TXT - Beautiful Strangers

“Beautiful Strangers” no fue solo otra entrada en el catálogo de TXT: es el punto donde siete años de peso narrativo finalmente exhalan. El grupo ha pasado toda su carrera construyendo un universo que trataba la juventud como algo frágil, excitante y a veces hostil. Cerrar ese arco siempre iba a traer presión. Lo que hicieron, en cambio, fue plegar el pasado en una nueva forma y avanzar sin convertirlo en un espectáculo.

Se nota desde el primer instante. El tema toma la carga emocional de Deja Vu y la coloca en la misma órbita que las magulladuras emo-core de 0x1, luego pivota hacia un futuro synth-pop más limpio. Se siente menos como un collage y más como una recalibración —como si TXT actualizara su sistema operativo en tiempo real. El drama está atenuado, pero la intención es más nítida. Hay una confianza silenciosa en la forma en que dejan respirar la melodía, confiando en que los oyentes ya conocen la historia que están cerrando.

Lo que destaca es lo deliberadamente nada extraño que resulta. Para un grupo a menudo tratado como experimental por defecto, la sorpresa aquí es la claridad. Esto es TXT eligiendo dirección sobre desvíos, asentando su universo en lugar de expandirlo. Hermoso, sí —y por fin, ya no extraños para sí mismos.

ATEEZ - Lemon Drop

“Lemon Drop” fue el momento en que ATEEZ recordó a todos por qué prosperan. Construido a partir del mismo ADN de club hip-hop de principios de los 2010 que impulsó “Work” y “Ice On My Teeth”, el tema completó su trilogía con un vértigo cálido como el alcohol que hacía que todo se sintiera un poco desequilibrado.

Pero bajo el calor, el sudor y el giro embriagado, “Lemon Drop” llevaba una corriente subyacente curiosamente acogedora. Esa sensación de brindar con gente en la que confías, diciéndote a ti mismo que la noche será ligera e inofensiva. ATEEZ siempre ha sido bueno sosteniendo contradicciones —teatralidad y sinceridad, dureza y calidez— y este tema capturó esa dualidad mejor que la mayoría. Fue una producción bastante sosegada para sus estándares, pero también inesperadamente acogedora en momentos, como la banda sonora de una noche de verano que empieza salvaje y acaba con todos riendo bajo las farolas.

No fue perfecto: la casi ausencia de Yeosang fue un punto ciego chocante, especialmente dado su ascenso dentro de la identidad sonora del grupo. Aun así, “Lemon Drop” capturó a ATEEZ en su faceta más instintiva, un grupo poderoso que aún atraviesa el ruido.

XLOV - 1&Only

La cuestión con XLOV en 2025 no es si son buenos; es si siquiera encajan dentro de la categoría de boy group. Tras su debut con “I’mma Be”, “1&Only” amplificó esa tensión. En un año en que la mayoría de los grupos empujaron estéticas sin tocar la ideología subyacente, XLOV fueron de los pocos actos que realmente desafiaron la estructura —no solo la silueta. Abdómenes descubiertos, uñas largas, líneas codificadas como femme, coreografías con ángulos de pasarela drag: construyeron un mundo donde los códigos de género se disuelven al contacto.

“1&Only” llegó durante el Mes del Orgullo y se movió de manera distinta a los singles más ruidosos del año. Un groove lento y rodante que nunca termina de resolverse, se deslizó hacia el verano con una facilidad deliberada, casi desafiando al oyente a prestar atención. No persiguió un drop ni un clímax. No siguió el guion emocional habitual de los grupos de chicos. En su lugar, se instaló en un pulso circular que reflejaba la forma en que XLOV se mueve: fluida y deliberadamente difícil de categorizar.

Lo que hizo que la canción importara este año no fue solo el sonido, sino el contexto. XLOV no presentaban el “juego de género” como un accesorio: vivían dentro de él. Y eso los colocó en una posición extraña pero emocionante dentro del panorama de boy groups: adyacentes, disruptores y, posiblemente, adelantados a donde la conversación se dirige.

