Desde dominar los escenarios de alta energía de Waterbomb hasta crear conciertos en solitario íntimos como THE RED, KWON EUNBI ha pasado cinco años definiéndose como una intérprete y compositora versátil más allá de sus comienzos en IZ*ONE.

Pocas artistas captan la sensación del verano como KWON EUNBI.

Desde que se lanzó en solitario tras IZ*ONE, se ha ganado la reputación de ser una de las solistas más dinámicas del K-pop: tanto potente vocalista como compositora y arquitecta de escenario. El escenario de Waterbomb —uno de los mayores festivales de música veraniega de Asia, conocido por sus actuaciones de alta energía y los éxitos veraniegos favoritos de los fans— se ha convertido en su terreno, un lugar donde el público espera fuegos artificiales y ella, de alguna manera, todavía consigue sorprenderlos. El set de este año con “Crazy in Love” quizá haya sido el más afilado hasta ahora: una actuación que no solo la coronó como la Reina de Waterbomb, sino que mostró lo liviano con lo que lleva ese título. A los fans les puede sorprender saber que KWON EUNBI todavía se pone nerviosa, que después se pregunta si dio al público lo que venía a buscar; sin embargo, la forma en que habla de la preparación tiene menos que ver con la presión y más con el descubrimiento. Planificación cuidadosa, pero también una promesa que se hizo a sí misma: disfrutarlo esta vez. Esa mezcla de disciplina y juego es lo que impide que sus presentaciones se sientan como una repetición de la gloria del año pasado.

Su trabajo grabado muestra la misma tensión entre dos polos. Desde su debut en solitario en 2021 con “Door”, KWON EUNBI ha construido una discografía que oscila entre la elegancia y el filo, a menudo con sus propios créditos de escritura y composición en el núcleo. Una canción como “Snowfall”, lanzada en enero, se desliza con delicadeza estacional, mientras que la vivacidad de “Hello Stranger”, de abril, golpea con más fuerza, construida sobre una intención más audaz. Dos singles muy diferentes, pero ambos nacidos del mismo instinto: probar algo nuevo sin esperar a que un proyecto más grande lo enmarque. KWON EUNBI dice que le encanta la inmediatez de los singles, la manera en que pueden fijar un momento y permitirle arriesgarse. Escribir sigue siendo la parte más difícil, especialmente las letras, pero ese reto también es el gancho. Convertir emociones privadas en palabras que cualquiera pueda abrazar es lo que la hace sentirse más apegada a las canciones una vez que salen al mundo.

Waterbomb, dice ella, es como lanzarte a un subidón colectivo, un borrón de energía donde el público te lleva tanto como tú los llevas a ellos. THE RED, su serie de conciertos en solitario de 2025, se extendió por dos noches en Seúl antes de dirigirse a Taipei y Macao. La experiencia trata de inmersión: desacelerar el mundo para que los fans puedan entrar directamente en el suyo. Ella piensa con cuidado las listas de canciones e incluso cómo habla en el escenario para asegurar que cada ciudad se sienta incluida. Lo que queda claro, sin embargo, es que las emociones de fondo no cambian realmente. Ya esté empapada en un escenario de festival o cantando cara a cara, la conexión es lo que la alimenta.

Esa sensación de conexión también ha cambiado la forma en que se ve a sí misma. Los fans a menudo la imaginan como inagotablemente radiante, pero KWON EUNBI se apresura a señalar que emociones más profundas, y a veces más oscuras, reposan bajo la superficie. Esa honestidad ha definido sus años en solitario, junto a las lecciones más duras que ha aprendido desde IZ*ONE, el grupo femenino de 12 miembros que lanzó su carrera y construyó su base de fans inicial —como aprender a confiar en sus propios instintos. Ahora, acercándose a los treinta, suena menos preocupada por demostrarse y más enfocada en la fuerza, la confianza y la felicidad en sus propios términos.

Su éxito de 2022 “Glitch” sigue pareciendo la canción que mejor refleja quién es: un recordatorio de que la imperfección no te disminuye, te completa. Y con cinco años desde “Door” en el horizonte, KWON EUNBI dice que una cosa no ha cambiado en absoluto: la chispa que surge cuando cruza miradas con los fans en medio de una canción, el momento en que recuerda exactamente por qué sigue aquí.

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El escenario “Crazy in Love” de este año en Waterbomb se sintió como el más icónico hasta ahora, y realmente consolidó tu título como Queen of Waterbomb. ¿Cómo abordas la construcción de una actuación a esa escala —no solo para estar a la altura de las expectativas, sino para superarlas año tras año?

El escenario de Waterbomb siempre se siente como uno que todos los fans esperan con ansias. Cada vez que termino una actuación, no puedo evitar pensar: “¿Les ofrecí un buen show? ¿Cometí algún error por los nervios?”

Para el escenario “Crazy in Love” esta vez, quise capturar una variedad de colores tanto musicalmente como en la puesta en escena, así que preparé todo con cuidado —desde la coreografía hasta las grabaciones. Mientras preparaba la actuación, también tenía un objetivo en mente: “Esta vez, hagamos un escenario que realmente disfrute.” Creo que el secreto para ir más allá de las expectativas es tener el espíritu de asumir nuevos desafíos.

Waterbomb es un espacio de actuación tan único, con su propia cultura y energía. ¿Cómo se compara la atmósfera de Waterbomb en distintas ciudades con la de tus conciertos en solitario?

Waterbomb tiene una vibra y una reacción del público distintas en cada ciudad, así que incluso con el mismo set, cada escenario se siente completamente nuevo.

