JUSTB – SNOW ANGEL

SNOW ANGEL do JUSTB entra na lista porque é a primeira vez que o som do grupo parece ter entrado em uma via que realmente lhe pertence. O ano já insinuava essa mudança — texturas mais glitch, paletas de synth mais frias, aquela aresta inquieta aparecendo nos b-sides — mas este EP é onde as peças finalmente se encaixam. É breve, quase surpreendentemente, e mesmo assim não há um segundo desperdiçado. Tudo parece mais nítido do que o que entregaram antes.

O que mais se destaca é a autodireção. O modelo financiado por fãs poderia tê-los empurrado para o seguro, mas parece que usaram a liberdade para reforçar o som que vinham circundando. “True Heart” é o ponto de virada; carrega clareza e confiança que reencaminham toda a trajetória do grupo. De repente, os toques experimentais que testaram em lançamentos passados fazem sentido.

O resto do projeto segue com a mesma convicção. A espinha eletrônica que percorre o EP não soa tendência ou imitativa — cai bem neles, e lhes dá textura num campo de boy-groups que frequentemente pende para o previsível. Não há extrapolação aqui, nem salada de gêneros, apenas uma identidade pop enxuta e gelada que parece merecida. SNOW ANGEL é o momento em que o JUSTB para de procurar seu som e começa a dominá-lo.

BM – PO:INT

PO:INT do BM garante seu lugar porque é a primeira vez que seu trabalho solo parece totalmente assentado — como se ele operasse por instinto em vez de tentar marcar todas as caixas esperadas de um idol masculino solo. O projeto se move com uma clareza que ele não mostrava antes. A paleta sonora é estreita de um jeito bom, confiante sem ser repetitiva, e construída em torno do que sua voz e presença realmente fazem bem.

“Freak” é o exemplo mais claro dessa mudança. A fusão afrohouse–amapiano não é um artifício; dá espaço pra ele assumir swagger sem cair na caricatura. É sensual e rítmico, e define o tom para o que vem depois.

O resto do EP reforça esse foco. As faixas R&B caem limpas, e os momentos de house mais elegantes mantêm o clima no mesmo bolso noturno. “Stay Mad” fecha com chave de ouro. É ousada, engraçada e um pouco insana do jeito que bons híbridos rap–pop devem ser, e mostra uma versão do BM carismática porque está relaxada, não porque tenta projetar intensidade.

PO:INT se destaca simplesmente porque soa como o projeto que ele tem tentado fazer por anos — estiloso e genuinamente confortável na própria pele.

BOYNEXTDOOR – The Action

BOYNEXTDOOR entram na lista porque The Action é o momento em que eles unem seus instintos em uma forma única e focada. Mais cedo no ano brincavam com ideias com uma confiança casual — divertidos e imprevisíveis de um jeito que lhes caía bem. Este EP pega essa leveza e dá uma direção mais forte. A moldura conceitual do film-crew dá a eles uma estrutura para brincar dentro, e acaba destacando o estilo que vêm construindo desde o debut.

O projeto aterrissa pelo quanto se move com conforto. “Live in Paris” imediatamente estabelece um clima intencionalmente inquieto, o som de um grupo equilibrando juventude, ambição e uma agenda que nem sempre bate com o que sentem. “Hollywood Action” segue com o polimento de uma equipe de produção que conhece as vozes deles por dentro. A confiança está embutida na forma como lidam com melodia e pacing.

O resto do EP empurra a escrita deles para frente. “Jam!” tem mordida, “Bathroom” mostra uma quantidade surpreendente de controle emocional, e o encerramento amarra tudo sem forçar uma mensagem grandiosa.

The Action é o BOYNEXTDOOR se assentando em sua identidade com muito mais precisão do que antes. É compacto, movido por personalidade, e prova de que eles pararam de experimentar por experimentar e começaram a moldar algo que pareça duradouro.

ATEEZ – GOLDEN HOUR : Part.3

GOLDEN HOUR : Part.3 do ATEEZ ganha seu lugar porque mostra um grupo sacudindo o peso da expectativa. O rollout foi incomumente seco, quase abrupto, mas essa falta de cerimônia acaba emoldurando o disco de um jeito que funciona a favor. Você fica com a música em si — sem grande mitologia para decifrar, sem trilha de pistas distraindo do que realmente estão dizendo.

