Por Hasan Beyaz
Fotos: Ryan Coleman
El regreso de SF9 al escenario después de seis años tuvo un peso que iba mucho más allá de la nostalgia. En los años transcurridos, el grupo ha afrontado alistamientos, salidas y reestructuraciones que fácilmente podrían haber perturbado su química – sin embargo, lo que se vivió en Indigo at The O2 no fue un grupo aferrado al pasado, sino uno reafirmando su capacidad de permanencia.
Un visualizador cinematográfico prepara la escena mientras luces rojo sirena parpadean contra un horizonte distópico, y las cinco siluetas ocupan sus lugares. El show abre con el elegante R&B-pop de “LOVE RACE”, un calentamiento estiloso que desemboca directamente en “RPM” y su bajo contundente. Es confiado, controlado: el tipo de precisión en vivo que recuerda que SF9 siempre ha sido un acto orientado a la performance.
Pero es “Now or Never” la que cambia la temperatura. Un horizonte en llamas se extiende por la pantalla, pero la canción en sí ha sido reimaginada: los sintetizadores dan paso a una inquietante introducción de piano, añadiendo una gravedad casi cinematográfica. HWIYOUNG abre con fría contención antes de que JAEYOON e INSEONG se alternen versos, cada uno aportando su carácter a la nueva disposición. Cuando CHANI avanza y barre el escenario para el primer estribillo, la atmósfera cambia; el escenario se siente cargado. Incluso con miembros clave ausentes —TAEYANG apartado por enfermedad, DAWON en el servicio militar, ROWOON hace tiempo que se fue— la redistribución de líneas se siente natural. La adaptabilidad es llamativa; rehacen material familiar con nueva energía en lugar de permitir que se noten los huecos.
El primer ment ofrece un respiro y una ventana a sus personalidades. CHANI mantiene el tono ligero, animando al público a “divertirse”, mientras que la energía de JAEYOON levanta la sala al instante. INSEONG, con su humor característico, bromea con un acento británico fingido —“Bienvenidos a mi ciudad natal”, dice, medio en broma, por sus días de estudio en Londres. El ambiente es cálido, casi íntimo. JAEYOON explica que el concepto de la gira es simple: “disfrutar el concierto juntos y crear energía de amor”. Y esa energía, desde temprano, se siente genuina: claramente están encantados de volver ante un público londinense.
El impulso sube de nuevo con “Tear Drop”, una de sus canciones más icónicas. La elegante coreografía de gotas de agua sigue siendo tan hipnótica como siempre, ejecutada con la precisión que solo un grupo veterano puede lograr. “TRAUMA” sigue —más oscuro, más funk, y uno de los temas principales criminalmente subestimados de su catálogo. Bajo una iluminación roja y sugerente, las voces de HWIYOUNG ocupan las partes que habitualmente canta TAEYANG, añadiendo un filo más áspero, mientras INSEONG cubre la sección de DAWON con control impecable, incluso añadiendo un gruñido y una frase vocal extendida. Es un recordatorio contundente de que pequeños cambios en la distribución vocal pueden alterar dramáticamente la textura de una canción.
El público también lo sabe: el canto conjunto es fuerte, la coreografía pega con más fuerza y por fin se hace justicia a uno de sus mejores pero a menudo ignorados temas principales.
Los lados B favoritos de los fans “Cruel Love” y “WARURU” continúan, antes de que el primer acto culmine con “BIBORA” — un número orquestal y de baile de alta energía que se siente como una pieza declarativa. La estética rojo y negro de sus atuendos durante este segmento refleja la identidad visual de la gira, cerrando el acto de apertura con una nota audaz.