CRAVITY - “SET NET G0?!”

“SET NET G0?!” fue el momento en que CRAVITY por fin dejó de ponerse a la zaga y empezó a definir su propio carril. El cambio de CRAVITY en su segundo álbum de larga duración Dare to Crave se sintió distinto, y todo su comeback transmitió la energía de un grupo desechando una piel antigua. La ya famosa imagen de ellos rompiendo un huevo gigante no fue solo un truco visual; fue la señal más clara que habían dado de que un reinicio estaba en marcha.

Dentro de ese marco, “SET NET G0?!o” aterriza como un título que convierte una frase de conteo en un comando de lanzamiento, un sonido construido sobre vértigo emocional más que sobre estructura limpia. Canaliza esa sacudida que sientes justo antes de tomar una decisión de la que no puedas arrepentirte. Los versos escupen desafío, el estribillo se arroja en movimiento sin preocuparse por el destino, y toda la producción tiene la electricidad inquieta de un grupo que confía totalmente en sus instintos.

Lo que lo hizo destacar este año fue que CRAVITY no pretendió tener una gran tesis. Simplemente se comprometieron con el impulso —crudo, algo inestable y extrañamente liberador. “SET NET G0?!” no fue una reinvención para el espectáculo. Fue la prueba de que el reinicio funcionó.

CORTIS - What You Want

CORTIS no llegó como novatos en 2025; llegó como un grupo ya consciente de las expectativas que les esperaban. Ser el primer boy group de BIGHIT desde TXT los puso bajo un nivel de escrutinio que la mayoría de los actos pasan años evitando, pero “What You Want” mostró que no estaban interesados en jugar a lo seguro. Marcó el tono de su EP debut inclinándose hacia un trabajo rítmico afilado, coreografías impulsadas por cintas de correr y una colaboración sorpresa con Teezo Touchdown que nadie esperaba. Fue un giro a la izquierda para un grupo con ese tipo de linaje, y en parte por eso funcionó.

Los números contaron una historia —debut de un millón de copias, alcance internacional en listas, estatus de doble platino— pero la canción insinuó algo más estructural. “What You Want” posicionó a CORTIS como un grupo menos preocupado por heredar un legado y más enfocado en dar forma a su propia autoría. Sus huellas estuvieron por todas partes este año: composición, producción, dirección visual, moldeado del concepto. Se sintió como el siguiente paso lógico en la conversación sobre idols que se autoproducen, pero con un nivel de cohesión que la mayoría de los rookies no puede lograr.

En una época en la que los debuts de boy groups corren el riesgo de confundirse entre sí, “What You Want” destacó porque no sonaba heredada. Sonaba interna. Confiada, inquieta y ya ampliando el marco más de lo que nadie esperaba.

ALL(H)OURS Ready 2 Rumble

“Ready 2 Rumble” fue la señal más clara este año de que ALL(H)OURS no están interesados en acomodarse para encajar en el molde de los boy groups. 2025 estuvo lleno de actos puliendo sus bordes; ALL(H)OURS apostaron por la personalidad. Su mini álbum VCF —abreviatura de Vibe Check Failed— se convirtió en una pequeña tesis sobre esa actitud. No vendían la rebeldía tanto como normalizaban un tipo de confianza más humana, apoyándose en la energía del chico al que no le importa y haciéndola funcionar.

“Ready 2 Rumble” trasladó esa ética a la música. No dependía de un gancho o de un miembro en particular; se movía como un relevo, cada persona lanzando la energía hacia adelante en ráfagas cortas. La canción principal siguió con explosiones de rap, desvíos juguetones y una coreografía que prefería el carácter a la precisión.

Lo que la hizo destacar en 2025 fue su convicción. ALL(H)OURS demostraron que la soltura puede ser su propia clase de estructura —y que no pasar el vibe check es exactamente la intención.