Ao longo do mini-álbum há uma mudança perceptível em como o ATEEZ lida com a emoção. “Lemon Drop” se inclina para o desejo com um verniz meio imprudente, depois o momentum pende para algo mais suave e aberto. Quando você chega em “Now This House Ain’t a Home”, a máscara já caiu completamente. Só essa música justificaria a inclusão do projeto; é desconfortável em pontos, dolorosamente honesta em outros, e expõe um lado do grupo que raramente deixam transparecer. Depois vem “Castle”, e tudo acalma — não de forma dramática ou climática, mais como gente recuperando o fôlego depois de uma longa noite.

O álbum no geral parece um ponto de inflexão. Não uma reinvenção, mas uma recalibração. Part.3 captura o ATEEZ em movimento, descartando parte da armadura e deixando as rachaduras aparecerem. Essa abertura é o que faz o trabalho ficar com você.

SAY MY NAME – My Name Is…

My Name Is… do SAY MY NAME entra na lista porque é o momento em que o grupo deixa de soar como um ato promissor de estreia e começa a soar como eles mesmos. O primeiro EP tinha potencial mas soava genérico; este follow-up parece muito mais deliberado, mais confiante e enraizado numa identidade sonora mais clara.

“ShaLala” carrega aquela energia leve e sem pressão em que eles são naturalmente bons, mas são os b-sides que fazem o projeto se destacar. “For My Dream” puxa para aquele clima pop-rock, abertura de anime, que muitos grupos tentam mas raramente capturam com esse nível de brilho. Mesmo com a queda de beat meio estranha, o ímpeto da faixa se sustenta, e adiciona um sabor que amplia a paleta sem quebrar a coesão.

“1,2,3,4” é outro destaque — uma abordagem mais inteligente sobre a onda DnB do que a maior parte do que dominou 2023–24. Tem movimento sem a fórmula de copiar e colar, e dá para imaginar facilmente funcionando como faixa promovida. “XOXO” mantém um fio com o debut deles, mas com um polimento que a faz parecer mais intencional do que derivativa.

Nem toda faixa atinge o mesmo nível, mas o EP como um todo é apertado e bem moldado. É um claro passo à frente do debut, uma vitrine melhor da personalidade deles e prova de que SAY MY NAME têm mais alcance — e mais mordida — do que mostraram inicialmente.

CIX – GO Chapter 1 : GO Together

GO Chapter 1 : GO Together aparece como um dos mini-álbuns mais fortes do CIX porque captura um grupo se movendo com a convicção que o universo deles sempre sugeriu. Depois de anos explorando queda, recuperação e autoavaliação através das eras HELLO e OK, este EP parece o momento em que entram na luz com propósito. O projeto ganha peso por uma noção mais clara de autoria, um domínio mais afiado do que a mitologia deles significa, e a vontade de carregar esse peso por conta própria.

A música reflete essa mudança imediatamente. “S.O.S” abre com urgência, um sinal de fumaça em vez de uma intro de comeback. “Wonder You” segue com a elegância melódica que só o CIX consegue puxar, entrelaçando seu mundo conceitual em algo quente e viciante. “UPSTANDER” escreve um novo capítulo na lore deles com uma reviravolta desafiadora, enquanto “In My Dreams” suaviza a aterrissagem com o brilho de uma faixa final de concerto.

O que eleva o EP é a intenção por trás de cada escolha: os visuais simbólicos, a coreografia em que se recusaram a ceder, o treinamento físico incorporado ao próprio conceito. Ouvindo, você sente a disciplina e a propriedade. Depois de um 2024 ligeiramente turbulento para o CIX, GO Chapter 1 não só continua triunfantemente a história deles, como mostra o grupo construindo a versão de si mesmos para a qual vêm caminhando há anos.

