El 15 de agosto, Vernon de SEVENTEEN apareció en una entrevista con The Hollywood Reporter, donde compartió una lista de reproducción con canciones favoritas que han influido en su crianza, sus gustos musicales y su trabajo como solista y en unidad para su álbum y el de su compañero The 8, V8. Durante la entrevista, el rapero/cantautor reveló su postura sobre el debate popular acerca de si las tendencias del K-pop se han vuelto demasiado occidentalizadas y menos centradas en diferenciarse. Aunque su respuesta refleja el sentimiento que los fans han debatido durante años, vale la pena preguntarse cómo y cuándo la industria coreana pasó de reinterpretar las tendencias occidentales con un giro claramente coreano a simplemente perseguirlas en busca de validación global, aceptación y mayor facilidad de consumo.

“Siento que el K-pop suena cada vez más como pop estadounidense en lugar de K-pop, y creo que mucha gente también habla de eso”, dijo Vernon a The Hollywood Reporter. “Me hace querer volver a los 2000 o a principios de los 2010, cuando yo estaba en primaria, como Wonder Girls, BIGBANG, 2NE1 y todo eso”.

La era a la que se refiere el miembro de SEVENTEEN es la segunda generación del K-pop, cuando vemos que la industria realmente empieza a encontrar su propia voz en términos de mezclar y experimentar con tendencias occidentales sin que se sienta tan copiado y pegado. Es la época que muchos fans del K-pop recuerdan con nostalgia y señalan como la más creativa del género. Pero antes de llegar a lo que se conoce como la “edad de oro” del K-pop, primero hay que mirar dónde comenzó a despegar la industria.

La primera versión del K-pop moderno en los años 90 introdujo al público general una ola de géneros occidentales, entre ellos hip-hop, Europop, EDM, R&B, New Jack Swing, alt-rock y muchos otros. Esta era —conocida como la primera generación— incluyó a grupos como Seo Taiji and Boys, S.E.S., BoA, Shinhwa, Fin.K.L y más. Una similitud que compartían todos estos actos era la influencia directa de la música afroamericana. Seo Taiji era rap, hip-hop y música dance contemporánea; S.E.S. y Fin.K.L. eran R&B y dance-pop, y así sucesivamente.

Aunque muchos pudieron tomar prestado de estos géneros y filtrarlos a través de una mirada coreana, las inspiraciones nunca fueron sutiles. En los primeros años de BoA, la cantante era vista a menudo como el equivalente coreano de Britney Spears, mientras que Lee Hyori (solista y miembro de Fin.K.L.) estaba claramente influenciada por artistas como Brandy y Mariah Carey. Aun así, todos estos grupos de primera generación contaban con productores, compositores y equipos de A&R coreanos que reconstruían sonidos originados en la cultura afroamericana, pero con letras mayormente en coreano y pensados para un público coreano.

Sin embargo, a finales de los 2000 y durante los 2010, empezamos a ver el auge de la mezcla de géneros con sonidos que recién comenzaban a filtrarse en Corea del Sur. Algunos de esos géneros incluían electropop, synth-house y dubstep, combinados con las influencias de hip-hop y R&B que ya eran profundas dentro de la industria. A diferencia de los productores y compositores coreanos, la segunda generación del K-pop es también donde vemos el auge de creativos europeos introduciendo estos sonidos más nuevos y reinterpretándolos en un contexto coreano. En cuanto a las grandes compañías del K-pop, SM Entertainment se convirtió en un actor principal al asociarse con editoras europeas como DSign Music y Pelle Lidel, que ayudaron mucho a tender puentes al presentar temas pop occidentales/suecos, y equipos de composición escandinavos como Design Music y Equinox, que fueron clave en la creación del éxito de Girls’ Generation de 2009, “Gee”.

