia directa de la música negra estadounidense. Seo Taiji hacía rap, hip-hop y música de baile contemporánea; S.E.S. y Fin.K.L. hacían R&B y dance-pop, y así sucesivamente.

Aunque muchos lograron tomar prestados estos géneros y filtrarlos a través de una mirada coreana, las inspiraciones nunca fueron sutiles. En los primeros años de BoA, la cantante solía ser vista como la equivalente coreana de Britney Spears, mientras que Lee Hyori (solista y miembro de Fin.K.L.) estaba claramente influenciada por artistas como Brandy y Mariah Carey. Aun así, todos estos grupos de primera generación contaban con productores, compositores y equipos de A&R coreanos que reconstruían estos sonidos originados en la cultura negra estadounidense, pero con letras mayoritariamente en coreano y pensados para un público coreano.

Sin embargo, a finales de los 2000 y durante los 2010, empezamos a ver el auge de la mezcla de géneros con sonidos que apenas estaban llegando a Corea del Sur. Algunos de estos géneros incluían el electropop, el synth-house y el dubstep, combinados con las influencias de hip-hop y R&B que ya tenían un peso profundo en la industria. A diferencia de los productores y compositores coreanos, la segunda generación del K-pop también es donde vemos el auge de creativos europeos que introdujeron estos sonidos más nuevos y los reinterpretaron en un contexto coreano. En cuanto a las grandes empresas de K-pop, SM Entertainment se convirtió en un actor clave al asociarse con editoriales europeas como DSign Music y Pelle Lidel, que ayudaron enormemente a tender puentes al proponer temas de pop occidental/sueco, y equipos de composición escandinavos como Design Music y Equinox, que fueron fundamentales para crear el éxito de Girls' Generation en 2009, “Gee”.

Mientras tanto, según Rolling Stone, Teddy Riley se convirtió en el primer productor estadounidense de alto perfil en cruzar oficialmente al K-pop y trabajar de forma extensiva en el género, volando a Seúl en 2009 para producir temas como “The Boys” de Girls' Generation, junto al prolífico compositor coreano Yoo Youngjin. Aun así, en ese momento la industria coreana no estaba necesariamente tratando de complacer ni de adaptarse al público occidental: el público objetivo seguía siendo Corea, Japón, China y otros países asiáticos.

A través de otros actos de segunda generación como Super Junior, Infinite, f(x) y SHINee, las agencias de K-pop ya habían dominado el concepto de fusionar todas estas tendencias occidentales y añadir elementos inequívocamente propios del K-pop a sus canciones. Algunos de esos elementos incluían estructuras de canción poco convencionales, cambios tonales inesperados y la mezcla de múltiples géneros en una sola pista que uno no imaginaría de entrada. Y aunque la segunda generación incorporó más letras en inglés que la anterior, el enfoque principal siguió siendo el idioma coreano. No se limitaron a replicar tendencias: las hicieron suyas.

Un ejemplo que muchos fans han mencionado a la luz de esta conversación es Block B, un grupo de siete miembros que debutó en 2011. Aunque su sonido base se inspiraba en el hip-hop, siempre se mantuvieron fuera de lo que se consideraba el K-pop estándar, incluso para su época. Al mezclar géneros como electro-hop, dance-pop e incluso electro-swing, Block B siempre fue juguetón e imaginativo al reinterpretar la música occidental, especialmente a través de su líder y productor principal Zico, su compañero y rapero Park Kyung y el colaborador coreano frecuente Poptime.

Eso nos lleva a la tercera generación, que en realidad podría dividirse en dos olas: de 2012 a 2015 y de 2016 a 2019. La primera mitad de la segunda generación incluyó grupos como EXO, B.A.P., AOA, VIXX, BTS y muchos otros. En esta era, las canciones todavía podían ser tan campy como en la anterior, pero también un poco más refinadas, aunque inconfundiblemente K-pop. Dos buenos ejemplos serían EXO y BTS, que debutaron en 2012 y 2013, respectivamente. Mientras que el sonido central de EXO se definía por el R&B, el dance-pop y el funk —una combinación impecable entre un grupo estándar de K-pop y una boy band al estilo estadounidense—, BTS giraba por completo en torno al hip-hop, inspirado en raperos estadounidenses como Kanye West, Eminem, Drake y J. Cole, y lo tomaba mucho más en serio que muchos de sus mayores y de sus pares. Pero incluso entonces, ninguno de estos grupos apuntaba de forma deliberada al éxito occidental, al menos todavía no.

También vimos el auge de más productores y compositores estadounidenses y europeos entrando en la escena, incluidos Adrian McKinnon, cuyo primer crédito en K-pop fue “December, 2014 (The Winter’s Tale)” de EXO, el CEO de Recording Academy Harvey Mason Jr. y Erik Lidbom. Sin embargo, en 2015 la industria del K-pop vio un aumento significativo de nuevos oyentes occidentales, muchos de los cuales venían de antiguas comunidades de fans de boy bands y girl groups estadounidenses y europeas en busca de algo nuevo y refrescante. Fue entonces cuando el género house se convirtió en un elemento central de la cultura del K-pop, gracias al dúo británico de composición y producción LDN Noise, que aun así entendía la estructura única de las canciones de K-pop, pese a sus influencias occidentales.