Hwina – In Between

In Between da Hwina se destaca porque parece uma artista entrando totalmente em sua própria linguagem criativa. Muitos rookies tentam se rotular como “self-made”, mas Hwina realmente constrói seu mundo de dentro para fora — visualmente, liricamente e sonoramente. Este EP é a expressão mais clara disso até agora. É moldado pela verdade emocional e pela imagem um pouco surreal que virou sua assinatura.

O tom do projeto se estabelece no momento em que você vê a introdução do MV de “Panic Attack”: Hwina empurrando uma carrinha de mão com um monitor de computador antigo por um gramado perfeitinho. É um pouco inquietante, e exatamente o tipo de simbolismo para o qual ela tem se inclinado. Essa mesma sensibilidade forma a espinha dorsal da música. O pré-lançamento “No, Not This Way” já sugeria o peso do EP — sua performance no Its Live desnudou a canção ao seu núcleo mais cru, carregada quase inteiramente pela voz dela e pela forma como ela fraseia a vulnerabilidade.

O que fica é sua escrita. Há uma firmeza na forma como enquadra a dor, como se estivesse se conversando enquanto canta. “The rain soaking me is nothing but a passing shower” soa como um consolo no meio do pensamento. Com In Between, Hwina torna impossível confundí-la com qualquer outra no cenário de solistas da nova geração.

ILLIT – BOMB

BOMB é o lançamento onde o ILLIT soa como uma unidade com uma personalidade sônica totalmente formada. O EP anda rápido — pouco mais de 13 minutos — mas esses minutos estão apertados com ideias que realmente lhes servem em vez de os sobrecarregar. Synth-pop, Eurodance, chiptune, lo-fi: no papel parece disperso, mas na prática se lê como uma colagem deliberada de tudo o que torna o charme do ILLIT distinto.

“Little Monster” abre com aquela aresta pop brilhante e perspicaz que lhes cai bem, transformando ansiedades do dia a dia em algo brincalhão em vez de pesado. O salto para “Do the Dance” é onde o EP realmente toma forma. Samplear um instrumental de anime de 1989 é uma escolha inesperada, mas funciona — a faixa acerta aquela nervosidade de primeiro encontro sem achatar as personalidades dos membros. É esperto e estranho nas melhores maneiras.

“Jellyous” se inclina para o caos chiptune, “Oops!” traz uma leveza funky, e “Bamsopoong” fecha o projeto com um brilho lo-fi mais suave. Nada soa vazio, ou como se estivessem tentando imitar alguém.

Ao longo de BOMB, o ILLIT abraça a juventude com confiança e soa curioso, energético e disposto a brincar. Esse senso de brincadeira transforma o EP num dos lançamentos de girl-group mais refrescantes do ano.

Jin – Echo

Echo do Jin é um daqueles projetos que parecem maiores do que seu tempo de execução. São apenas vinte minutos, mas captura uma versão dele mais direta, mais exposta e musicalmente mais ancorada do que qualquer coisa que lançou antes. Onde Happy flertou com texturas rock, Echo se compromete — não por nostalgia, mas porque o gênero lhe dá o espaço emocional que vem circulando há anos.

O disco puxa do pop rock, Brit rock, synth-pop, até toques de country, e nada disso soa como turismo de gênero. Lê-se mais como alguém trabalhando memórias e emoções cotidianas na linguagem sônica que bate naquele momento. “Don’t Say You Love Me” define esse tom desde o início: ágil, melódica e mais honesta do que o título sugere. Faixas como “With the Clouds” e “To Me, Today” se movem de forma diferente — mais suaves, mais quentes, moldadas como cartas que ele nunca enviou.

O resto de Echo se mantém porque Jin não está forçando uma persona nem tentando soar “sério como artista solo”. As músicas funcionam porque são moldadas em torno de coisas que ele pode entregar com convicção: clareza emocional que corta mais fundo do que qualquer melodrama.

O que ancorra o EP no fim das contas é sua coerência. Sete faixas, todas apontando na mesma direção, todas construídas em torno da ideia de capturar momentos sem exagerá-los. É um passo focado e confiante de um artista que soa saber exatamente onde quer que sua voz fique.

