JUSTB – SNOW ANGEL

SNOW ANGEL de JUSTB entra en la lista porque es la primera vez que el sonido del grupo parece haber encontrado un carril que realmente les pertenece. El año insinuó este cambio – texturas más glitch, paletas de sintetizadores más frías, ese borde inquieto que se colaba en sus lados B – pero este EP es donde las piezas finalmente encajan. Es breve, casi sorprendentemente, y aun así no hay ni un segundo desperdiciado. Todo se siente más nítido que lo que habían entregado antes.

Lo que más destaca es la autodirección. El modelo financiado por fans podría haberlos empujado a jugar a lo seguro, pero en cambio da la sensación de que usaron la libertad para profundizar en el sonido que llevaban tiempo rondando. “True Heart” es el punto de inflexión; aporta una claridad y confianza que replantea toda la trayectoria del grupo. De repente, los toques experimentales con los que juguetearon en lanzamientos pasados cobran sentido.

El resto del proyecto se mueve con la misma convicción. La columna electrónica que atraviesa el EP no se siente de moda ni imitativa: les queda bien y les da textura en un campo de boy-groups que a menudo tiende a ser predecible. No hay sobrealcanzes aquí, ni una bolsa de géneros; solo una identidad pop apretada e helada que se siente merecida. SNOW ANGEL es el momento en que JUSTB dejan de buscar su sonido y empiezan a apropiárselo.

BM – PO:INT

PO:INT de BM se gana su lugar porque es la primera vez que su trabajo en solitario se siente totalmente asentado: como si actuara por instinto en lugar de intentar marcar todas las casillas esperadas de un idol masculino en solitario. El proyecto se mueve con una claridad que no había mostrado antes. La paleta sonora es estrecha de forma positiva, segura sin ser repetitiva, y construida alrededor de lo que su voz y presencia realmente dominan.

“Freak” es el ejemplo más claro de ese cambio. La fusión afrohouse–amapiano no es un artificio; le da espacio para apoyarse en el swagger sin caer en la caricatura. Es sensual y rítmica, y marca el tono de todo lo que sigue.

El resto del EP refuerza ese enfoque. Los cortes de R&B aterrizan con limpieza, y los momentos de house más pulido mantienen el ambiente en ese bolsillo nocturno. “Stay Mad” remata la faena. Es audaz, divertida y un poco desquiciada en la forma en que deben ser los buenos híbridos rap–pop, y muestra una versión de BM carismática porque está relajado, no porque intente proyectar intensidad.

PO:INT destaca simplemente porque suena como el proyecto que ha intentado hacer durante años: elegante y genuinamente cómodo en su propia piel.

BOYNEXTDOOR – The Action

BOYNEXTDOOR entran en la lista porque The Action es el momento en que concentran sus instintos en una forma única y enfocada. A principios de año jugueteaban con ideas con una confianza casual: divertidos e impredecibles de una manera que les venía bien. Este EP toma esa soltura y le da una dirección más firme. El encuadre de equipo de filmación en el concepto del EP les da una estructura dentro de la cual jugar, y acaba destacando el estilo que han ido construyendo desde el debut.

El proyecto encaja por lo cómodo que se mueve. “Live in Paris” establece inmediatamente un estado de ánimo que se siente intencionadamente inquieto, el sonido de un grupo que equilibra juventud, ambición y una agenda que no siempre coincide con cómo se sienten. “Hollywood Action” sigue con el tipo de pulido que se obtiene de un equipo de producción que conoce sus voces al dedillo. La confianza está incrustada en cómo manejan la melodía y el ritmo.

El resto del EP empuja su escritura hacia delante. “Jam!” tiene mordiente, “Bathroom” muestra una sorprendente cantidad de control emocional, y el cierre ata todo sin forzar un gran mensaje.

The Action es BOYNEXTDOOR asentándose en su identidad con mucha más precisión que antes. Es compacto, dirigido por la personalidad, y prueba de que han dejado de experimentar por experimentar y han empezado a moldear algo que parece duradero.