Mientras tanto, según Rolling Stone, Teddy Riley se convirtió en el primer productor estadounidense de alto perfil en entrar oficialmente y trabajar de forma extensa en el K-pop, viajando a Seúl en 2009 para producir temas como “The Boys” de Girls’ Generation, junto al prolífico compositor coreano Yoo Youngjin. Aun así, la industria coreana, en ese momento, no estaba necesariamente tratando de complacer o adaptarse al público occidental: el público objetivo seguía siendo Corea, Japón, China y otros países asiáticos.

Con otros actos de segunda generación como Super Junior, Infinite, f(x) y SHINee, las agencias de K-pop ya habían dominado el concepto de fusionar todas estas tendencias occidentales distintas y añadir elementos inequívocamente propios del K-pop a sus canciones. Algunos de esos elementos incluían estructuras de canción poco convencionales, cambios de tono inesperados y la mezcla de múltiples géneros en una sola pista que de otro modo no imaginarías. Y aunque la segunda generación incluía más letras en inglés que su predecesora, el énfasis principal seguía estando en el idioma coreano. No se limitaron a replicar las tendencias: las hicieron suyas.

Un ejemplo que muchos fans han mencionado a raíz de esta conversación es Block B, un grupo de siete miembros que debutó en 2011. Aunque su sonido principal estaba influenciado por el hip-hop, siempre se mantuvieron fuera de lo que se consideraba el estándar del K-pop, incluso para su época. Al combinar géneros como electro-hop, dance-pop e incluso electro-swing, Block B siempre fue juguetón e imaginativo al reinterpretar la música occidental, especialmente gracias a su líder y productor principal Zico, al compañero de grupo y rapero Park Kyung, y al colaborador coreano frecuente Poptime.

Eso nos lleva a la tercera generación, que en realidad podría dividirse en dos oleadas: de 2012 a 2015 y de 2016 a 2019. La primera mitad de la segunda generación incluyó grupos como EXO, B.A.P., AOA, VIXX, BTS y muchos otros. En esta era, las canciones aún podían ser tan campy como en la anterior, pero también un poco más refinadas, aunque inconfundiblemente K-pop. Algunos buenos ejemplos serían EXO y BTS, que debutaron en 2012 y 2013, respectivamente. Mientras que el sonido central de EXO se definía por el R&B, el dance-pop y el funk —una mezcla fluida entre un grupo típico de K-pop y una boy band de estilo estadounidense—, BTS era puro hip-hop, inspirado en raperos estadounidenses como Kanye West, Eminem, Drake y J. Cole, y se lo tomaba más en serio que muchos de sus mayores y de sus contemporáneos. Pero incluso entonces, ninguno de estos grupos estaba tratando deliberadamente de triunfar en Occidente —al menos todavía no.

También vimos el auge de más productores y compositores estadounidenses y europeos entrando en la escena, entre ellos Adrian McKinnon, cuyo primer crédito en K-pop fue “December, 2014 (The Winter’s Tale)” de EXO; el CEO de Recording Academy, Harvey Mason Jr., y Erik Lidbom. Sin embargo, en 2015, la industria del K-pop experimentó un aumento significativo de nuevos oyentes occidentales, la mayoría provenientes de fandoms previos de boy bands y girl groups estadounidenses y europeos en busca de algo nuevo y refrescante. Fue entonces cuando el género house se convirtió en un elemento habitual de la cultura del K-pop, gracias al dúo británico de composición y producción LDN Noise, que aun así entendía la estructura única de las canciones de K-pop, pese a sus influencias occidentales.

Para entonces, otras canciones como “Just Right” de GOT7, “Call Me Baby” de EXO y “I Need U” y “Dope” de BTS explotaron exponencialmente, impulsando a estos grupos hacia un foco más global, aunque el K-pop en sí seguía considerándose de nicho en el mercado occidental.

No fue hasta la segunda mitad de la tercera generación, de 2016 a 2019, que el K-pop realmente pasó de ser un interés de nicho a ser tomado en serio en Occidente, lo que condujo a su éxito masivo actual. Una vez que BTS se convirtió en el primer grupo de K-pop en asistir y presentarse en los American Music Awards y ganar un premio de Billboard en 2017, el septeto despegó, y BigHit Music (antes conocida como Big Hit Entertainment) vio esto como una oportunidad para posicionar a BTS como el representante global del K-pop.