ONEUS – 5x

5x aparece como um dos minis mais convincentes do ONEUS em anos — não porque reinventa nada, mas porque lembra o quão sólidos eles se tornaram. Num ponto da carreira em que a maioria dos grupos ou queima ou corre atrás de nova identidade, o ONEUS soa fundamentado. Onze minis coreanos, um álbum especial no início do ano, projetos solo espalhados entre eles, e ainda assim 5x chega com a facilidade de um grupo que sabe exatamente como construir um disco enxuto e bem formado.

A mudança para quatro membros poderia tê-los desajustado, mas acaba apertando a dinâmica. Os vocais do Seoho — gravados antes do alistamento — cortam “Love Me or Loser” com a clareza que mostra o quanto seu timbre ancora o som do grupo. O resto do EP carrega essa sensação de continuidade: contribuições de composição dos membros, performances que não forçam novidade, e faixas que se encaixam sem a oscilação de meio de carreira em que grupos de longa data às vezes caem.

O que mais se destaca é a coesão. 5x soa curado em vez de montado entre agendas. É confiante de um jeito que lembra os períodos Pygmalion e La Dolce Vita — eras em que o ONEUS parecia totalmente encaixado. Para um grupo entrando agora na fase de longevidade da carreira, este EP é um lembrete: eles ainda estão aqui, ainda consistentes, e ainda lançando mini-álbuns que resistem a repetidas audições.

P1Harmony – EX

EX chega com uma energia completamente diferente para o P1Harmony — quase como um suspiro profundo depois que DUH! agitou o ano deles. Onde aquele EP foi caos em volume máximo, este mini soa como o silêncio que vem após um colapso: um humor mais suave e introvertido que os deixa ficar parados por um segundo. É uma guinada inesperada, mas funciona porque mostra um lado do grupo que normalmente fica soterrado sob conceitos mais barulhentos.

Sendo o primeiro mini-álbum em inglês deles, também é o mais natural que já soaram nessa via. O DNA pop dos anos 2000 é deliberado em vez de kitsch. “Stupid Brain” é o pilar óbvio — habilmente emocional, e afiado por aquela ótima passagem final onde o timbre do Jiung carrega tudo. “Dancing Queen” leva a nostalgia adiante, e o runtime longo dá espaço para a música respirar; é charmosa sem parecer frágil. “Night of My Life” puxa a doçura boyband dos anos 2010, curta mas genuinamente divertida.

O EP todo lê como um reset, e depois de um ano construído no ruído, EX é o lembrete de que o P1Harmony pode entregar algo calmo, pegajoso e confiante sem perder a mordida.

RESCENE – lip bomb

lip bomb do RESCENE fecha um dos anos de lançamentos mais ocupados no K-pop — e o chocante é que nada nisso soa apressado. Três projetos em doze meses deveriam tê-los empurrado para a fadiga, ou pelo menos exposto algumas rachaduras, mas em vez disso este mini-álbum parece a recompensa para um grupo operando em velocidade total sem largar os padrões. É raro ver volume e qualidade alinharem-se assim, e ainda mais raro num rookie que ainda está moldando sua identidade.

As duplas de title tracks definem o tom. “Heart Drop” acerta com aquele hook brilhante e imediato que esperamos do RESCENE, mas “Bloom” amplia a paleta — uma pressa mais quente e nostálgica que parece verão reatribuído pela memória. “Hello XO” poderia ter liderado o álbum por si só, e “Love Echo” tem aquele brilho de fim de noite que permanece. Mesmo “MVP”, uma faixa mais divisiva, adiciona dimensão ao inclinar-se para um estilo clássico de balada que provavelmente ressoará mais com o público asiático do que com ouvintes ocidentais.

Este é o terceiro lançamento deles em 2025, e o que impressiona é o quão estável tem sido a saída. A escrita está focada, os vocais calibrados, e o polimento geral combina com a ambição que mostraram o ano todo. lip bomb não parece o sprint final de uma agenda sobrecarregada — parece um grupo atingindo um ritmo criativo e se recusando a dar mole.