ATEEZ – GOLDEN HOUR : Part.3

GOLDEN HOUR : Part.3 de ATEEZ se gana su lugar porque muestra a un grupo quitándose el peso de la expectativa. La promoción fue inusualmente escasa, casi abrupta, pero esa falta de ceremonia acaba enmarcando el disco de una manera que juega a su favor. Te quedas con la música en sí: sin gran mitología que descifrar, sin pistas que distraigan de lo que realmente están diciendo.

A lo largo del mini-álbum se aprecia un cambio en cómo ATEEZ gestionan la emoción. “Lemon Drop” se apoya en el deseo con un brillo algo temerario, luego el impulso se inclina hacia algo más tierno y abierto. Cuando llegas a “Now This House Ain’t a Home”, la máscara se ha deslizado por completo. Esa canción por sí sola justificaría la inclusión del proyecto; es incómoda en algunos momentos, dolorosamente honesta en otros, y expone un lado del grupo que rara vez dejan asomar. Después llega “Castle” y todo se aquieta – no de forma dramática o climática, sino como gente que recupera el aliento tras una larga noche.

El álbum en su conjunto se siente como un punto de inflexión. No una reinvención, sino una recalibración. Part.3 captura a ATEEZ en movimiento, desprendiéndose de parte de su armadura y permitiendo que se vean las grietas. Esa apertura es lo que hace que se quede contigo.

SAY MY NAME – My Name Is…

My Name Is… de SAY MY NAME entra en la lista porque es el momento en que el grupo deja de sonar como un acto debut prometedor y empieza a sonar como ellos mismos. Su primer EP tenía potencial pero tiraba a genérico; este seguimiento se siente mucho más deliberado, más seguro y enraizado en una identidad sonora más clara.

“ShaLala” carga esa energía ligera y sin presión en la que son naturalmente buenos, pero son los lados B los que hacen destacar el proyecto. “For My Dream” toca ese mood pop-rock de apertura de anime que tantos grupos intentan pero rara vez capturan con este nivel de brillo. Incluso con ese drop de ritmo algo extraño, el impulso de la pista se mantiene, y añade un sabor que amplía su paleta sin romper la coherencia.

“1,2,3,4” es otro punto alto – una visión más inteligente de la ola DnB que la mayoría de lo que dominó 2023–24. Tiene movimiento sin la fórmula copia-pega habitual, y fácilmente te lo imaginas funcionando como tema promovido. “XOXO” mantiene un hilo con su debut, pero con un pulido que lo hace sentir más intencional que derivativo.

No todos los cortes alcanzan el mismo nivel, pero el EP en su conjunto es ajustado y bien formado. Es un claro paso adelante respecto a su debut, una mejor muestra de su personalidad y la prueba de que SAY MY NAME tienen más rango – y más mordiente – de lo que mostraron al principio.

CIX – GO Chapter 1 : GO Together

GO Chapter 1 : GO Together aparece como uno de los mini-álbums más fuertes de CIX porque captura a un grupo que se mueve con la convicción que su universo siempre insinuó. Tras años explorando descenso, recuperación y ajuste de cuentas personales durante las eras HELLO y OK, este EP se siente como el momento en que entran en la luz con propósito. El proyecto gana peso gracias a un sentido más claro de autoría, una comprensión más afilada de lo que significa su mitología y la voluntad de llevar ese peso ellos mismos.

La música refleja ese cambio de inmediato. “S.O.S” abre con urgencia, una bengala más que una intro de comeback. “Wonder You” sigue con la clase melódica que solo CIX puede lograr, hilando su mundo conceptual en algo cálido y adictivo. “UPSTANDER” escribe un nuevo capítulo en su lore con un giro desafiante, mientras que “In My Dreams” suaviza el aterrizaje con el brillo de una canción de cierre de concierto.

Lo que eleva el EP es la intención detrás de cada elección: los visuales simbólicos, la coreografía en la que se negaron a conformarse, el entrenamiento físico integrado en el propio concepto. Al escucharlo se percibe la disciplina y la apropiación. Tras un 2024 algo turbulento para CIX, GO Chapter 1 no solo continúa su historia con triunfo, sino que muestra a CIX construyendo la versión de sí mismos hacia la que han crecido durante años.