Luego viene el segmento de solos — cuatro actuaciones que destacan la individualidad tanto como el carisma. YOUNGBIN inicia con una versión punk-pop animada de “Nerdy Love” de ph-1, mezclando coreografía pícaro con un aire preppy. INSEONG, con vaqueros deslavados, una cadena estilo biker y una camiseta de Guns N’ Roses, convierte “On The Ground” de ROSÉ en un momento más crudo y potenciado. JAEYOON calma la sala con una versión desnuda y precisa de “Birds of a Feather” de Billie Eilish, su control y fraseo a plena muestra. HWIYOUNG cierra el segmento con “back to friends” de sombr, la piel y el cabello peinado hacia atrás lo transforman en una tangible “baby rockstar”, como bromea luego YOUNGBIN —una presencia que impone por vibra tanto como por técnica.
Cuando el grupo regresa vestido de blanco, el tono cambia de nuevo. Hay risas —INSEONG vacilando a CHANI por “actuar como si tuviera setenta años”, JAEYOON cargando a YOUNGBIN a caballito— y la camaradería se siente real, no ensayada. El siguiente segmento, como dice JAEYOON, toma un “estado de ánimo diferente”. “Just On My Way” de Knights Of The Sun y “Round and Round” de RPM muestran su sincronización limpia y su química escénica contenida; un punto culminante llega en la segunda mitad del estribillo de “Round & Round” donde forman una línea como un reloj, la coreografía perfectamente calibrada. “Enough” sigue con su coreografía dinámica y un breakdown demoledor, mostrando que están dispuestos a darlo todo en el escenario.
La noche se construye hacia el clímax inevitable: “Good Guy.” Probablemente su éxito definitorio, sus brillantes acordes house y su energía pulida golpean tan fuerte como lo hacían en 2020. YOUNGBIN comenta después su voluntad de hacer justicia a esta canción, y lo logran.
Luego viene una sorpresa: “Love No.5”, uno de sus lados B más sólidos pero menos conocidos. “¡Londres, hagan ruido!” grita INSEONG antes de la caída, y el grupo estalla en una coreografía ajustada que se siente casi catártica. El control vocal de JAEYOON e INSEONG destaca —transiciones sin esfuerzo del registro medio suave a potentes notas sostenidas— todo mientras mantienen una estabilidad en vivo que pocos grupos pueden replicar.
“O Sole Mio” cierra el set principal, interpretada en un arreglo ligeramente reimaginado. La base de guitarra flamenca sigue presente, pero atenuada —más cinematográfica que ostentosa. Mientras el coro final se desvanece, los cinco quedan de pie inmóviles bajo una tenue iluminación naranja, las notas de piano se disipan en el silencio mientras un atardecer llena la pantalla detrás de ellos. Caminan lentamente hacia él, el momento empapado de suspense. Aparece un mensaje final: “A medida que amanece el amor, volveremos a iluminar la noche.” Es dramático, pero funciona —una puntuación adecuada para un espectáculo construido en torno a la resistencia y el renacimiento.
El tramo del encore comienza con “Mamma Mia” —un favorito de los fans tan contagioso que merece una segunda ronda improvisada— antes de cerrar con “My Fantasia.” Cuando letras como “Hey, my fantasia, I sing for you” cierran la canción, se siente menos como un final y más como una reunión que llevaba seis años gestándose.
No se puede negar que se notó la ausencia de TAEYANG. No solo es su bailarín más destacado, sino uno de los intérpretes más expresivos del K-pop —un igual estilístico de TAEMIN en la forma en que el movimiento se convierte en emoción. Aun así, la alineación restante manejó el vacío con gracia y equilibrio. Omisiones del setlist como “Puzzle” y “Summer Breeze” fueron notables, pero la mezcla del show de lados B antiguos y éxitos recientes aún consiguió trazar el arco de quiénes fueron SF9 y quiénes se han convertido.
Cuando INSEONG bromea sobre volver a Londres incluso cuando tengan noventa años, no suena a comentario vacío. Hay una sinceridad inconfundible en su tono —esa que te hace creer que es una promesa, no una broma. Casi diez años en su carrera, el mensaje de SF9 está claro: es la evolución, no solo la resistencia, lo que mantiene a un grupo vivo.