Wendy – Cerulean Verge

Cerulean Verge surge como o trabalho mais autodirigido e seguro da Wendy até agora. Seu primeiro lançamento após deixar a SM, o EP parece menos uma reinvenção e mais uma recalibragem — uma mudança para sons que ela vem insinuando há anos e finalmente assume com convicção. A paleta pop-rock e pop-punk dá espaço para realmente usar a voz em vez de apenas decorar a faixa, e o resultado é um álbum que soa mais quente, mais audacioso e muito mais vivo do que qualquer coisa que lançou antes.

“Sunkiss” traz essa pressa imediatamente. É brilhante sem ser frágil, nostálgica sem pender para o retrô, e a ascensão vocal dela no refrão atinge como um raio de sol rompendo as nuvens. “Fireproof” e “Existential Crisis” afiam a aresta rock — refrões fluidos, belting nítido, e uma entrega que soa catártica em vez de teatral. Mesmo os momentos mais suaves, como “Chapter You”, mantêm a mesma clareza, preservando a coesão que os fãs destacam. Ela raramente soa tão sem filtro.

“Hate²” é o ponto de virada: escrita por ela, punchy e ancorada naquela precisão inconfundível que ela tem. E “Believe” amarra tudo de volta ao núcleo do projeto — uma artista entrando num novo começo com a mão no volante.

O que faz Cerulean Verge se destacar é a intenção por trás dele. Não é só uma mudança de gênero; é Wendy escolhendo uma via que finalmente encaixa.

YENA – Blooming Wings

Blooming Wings parece a culminação de tudo que YENA vem construindo como solista — os instintos pop brilhantes, a veia punk-pop, a franqueza emocional e a narrativa que sempre sugere algo mais profundo que a superfície. O que diferencia este mini é o quão bem amarradas todas essas linhas ficam, e o quanto o projeto está ligado pessoalmente à própria história dela.

A colaboração com Arina Tanemura — autora de Full Moon o Sagashite, uma série sobre uma garota lutando contra a doença enquanto persegue seu sonho — não é apenas um gancho visual inteligente. É um momento de círculo completo para YENA, que sobreviveu a um linfoma na infância e cresceu lendo a obra de Tanemura. A ilustração da capa não é simbólica só por estética; é um aceno a alguém que moldou sua imaginação num tempo em que o futuro dela não era garantido. Essa linhagem emocional transborda na música.

“Being a Good Girl Hurts” puxa para o drama melódico que ela faz tão bem, enquanto “Drama Queen” e “364” afi am sua mordida pop-punk. “Anyone But You”, com Miryo, é o destaque — cortante, espirituosa e um lembrete de como YENA pode se segurar confiantemente ao lado de uma lenda. Mesmo “Hello, Goodbye” arredonda o projeto com uma calorosidade que soa vivida em vez de sentimental.

Em cinco faixas, Blooming Wings pesca nostalgia, resiliência e aquele estalo narrativo que faz YENA ser impossível de confundir com qualquer outra.

Yves – Soft Error

Soft Error é Yves se aprofundando no espaço alternative club mais do que quase qualquer um esperava — e fazendo isso com um nível de comprometimento que torna o EP um dos lançamentos mais distintivos do ano. Onde projetos anteriores dela flertavam com texturas experimentais, este se joga de cabeça: glitch, garage, brilho hyperpop, ambiência distorcida. É cortante, estranho, legal e surpreendentemente coeso para um disco que trata fronteiras de gênero como sugestões, não regras.

Faixas como “White cat” e “Soap” imediatamente definem o tom. A produção é densa e deliberada, os vocais são distorcidos o suficiente para sentar dentro do som em vez de flutuar acima dele. A participação da PinkPantheress parece quase perfeita, inserindo Yves numa conversa alt-pop global longe do quadro idolo típico. “Aibo” amplia esse escopo novamente — o momento em espanhol é pequeno, mas significativo, tocando no carinho que ouvintes LatAm têm por ela.

O trecho do meio — “Do you feel it like i touch” e “Study” — é onde o EP vira algo mais estranho e atmosférico, quase conduzido pelo produtor no melhor sentido. Há uma confiança em quanto espaço ela deixa os instrumentais liderarem.

Soft Error não é experimental por valor de choque; é Yves escolhendo construir um mundo onde não precisa soar como ninguém. É facilmente o trabalho mais ousado e interessante dela até hoje.