Hwina – In Between

In Between de Hwina destaca porque se siente como una artista que entra de lleno en su propio lenguaje creativo. Muchos rookies intentan etiquetarse como “self-made”, pero Hwina realmente construye su mundo desde dentro hacia afuera – visualmente, líricamente y sonoramente. Este EP es la expresión más clara de eso hasta ahora. Está moldeado en torno a la verdad emocional y a imágenes ligeramente surrealistas que se han vuelto su firma.

El tono del proyecto se establece en cuanto ves la intro del MV de “Panic Attack”: Hwina empujando una carretilla con un monitor de ordenador antiguo sobre un césped demasiado perfecto. Es un poco inquietante, y exactamente el tipo de simbolismo hacia el que se ha inclinado. Esa misma sensibilidad forma la columna vertebral de la música. El pre-lanzamiento “No, Not This Way” ya insinuó el peso del EP – su actuación en Its Live desnudó la canción hasta su núcleo más crudo, llevada casi enteramente por su voz y la forma en que frasea la vulnerabilidad.

Lo que perdura es su escritura. Hay una firmeza en cómo enmarca el dolor, como si se estuviera hablando a sí misma mientras canta. “The rain soaking me is nothing but a passing shower” suena a consuelo en medio del pensamiento. Con In Between, Hwina hace imposible confundirla con cualquier otra en el panorama de solistas de la nueva generación.

ILLIT – BOMB

BOMB es el lanzamiento en el que ILLIT suenan como una unidad con una personalidad sonora completamente formada. El EP se mueve rápido – poco más de 13 minutos – pero esos minutos están compactos con ideas que realmente les sientan en lugar de abrumarlos. Synth-pop, Eurodance, chiptune, lo-fi: en el papel parece disperso, pero en la práctica se lee como un collage deliberado de todo lo que hace distintivo el encanto de ILLIT.

“Little Monster” abre con ese filo pop luminoso e ingenioso que les sienta bien, convirtiendo ansiedades cotidianas en algo juguetón en lugar de pesado. El salto a “Do the Dance” es donde el EP realmente toma forma. Samplear un instrumental de un anime de 1989 es una elección inesperada, pero funciona: la pista clava ese nerviosismo tembloroso de una primera cita sin aplanar las personalidades de los miembros. Es ingenioso y raro en los sentidos correctos.

“Jellyous” se adentra en el caos chiptune, “Oops!” trae una ligereza funky, y “Bamsopoong” baja el proyecto con un resplandor lo-fi más suave. Nada de esto se siente hueco, ni como si intentaran imitar a nadie.

A lo largo de BOMB, ILLIT abrazan con confianza la juventud y suenan curiosas, enérgicas y dispuestas a jugar. Ese sentido de juego convierte al EP en uno de los lanzamientos de girl-group más refrescantes del año.

Jin – Echo

Echo de Jin es uno de esos proyectos que se sienten más grandes de lo que permite su duración. Dura solo veinte minutos, pero captura una versión de él más directa, más expuesta y más anclada musicalmente que cualquier cosa que haya sacado antes. Donde Happy coqueteaba con texturas rock, Echo se compromete – no por nostalgia, sino porque el género le da el espacio emocional que ha rondado durante años.

El disco tira de pop rock, Brit rock, synth-pop e incluso toques de country, y nada se siente como turismo de género. Se lee más como alguien trabajando a través de recuerdos y emociones cotidianas en el lenguaje sonoro que encaja con cada momento. “Don’t Say You Love Me” marca ese tono desde el principio: incisiva, melódica y más honesta de lo que su título sugiere. Canciones como “With the Clouds” y “To Me, Today” se mueven de forma distinta – más suaves, más cálidas, como cartas que nunca envió.

El resto de Echo se sostiene porque Jin no está forzando una persona ni intentando sonar “serio como artista en solitario”. Las canciones funcionan porque están moldeadas alrededor de cosas que puede entregar con convicción: una claridad emocional que corta más que cualquier melodrama.

Lo que finalmente ancla el EP es su coherencia. Siete pistas, todas apuntando en la misma dirección, todas construidas en torno a la idea de capturar momentos sin exagerarlos. Es un paso enfocado y confiado de un artista que suena como si supiera exactamente dónde quiere que se sitúe su voz.