Por otro lado, mis conciertos en solitario son un momento en el que invito a los fans a mi propio mundo, así que hay una sensación de inmersión más profunda.

Si Waterbomb se siente como saltar y jugar juntos en medio de un festival, un concierto se siente más como compartir emociones cara a cara con los fans. Tanto Waterbomb como mis conciertos me dan mucha energía positiva.

Has lanzado este año dos singles digitales muy diferentes —Snowfall y Hello Stranger. ¿Qué revelan estas canciones sobre la amplitud de tu arte y las direcciones que te emociona explorar?

“Snowfall” es una canción que preparé porque realmente amo el invierno, y quería compartir mi voz con mucha gente durante esa temporada. Quise capturar las emociones que encajan con la estación invernal.

Por otro lado, “Hello Stranger” lleva un mensaje más atrevido, y a través de ella quise mostrar un lado diferente de mí.

Ambas canciones fueron procesos para sacar a relucir lados contrastantes dentro de mí. De cara al futuro, espero seguir probando nuevos géneros y formas de expresión para mostrar el amplio espectro de quién soy como artista.

Singles digitales como Snowfall y Hello Stranger son momentos autónomos para mostrar diferentes colores tuyos fuera de un proyecto mayor. ¿Abordas estos lanzamientos independientes de forma diferente en cuanto a cuán experimental te permites ser?

Con un álbum completo, el concepto global y la historia son importantes, mientras que con un single, el encanto está en poder capturar de inmediato las emociones del momento actual.

Por eso puedo ser un poco más audaz al probar nuevos sonidos o visuales cuando trabajo en singles. Me siento más feliz cuando los fans reaccionan diciendo: “¡Oh, entonces este lado tuyo también existe!”

Has ido acumulando créditos de escritura y composición en tus lanzamientos en solitario. ¿Qué parte del proceso creativo te resulta más natural ahora, y qué parte todavía te desafía?

La parte que todavía resulta más desafiante es terminar las letras. Quiero contar mi propia historia y al mismo tiempo asegurarme de que muchas personas puedan identificarse con ella, así que siempre lo pienso detenidamente.

Debido a que es un proceso tan desafiante, me siento aún más apegada a él, y eso lo hace mucho más gratificante una vez que está completo.

Tu concierto en solitario THE RED de 2025 ya se realizó con dos noches en Seúl, y ahora lo llevas al extranjero a Taipei y Macao. ¿Qué se siente más diferente al crear una experiencia completa de concierto en solitario para audiencias internacionales, en comparación con los escenarios de festival?

Aunque los idiomas y las culturas puedan ser diferentes, cada vez que nos conectamos a través de mi música, siempre siento una sensación de sobrecogimiento, felicidad y asombro.

Por eso intento ser especialmente cuidadosa al armar cada actuación. Pienso con detenimiento en la lista de canciones y en los comentarios que comparto para que resuenen con la cultura de cada país, permitiéndome conectar más de cerca con los fans locales.

La parte más especial es que, a pesar de nuestras diferencias, la música tiene el poder de unirnos a todos como uno.

A medida que tu carrera en solitario ha crecido, ¿cuál crees que sigue siendo la idea equivocada más grande que la gente tiene sobre ti como artista?

Como mucha gente suele verme como brillante y llena de energía, creo que tienden a asumir que siempre soy así.

Pero por dentro también tengo emociones profundas y, en ocasiones, lados más oscuros y serios.

¡Eso no significa, sin embargo, que lo vea como un malentendido!

Más que cómo se me percibe, lo que importa es que todos esos distintos lados se unen para formar quién soy realmente.

¿Cuál ha sido la lección más dura que has tenido que aprender al trazar tu propio camino después de IZ*ONE, y cómo ha moldeado al artista que eres hoy?

Después de IZ*ONE, siento que aprendí a hacer todo por mi cuenta. A través de ese proceso, el mayor crecimiento para mí fue aprender a confiar en mi propia voz.

Estás a punto de entrar en una nueva década de tu vida, y cumplir 30 a menudo trae una nueva claridad. ¿Este hito te ha hecho replantearte tus objetivos como artista o la forma en que abordas la música?

Antes de cumplir treinta, honestamente me sentía un poco asustada. Pero hoy en día, en realidad siento que me estoy volviendo más fuerte mentalmente y que estoy ganando más confianza. Últimamente, me encuentro pensando menos en cómo me ven los demás y enfocándome más en mi propia felicidad primero.

¿Hay algún momento en tus veintes al que ahora mires de forma diferente con la perspectiva que tienes hoy?

Cuando debuté, sentí mucha presión por tener que triunfar a toda costa. Mirando atrás ahora, me doy cuenta de que todas las preocupaciones y ansiedades que tenía entonces también fueron parte de mi crecimiento. Por eso hoy en día ya no le temo al fracaso y creo que puedo disfrutar el escenario mucho más que antes.

Al mirar tu discografía, ¿hay alguna letra o canción que escribiste que se sienta más cercana a tu identidad como artista?

Creo que “Glitch” es la canción que mejor representa mi identidad. Su mensaje —que incluso las imperfecciones y pequeños defectos pueden, al final, llevarte a amarte a ti misma— realmente refleja mi propia historia.

El próximo año se cumplen cinco años desde tu debut en solitario con DOOR. Cuando piensas en la artista que eras entonces frente a la que eres ahora, ¿qué ha cambiado más y qué sigue igual?

Cuando lancé “Door”, todo se sentía nuevo y emocionante, pero al mismo tiempo también daba un poco de miedo. Ahora, estar en el escenario se siente mucho más agradable y cómodo, probablemente gracias a todas las experiencias que he tenido.