Para entonces, otras canciones como “Just Right” de GOT7, “Call Me Baby” de EXO, y “I Need U” y “Dope” de BTS explotaron de forma exponencial, empujando a estos grupos a un mayor foco global, aunque el K-pop en sí seguía considerándose de nicho en el mercado occidental.

No fue hasta la segunda mitad de la tercera generación, de 2016 a 2019, que el K-pop realmente pasó de ser un interés de nicho a ser tomado en serio en Occidente, lo que llevó a su éxito actual en la corriente principal. Una vez que BTS se convirtió en el primer grupo de K-pop en asistir y actuar en los American Music Awards y ganar un premio de Billboard en 2017, el septeto despegó, y BigHit Music (antes conocida como Big Hit Entertainment) vio esto como una oportunidad para posicionar a BTS como los representantes globales del K-pop.

Tras su éxito en la corriente principal, el grupo comenzó su misión de hacer contactos y colaborar con artistas estadounidenses como Desiigner, Steve Aoki, Nicki Minaj y Halsey. Para 2019, la música de BTS se había alejado de su sonido previo centrado en el K-pop para inclinarse por estilos más atractivos a nivel global y más “aptos para la radio”; esto se hizo especialmente evidente en el éxito de 2019 del grupo, “Boy with Luv”, con Halsey. Como respuesta, los primeros fans de BTS argumentaron que el grupo estaba perdiendo su esencia coreana solo para contentar al mercado occidental.

En sus primeros años, la música de BTS solía ser un hip-hop crudo y reflexivo, pero también podía inclinarse hacia el lado sentimental y romántico del R&B y el dance-pop. Sin embargo, a partir de 2019, la mayoría de sus lanzamientos se volvieron más pop y ligeros, consolidando su lugar como el grupo de K-pop más grande en dominar las listas globales. El grupo lanzaría luego su primera canción completamente en inglés, “Dynamite”, en 2020, lo que dio paso a sus sucesoras, “Butter” y “Permission to Dance”, en 2021.

Al mismo tiempo que su auge a finales de los 2010, el grupo de YG Entertainment BLACKPINK debutó en 2016 y también empezó a hacerse un nombre en el extranjero, especialmente con “DDU-DU DDU-DU” de 2019. Con tres de sus cuatro integrantes hablando inglés con fluidez, el grupo femenino tuvo ventaja a la hora de lanzar canciones totalmente en inglés, especialmente con “Kiss and Make Up” de 2018, junto a Dua Lipa, y al participar en el tema de Lady Gaga de 2020, “Sour Candy”. Tras romper múltiples récords a lo largo de su carrera y convertirse en el grupo femenino de K-pop más grande en el mercado occidental, BLACKPINK lanzó su primer álbum predominantemente en inglés, Born Pink, en 2022. Aunque los fans también argumentarán que la música temprana del cuarteto era más creativamente sonora, BLACKPINK y sus productores ya tenían un sonido “YG” muy particular y en su mayor parte se han mantenido fieles a él, aunque algunos digan que se ha vuelto repetitivo.

Aunque el K-pop sin duda coqueteó con sencillos en inglés a finales de los 2000 y principios de los 2010 (”The DJ Is Mine” de Wonder Girls, la versión en inglés de “The Boys” de SNSD y el álbum en inglés homónimo de BoA, por nombrar algunos), los primeros intentos de abrirse paso en el mercado occidental no tuvieron el mismo éxito que ahora. Sin embargo, la diferencia hoy es que hay mucha más influencia estadounidense y europea —a nivel de producción— que nunca antes, lo que hace que la música de cuarta y quinta generación del K-pop se aleje más de sus raíces líricas y culturales coreanas que en eras anteriores. Tras el éxito de BTS y BLACKPINK, las principales discográficas de K-pop han apuntado cada vez más a las listas globales, los festivales y la rotación en radio, acortando la distancia entre lo occidental y el K-pop hasta el punto de que no siempre es fácil decir dónde termina uno y empieza lo otro.

Incluso este año, con el álbum más reciente de BTS, ARIRANG, una de las principales críticas fue la desconexión entre el objetivo del disco de poner en valor la cultura y el folclore tradicionales coreanos y la ejecución real, que se apoyó en gran medida en temas de pop “genéricos” y en pistas de hip-hop demasiado tendenciosas. Algunos fans e incluso periodistas han debatido sobre quién decide si un proyecto liderado por coreanos es “lo bastante coreano”: ¿qué significa que un álbum esté “arraigado en Corea” cuando su sonido bebe tan fuertemente de la música occidental? Aunque algunos dirían que basta con que un grupo sea coreano y haga la música que quiere hacer, la verdad es que no existe una respuesta correcta o incorrecta.