ONEUS – 5x

5x entra como uno de los minis más convincentes de ONEUS en años – no porque reinvente nada, sino porque te recuerda lo constantes que se han vuelto. En un punto de su carrera en el que la mayoría de los grupos o se queman o buscan a la desesperada una nueva identidad, ONEUS suenan asentados. Once minis en coreano, un álbum especial a principios de año, proyectos en solitario entre medias, y aun así 5x llega con la facilidad de un grupo que sabe exactamente cómo construir un disco ceñido y bien formado.

El cambio a cuatro miembros podría haberlos descolocado, pero acaba por apretar su dinámica. Las voces de Seoho – grabadas antes del alistamiento – cortan en “Love Me or Loser” con la claridad que muestra lo profundamente que su tono ancla su sonido. El resto del EP mantiene esa sensación de continuidad: contribuciones en la escritura por parte de los miembros, actuaciones que no buscan la novedad a cualquier precio, y canciones que encajan sin el vaivén de la mitad de carrera en el que a veces caen los grupos de larga trayectoria.

Lo que más destaca es la cohesión. 5x se siente curado más que armado entre huecos de agenda. Es confiado en una forma que recuerda a los periodos Pygmalion y La Dolce Vita – épocas donde ONEUS sonaban totalmente compenetrados. Para un grupo que ahora entra en la fase de longevidad de su carrera, este EP es un recordatorio: siguen aquí, siguen consistentes y siguen sacando mini-álbums que aguantan en escuchas repetidas.

P1Harmony – EX

EX llega con una energía completamente diferente para P1Harmony – casi como la exhalación profunda después de que DUH! sacudiera su año. Donde ese EP era caos a todo volumen, este mini se siente como la calma que sigue a un colapso: un ánimo más suave e introvertido que les deja quedarse quietos un segundo. Es un giro inesperado, pero funciona porque muestra un lado del grupo que suele quedar enterrado bajo sus conceptos más ruidosos.

Como su primer mini-álbum en inglés, también es lo más natural que hayan sonado en esa vía. El ADN pop de los 2000 es deliberado más que kitsch. “Stupid Brain” es el ancla obvia – hábilmente emocional y afinada por ese gran tramo final donde el tono de Jiung lo lleva todo. “Dancing Queen” profundiza la nostalgia, y la larga duración le da espacio a la canción para respirar; es encantadora sin sentirse endeble. “Night of My Life” toca esa dulzura boybandera de los 2010, corta pero genuinamente divertida.

El EP entero se lee como un reinicio, y tras un año construido sobre el ruido, EX recuerda que P1Harmony puede entregar algo calmado, pegadizo y confiado sin perder su filo.

RESCENE – lip bomb

lip bomb de RESCENE cierra uno de los años con más lanzamientos en el K-pop – y lo sorprendente es que nada suena apresurado. Tres proyectos en doce meses deberían haberlos llevado a la fatiga, o al menos haber expuesto algunas grietas, pero en cambio este mini-álbum se siente como la recompensa de un grupo que opera a toda velocidad sin bajar sus estándares. Es raro ver volumen y calidad alinearse así, y aún más raro en un grupo rookie que todavía está moldeando su identidad.

Las dos canciones título marcan el tono. “Heart Drop” pega con ese gancho brillante e inmediato que esperamos de RESCENE, pero “Bloom” amplía su paleta – una oleada más cálida y nostálgica que suena como un verano reproducido a través de la memoria. “Hello XO” podría haber llevado el álbum por sí sola, y “Love Echo” tiene ese brillo nocturno que se queda. Incluso “MVP”, un corte más divisivo, añade dimensión al inclinarse hacia un estilo de balada clásica que probablemente resuene más con su público asiático que con el occidental.

Este es su tercer lanzamiento de 2025, y lo llamativo es lo constante de su producción. La escritura se siente enfocada, las voces afinadas y el pulido general coincide con la ambición que han mostrado todo el año. lip bomb no se siente como la última carrera de un calendario sobrecargado: se siente como un grupo que ha encontrado una racha creativa y se niega a dejarse llevar.