ENHYPEN – Bad Desire (With or Without You)

ENHYPEN solo regresó una vez en 2025, lo que hizo que cada detalle de Desire: Unleash tuviera más peso de lo habitual. “Bad Desire (With or Without You)” —el segundo single del EP— acabó haciendo el trabajo pesado. Se convirtió en su mejor entrada histórica en el Billboard Global 200, debutando en el No. 68, y arrasó hasta el No. 1 en iTunes en 38 regiones. Para un grupo cuyo año estuvo definido por la escasez más que por la saturación, este tema se convirtió en el ancla que mantuvo su presencia fuerte.

Musicalmente, “Bad Desire (With or Without You)” despojó todo hasta quedar en una confesión bañada en reverb, un estribillo tan intuitivamente melódico que conecta desde la primera escucha. Las voces por capas flotan como un descenso, reflejando el encuadre cielo-infierno, mientras el bajo en el estribillo final golpea con una fuerza física que hace vibrar los altavoces. Esos pequeños toques de producción —la neblina de vocoder, las pequeñas ornamentaciones vocales— sumaron al clima de tentación inestable del tema.

Lo que lo hizo destacar este año fue la forma en que ENHYPEN demostró que no necesitaban el maximalismo para causar impacto. Uno de sus temas más simples se convirtió en uno de sus argumentos más sólidos a favor de la longevidad.

JUSTB - True Heart

Si 2025 tuvo un sleeper hit en el espacio de los boy groups, fue “True Heart”. JUST B han estado rondando su identidad durante un tiempo, pero este fue el momento en que todo finalmente encajó. JUST B se lanzó hacia texturas glitch-driven de chiptune y hyperpop con una confianza que se sentía casi atrasada. “True Heart” no sonó como nadie más este año, y marcó el punto en que su estatus de “underrated” dejó de ser un comentario y se volvió una frustración colectiva.

La potencia del tema vino de lo deliberadamente que abrazó los extremos. La producción chisporrotea como un sistema que se overclockea: picos de 8-bit, bordes afinados, melodías con matices emo corriendo por debajo. Era ruidoso y caótico pero emocionalmente legible. El estribillo golpea con ese brillo hyperpop que se siente a la vez eufórico y ligeramente roto, el tipo de sonido que normalmente vive en subculturas en línea más que en lanzamientos mainstream del K-pop.

JUST B se inclinó hacia una fusión electro-hyperpop-EDM que por fin igualó la intensidad que siempre insinuaron. Fue inconfundiblemente suya —el tipo de tema que obliga a la gente a dejar de pasar por alto a un grupo que no debería haber sido ignorado.

NCT WISH - poppop

Si 2025 tuvo un limpiador de paladar en el espacio de los boy groups, fue “poppop”. NCT WISH ofreció tres minutos de pura y desenfadada alegría. Con BoA al timón de su producción general como grupo y Kenzie en las letras, el tema llegó con el sello de SM, pero la ejecución sonó más ligera que cualquier cosa en la línea habitual de la compañía: una coqueteo bounce-heavy de jersey-club que trató la simplicidad como fortaleza en vez de limitación.

Lanzada como el single principal de su segundo EP coreano, poppop también marcó el regreso de Riku después de cuatro meses fuera, dando al comeback una sensación de reinicio sin carga emocional. El momento tuvo importancia: NCT WISH todavía están estableciendo su lugar dentro de la arquitectura de NCT, y “poppop” se convirtió en un estudio de caso sobre cómo construir identidad sin apoyarse en la complejidad. La narrativa enamorada del tema, la paleta de sintetizadores brillante y el ritmo aeróbico aterrizaron con la contundencia del pop adolescente bien hecho.

“poppop” confió en su encanto y recordó a los oyentes que la euforia sin complicaciones todavía tiene un lugar en el K-pop —NCT WISH fueron uno de los pocos grupos dispuestos a reclamarlo.

P1harmony - DUH!