Tras su éxito en el mainstream, el grupo comenzó a buscar colaboraciones y conexiones con artistas estadounidenses, como Desiigner, Steve Aoki, Nicki Minaj y Halsey. Para 2019, la música de BTS se había alejado de su sonido más centrado en el K-pop para inclinarse hacia estilos más atractivos a nivel global y “amigables con la radio”; esto quedó más claro que nunca en el éxito de 2019 del grupo, “Boy with Luv”, con Halsey. En respuesta, los primeros fans de BTS argumentaron que el grupo estaba perdiendo su esencia coreana solo para complacer al mercado occidental.

En sus primeros años, la música de BTS era a menudo un hip-hop crudo y reflexivo, pero también podía inclinarse hacia los lados más sentimentales y románticos del R&B y el dance-pop. Sin embargo, a partir de 2019, la mayoría de sus lanzamientos se volvieron más orientados al pop y más ligeros, consolidando su lugar como el grupo de K-pop más grande y dominante en las listas globales. El grupo lanzaría en 2020 su primera canción totalmente en inglés, “Dynamite”, a la que siguieron “Butter” y “Permission to Dance” en 2021.

Al mismo tiempo que su gran despegue a finales de los 2010, el grupo de YG Entertainment BLACKPINK debutó en 2016 y también comenzó a hacerse un nombre en el extranjero, especialmente con “DDU-DU DDU-DU” de 2019. Con tres de sus cuatro integrantes hablando inglés con fluidez, el girl group tuvo una ventaja inicial al lanzar canciones completamente en inglés, en particular con “Kiss and Make Up” de 2018, junto a Dua Lipa, y su participación en “Sour Candy” de Lady Gaga en 2020. Tras romper múltiples récords a lo largo de su carrera y convertirse en el girl group de K-pop más grande del mercado occidental, BLACKPINK lanzó en 2022 su primer álbum predominantemente en inglés, Born Pink. Aunque los fans también argumentarán que la música temprana del cuarteto era más creativa en lo sonoro, BLACKPINK y sus productores ya tenían un sonido “YG” particular y en gran medida se han mantenido fieles a él, aunque algunos digan que se ha vuelto repetitivo.

Aunque el K-pop sí coqueteó con sencillos en inglés a finales de los 2000 y principios de los 2010 (“The DJ Is Mine” de Wonder Girls, la versión en inglés de “The Boys” de SNSD y el álbum en inglés homónimo de BoA, por nombrar algunos), los primeros intentos de abrirse paso en el mercado occidental no tuvieron tanto éxito como ahora. Sin embargo, la diferencia hoy es que hay muchísima más influencia estadounidense y europea —a nivel de producción— que nunca antes, lo que lleva a que la música de la cuarta y quinta generación del K-pop se aleje más de sus raíces líricas y culturales coreanas que en eras anteriores. Tras el éxito de BTS y BLACKPINK, las principales discográficas de K-pop han apuntado cada vez más a las listas globales, los festivales y la rotación en radio, estrechando la brecha entre lo occidental y el K-pop hasta el punto de que no siempre es fácil decir dónde empieza uno y termina el otro.

Incluso este año, con el último álbum de BTS, ARIRANG, una de las principales críticas fue la desconexión entre el objetivo del disco de enaltecer la cultura tradicional coreana y el folclore, y la ejecución real, que en gran parte se apoyaba en pop “genérico” y temas de hip-hop excesivamente de tendencia. Algunos fans e incluso periodistas han debatido sobre quién decide si un proyecto liderado por coreanos es “suficientemente coreano”. ¿Qué significa que un álbum esté “arraigado en Corea” cuando su sonido toma tanto de la música occidental? Aunque algunos dirían que basta con que un grupo sea coreano y haga la música que quiera hacer, sinceramente no hay una respuesta correcta o incorrecta.