Wendy – Cerulean Verge

Cerulean Verge se presenta como el trabajo más autodirigido y seguro de Wendy hasta la fecha. Su primer lanzamiento después de dejar SM no se siente tanto como una reinvención sino como una recalibración: un giro hacia sonidos que había insinuado durante años y a los que finalmente se entrega con convicción. La paleta pop-rock y pop-punk le da espacio para usar su voz en lugar de decorar una pista, y el resultado es un álbum que suena más cálido, más audaz y mucho más vivo que lo que había lanzado antes.

“Sunkiss” trae ese rush de inmediato. Es luminosa sin ser frívola, nostálgica sin inclinarse al retro, y su ascenso vocal en el estribillo golpea como luz del sol rompiendo entre nubes. “Fireproof” y “Existential Crisis” afilan el filo rock – estribillos fluidos, beltings nítidos y una interpretación que se siente catártica en lugar de teatral. Incluso los momentos más suaves, como “Chapter You”, mantienen la misma claridad, conservando la cohesión que los fans subrayan. Rara vez suena tan sin filtros.

“Hate²” es el punto de inflexión: escrita por ella, contundente y anclada por esa precisión inconfundible que la caracteriza. Y “Believe” vuelve a unir todo con el núcleo del proyecto – una artista entrando en un nuevo comienzo con la mano en el volante.

Lo que hace que Cerulean Verge destaque es la intención detrás de él. No es solo un cambio de género; es Wendy eligiendo un carril que por fin le queda.

YENA – Blooming Wings

Blooming Wings se siente como la culminación de todo lo que YENA ha ido construyendo como solista: instintos pop brillantes, la veta pop-punk, la franqueza emocional y la narrativa que siempre sugiere algo más profundo bajo la superficie. Lo que hace que este mini destaque es lo apretadas que vienen todas esas hebras y lo personalmente ligado que está el proyecto a su propia historia.

La colaboración con Arina Tanemura – la creadora de Full Moon o Sagashite, una serie sobre una chica que lucha contra una enfermedad mientras persigue su sueño – no es solo un gancho visual ingenioso. Es un momento catártico para YENA, que sobrevivió a un linfoma infantil y creció leyendo la obra de Tanemura. La ilustración de la portada no es simbólica por estética; es un guiño a alguien que moldeó su imaginación en un tiempo en que su futuro no estaba garantizado. Esa línea emocional se filtra en la música.

“Being a Good Girl Hurts” se apoya en el drama melódico que hace tan bien, mientras “Drama Queen” y “364” afilan su mordisco pop-punk. “Anyone But You”, con Miryo, es el destacado – afilado, ingenioso y un recordatorio de lo segura que puede sostenerse YENA junto a una leyenda. Incluso “Hello, Goodbye” redondea el proyecto con una calidez que se siente vivida más que sentimental.

En cinco pistas, Blooming Wings toca la nostalgia, la resiliencia y la chispa narrativa que hace imposible confundir a YENA con cualquier otra.

Yves – Soft Error

Soft Error es Yves adentrándose aún más en el espacio alternative-club de lo que casi nadie esperaba – y haciéndolo con un nivel de compromiso que convierte al EP en uno de los lanzamientos más distintivos del año. Donde sus proyectos pasados insinuaban texturas experimentales, este se zambulle por completo: glitch, garage, brillo hyperpop, ambientación distorsionada. Es afilado, raro, cool y sorprendentemente cohesivo para un disco que trata las fronteras de género como sugerencias en lugar de reglas.

Pistas como “White cat” y “Soap” marcan el tono de inmediato. La producción es densa y deliberada, las voces lo suficiente deformadas como para situarse dentro del sonido en vez de flotar por encima. La colaboración con PinkPantheress se siente casi demasiado perfecta, integrando a Yves en una conversación alt-pop global lejos del marco típico de un idol. “Aibo” amplía ese alcance de nuevo – el momento en español es pequeño pero significativo, tocando el cariño que los oyentes de LatAm sienten por ella.

El tramo medio – “Do you feel it like i touch” y “Study” – es donde el EP se vuelve más extraño y atmosférico, casi orientado al productor en el mejor sentido. Hay confianza en cuánto espacio le deja a los instrumentales para liderar.

Soft Error no es experimental por el impacto; es Yves eligiendo construir un mundo donde no tiene que sonar como nadie más. Es, con facilidad, su trabajo más audaz e interesante hasta la fecha.