“DUH!” fue el reinicio de P1Harmony que no se anunció: simplemente entró con estilo, puso los ojos en blanco y actuó como si la sala ya lo supiera. Fue el primero de sus dos comebacks este año, pero llevó la declaración más grande. “DUH!” no fue solo un himno de presumir; fue una reescritura silenciosa de la narrativa de outsiders que los ha perseguido desde el debut.

La confianza descarada de la canción funcionó porque no sonaba fabricada. Líneas como “Who’s that? It’s me, duh” podrían haber caído planas viniendo de un grupo sin presencia —pero la entrega de P1Harmony las convirtió en un remate que los demás no entendieron. El sutil dardo a la industria (“Everyone sounds the same, but not me”) llegó con la misma energía. No era amargura; era exactitud. Se apoyaron en el minimalismo y la actitud, cincelando su identidad hasta las líneas de bajo y el mordisco.

El tema estaba pulido pero todavía con asperezas, juguetón pero hambriento, confiado sin caer en la parodia. P1Harmony no pidió espacio este año —lo tomaron.

SF9 - “LOVE RACE”

Que SF9 se aproximen a su tramo de décimo aniversario se siente surrealista, sobre todo porque nunca han sonado como un grupo alimentado por la nostalgia del legado. “LOVE RACE”, el single principal de su decimoquinto mini álbum y el segundo capítulo de la serie Your Fantasy, fue un recordatorio de lo consistentes que han sido. Históricamente conocidos por temas que se inclinan hacia el dance-pop sofisticado, esta vez SF9 apostó por una pista con textura de los 90 sobre una espina dorsal de K-pop pulido.

La canción abre con un falso ambiente antes de girar hacia su verdadero motor: un verso con guitarras donde las voces se sitúan en ese espacio difuso entre el canto y el rap. La participación de Youngbin y Hwiyoung en las letras le dio un sentido de intimidad, pero lo que empujó “LOVE RACE” más lejos este año fue el cambio en el arreglo. Sonó más contundente de lo esperado para un grupo conocido por su pulcritud, como si SF9 deliberadamente estuviera ampliando su marco en vez de ablandarlo con la edad.

El estribillo enfoca toda la pista. Su primera mitad se expande como un disparo de velocidad —la melodía se eleva, la producción se abre— antes de volver a encajar en el groove más áspero. Más que nada, esto es un grupo veterano eligiendo el impulso en sus propios términos, demostrando que la longevidad de SF9 no es un accidente sino una disciplina.

Stray kids - CEREMONY

“Ceremony” no fue solo el gran golpe de Stray Kids en 2025: fue el sonido de un grupo entrando en su fase imperial con pruebas en la mano. Como single principal de KARMA, empujó una base EDM-trap hacia territorio baile-funk, sonora y adrenalizada, casi gladiatorial en tono. Pero el inflado pecho no se leyó como fantasía. Sonó como un grupo reportando desde un año donde las victorias eran reales. La canción trató el éxito como un deporte de contacto porque, en su mundo, lo fue: giras por estadios, subidas en las listas y una huella global que se expandía en tiempo real.

El momento amplificó todo. KARMA entregó su debut más alto en el Reino Unido hasta la fecha en el No. 22, con midweeks colocándolos brevemente en un increíble No. 2 —prueba de cuán ferozmente su fandom puede distorsionar el mercado antes de que el streaming nivele el terreno. “Ceremony” irrumpió en el Top Song Debut del Reino Unido en el No. 7, una de ocho pistas que alcanzaron Top 10s globales en su primera semana, todo mientras el grupo superaba los 20 millones de seguidores en Spotify —el primero de su generación en alcanzar esa cifra. El swagger estaba justificado; las estadísticas ya hablaban por sí mismas.

Lo que separó a “Ceremony” en un año de proyectos pesados de boy groups fue su honestidad. No impostó ni se infló. Celebró logros ganados a pulso, estampó su autoridad con una sonrisa y dejó claro que Stray Kids ya no estaban rondando el mainstream. Estaban corriendo directamente hacia él.

TWS - OVERDRIVE

“OVERDRIVE” se sintió como TWS alcanzando una marcha que habían insinuado pero no habían abrazado completamente hasta ahora. El grupo siempre ha prosperado con la emoción llevada al máximo, pero este tema la empujó hacia algo más concentrado: colores más fuertes y una sensación de urgencia que les sienta mucho mejor que la inocencia pulida con la que debutaron. Es una canción que se mueve como un pensamiento adelantándose a sí mismo, todo brillante, sin aliento e imposible de detener.

El proyecto play hard los posicionó como un grupo probando sus límites, pero “OVERDRIVE” es donde esa intención realmente cristalizó. Las voces oscilan entre la áspera y la dulce, a veces en el espacio de una sola línea, mientras la melodía se inclina hacia arriba con la clase de confianza temeraria que solo un grupo joven puede sostener con sinceridad. Incluso la teatralidad se siente ganada, moldeada en parte por su propia contribución: imaginar actuaciones antes de que existiera la coreografía, volcar metáforas personales en las discusiones de escritura y, en el caso de Jihoon, dejar su huella directamente a través de la coreografía.

No hay vacilación en la entrega. “OVERDRIVE” avanza a toda velocidad, priorizando la emoción y sin filtros, pero sostenida por una precisión que por fin alcanza su ambición. Es TWS no solo empujando más fuerte, sino dándose cuenta de que pueden.

ZOONIZINI - Some Things Never Change

“Some Things Never Change” llegó con esa facilidad que solo artistas con diez años de carrera pueden desplegar sin esfuerzo. MJ y Jinjin presentándose como ZOONIZINI se sintió menos como una reinvención y más como un resurgimiento: dos intérpretes sin nada que demostrar finalmente dando forma a la ligereza que siempre vivió en su química. El concepto tipo juego de mesa de su EP DICE marcó el tono, juguetón y deliberadamente sin complicaciones, pero la canción principal llevaba una corriente emocional debajo de su brillo.

La canción se mueve como un recuerdo veraniego que no te das cuenta de que extrañabas hasta que vuelve a tus manos. Las voces de MJ brillan con esa claridad familiar —calidas, elásticas, sin forzar— mientras Jinjin hilvana sus versos con una soltura que le da pulso a todo el tema. La producción es optimista sin caer en la caricatura, apoyada en una melodía suave pensada casi para levantar las comisuras de la boca de forma involuntaria.

El vídeo lo selló: colores bañados por el sol, aire libre, pequeños gestos que impactan más que los grandes. Es el tipo de sinceridad que golpea por sorpresa. ZOONIZINI no persiguió la nostalgia; simplemente mostraron lo que aún les sale natural. Un recordatorio de que algunos artistas envejecen hacia la luminosidad en vez de salir de ella.

Xdinary Heroes - Beautiful Life

“Beautiful Life” capturó a Xdinary Heroes a todo voltaje —una banda que no teme cubrir la furia con glamour y dejar que la contradicción haga el trabajo pesado. Nunca les ha interesado prescribir significado, y esa filosofía está en el corazón de la canción. La propia descripción de GUNIL lo dice todo: no es un himno con una tesis fija, es una invitación abierta. El poder viene de la ambigüedad, no de la directiva.

La rabia del tema es inconfundible, pero el objetivo nunca es el yo. Está dirigida a algo más grande y más difícil de nombrar —una fuerza que te moldea, te exprime, exige resistencia sin prometer alivio. Incluso su línea más fría, “No one’s here to find you / No one’s here to love you”, se percibe menos como autocompasión y más como una bengala disparada al aire, una advertencia entregada con claridad más que con desesperación. Hay una extraña belleza en cómo emparejan esa dureza con melodías amplias y puentes casi espirituales.

Las comparaciones con Queen o My Chemical Romance no son accidentales. Xdinary Heroes abrazó la idea de una ópera rock, preguntándose cómo sería eso en su universo. El resultado fue enorme en escala pero preciso en sentimiento — teatral sin perder filo, emocional sin volverse sentimental. “Beautiful Life” funcionó porque se negó a simplificar el mundo del que proviene.